Les Reportages du Fourneau----

INTERVIEW : Théâtre de l'invisible

Lucie Corouge — 2009-06-15T12:30:00Z

Entre théâtre et réalité, La Compagnie N°8 vient de réaliser une prestation mémorable à Henvic de Donnez-nous votre argent, où ils dénoncent avec humour un monde d'argent et d'hypocrisie. Entre deux costards cravate, rencontre avec ces phénomènes, en espérant qu'ils ne viennent pas me demander de l'argent...

Pouvez vous revenir sur votre parcours ?

Benoit : J'ai commencé à faire du théâtre quand j'avais 12 ans, j'ai travaillé dans une école à Bordeaux et vers 14-15 ans j'ai commencé à faire des rôles professionnels en théâtre. Et puis je suis monté à Paris pour faire l'école Jacques Lecoq, pendant 2 ans, en sortant j'ai commencé à faire un peu de théâtre dans une compagnie. Ensuite je suis rentré au Rire Médecin en tant que clown dans les hôpitaux, ce que je fais depuis 7 ans et où j'ai rencontré Alex. Et puis je continue à peu près tous les ans à faire une pièce. J'ai rencontré en parallèle une bande de réalisateurs-scénaristes-amateurs avec qui je fais des projets audiovisuels à peu près tous les ans et notamment il y a un an et demi j'ai crée une émission internet qui s'appelle Ça sent le fromage, une fausse émission culturelle et on a fait 65 épisodes. J'essaie de défendre ça, aujourd'hui on a un producteur et on cherche une chaine. Et puis il y a 4 ans, avec Alex on s'est dit qu'on aimerait bien bosser ensemble. Donc on est parti sur cette idée de Donnez nous votre argent et puis assez vite on a vu qu'on s'entendait bien qu'on se comprenais et que ça marchait bien. On a crée un petit spectacle en impro dans la rue, on l'a répété beaucoup dans la rue, plutôt qu'en salle, on a testé pas mal de trucs et le spectacle a évolué et on en est arrivé là.

Alex : je suis parisien issu du cirque, mes parents étaient dans le cirque depuis plusieurs générations. J'ai eu une vie un peu dans le cirque et un peu dans la vie on va dire normale, scolaire. A 18 ans j'ai raté lamentablement mon bac donc j'ai décidé de m'engager dans la voie du cirque et du spectacle. J'ai rejoint mon père aux États Unis, j'ai fait 3 ans de cirque où je touchais à tout. J'ai rencontré des clowns, des artistes de rue et c'est un peu comme ça que j'ai découvert les arts de la rue. Ça m'a bien plus et du coup je suis revenu en Europe, car c'est quand même beaucoup plus vivant qu'aux États Unis. Et là j'ai commencé à me lancer dans la rue, d'abord en solo, je suis allé de gauche à droite, j'ai fait beaucoup d'impro pendant pas mal d'années. Je suis parti à 25 ans en Italie où j'ai retrouvé Stéphie dans une compagnie de danse contemporaine. On a travaillé pendant trois ans, entre temps je me suis fait engagé au Rire Médecin, j'y suis depuis quasi 10 ans. Et il y a 4 ans avec Benoit, on discutait théâtre et on sentait un bon feeling artistique et puis on s'est dit on fait un essai, on se lance. On a fait les premières présentations de travail à Aurillac, on s'est dit on va voir si ça marche et si ça marche pas on passe à autre chose. Et ça a bien pris, on avait que 20min de spectacle très impro, très fulgurant et ça nous a donné envie de continuer.

Vous vous êtes formés en participant à « Rue Libre », vous participez à nouveau à l'évènement cette année ?

Alex : oui on recommence cette année. Ce qui s'est passé cette première année de « Rue Libre », on a rassemblé 22 copains et copines toujours autours de cette thématique du business, cravate, tailleur et qui nous plait tellement. Et on a proposé pour « Rue Libre » de faire une grande déambulation sur des thèmes assez précis, on s'est bien marrés et il y a eu un bel impact. C'est là qu'on a eu une proposition de Jean-Raymond Jacob de la compagnie Oposito, de créer un vrai spectacle autour de cette déambulation. On s'est lancé là dedans et Sotteville (Sotteville-Lès-Rouen) nous a rejoint en tant que coproducteur et le Fourneau également. Là on est en pleine création depuis 3 semaines, on doit finir dans 2 semaines et on fait notre première le 16 mai à Noisy Le Sec.

Ce nouveau spectacle, Homo Burocraticus, reprend le même thème que Donnez nous votre argent, celui des hommes d'affaires, du business, d'où vous vient cette envie d'explorer ce sujet ?

Benoit : parce que c'est quelque chose qui nous choque, qui nous parle. Maintenant avec la crise, les informations, tout le monde en parle partout tout le temps. Nous depuis que l'on a commencé à travailler ensemble c'est le premier thème qui est venu. Cette absurdité de l'argent, du pouvoir, cette hypocrisie du business man, du politique et du commercial qui se ressemblaient. Cet uniforme du costard dans le monde entier, c'est tout ce monde là qu'il nous paraissait justement drôle. Sur notre site on peut voir une phrase de Léo Bassi qui dit qu'il joue en costume cravate car comme ça quand un enfant verra dans la rue un homme en cravate il dira « oh regarde maman un clown »... Donc voilà pour nous c'est un peu ça... C'est tellement absurde, qu'on a eu envie de le dénoncer.

Alex : C'est vraiment ce thème là qui nous a inspiré. On a voulu parler de ça, dénoncer certaines choses. En parler mais toujours avec de la distance, que ce soit quand même toujours du spectacle sans devenir revendicatif. Et puis on s'est dit comme Léo Bassi le dit, que plus on montrerait ces gens dans une absurdité totale, plus ça nous parlerait à nous artistiquement et plus je pense ça parlerait aussi aux gens qui nous voient. Et aussi je pense que ça doit être un grand plaisir de voir ces trois personnages qui représentent bien ces banquiers et ce monde financier en train de se fouttre des coups de mallette. Souvent des gens reviennent en nous disant « qu'est ce que je ferais bien ça à mon banquier... »

Benoit : c'est une forme d'exutoire et puis une volonté justement de casser cette image des mecs bien habillés, propres sur eux et puis en fait qui délirent, qui ne tiennent pas la route et qui sont incompétents.

Vous avez toujours travaillé dans la rue ?

Benoit : non moi je n'avais jamais fait de rue avant, sauf quand j'étais adolescent j'avais participé à un gros festival international à Bordeaux, et je faisais des petits boulots pour plein de grandes compagnies de rues qui étaient bien gentilles avec le petit adolescent qui essayait. Et puis après j'ai joué deux fois avec une grande compagnie japonaise qui s'appelle OM2 mais c'était très furtif, j'ai du faire 5 interventions dans des spectacles de rue en tout... C'est Alex qui m'a fouttu dehors !

Qu'est ce qui vous plait dans la rue ?

Alex : moi ce que j'aime dans la rue c'est que c'est immédiat, même si là on est dans le cadre d'un festival, où c'est plus organisé. Mais moi j'ai commencé et avec le trio aussi on a commencé le théâtre de rue comme ça se fait encore, mais de moins en moins où on allait dans la rue et où on constituait un cercle de gens qui se disaient « c'est quoi ça ». On avait composé des petites scénettes, des jeux, beaucoup d'improvisation. C'est ça qui me plait beaucoup, c'est immédiat, c'est frais et puis surtout c'est accessible à tout le monde. On a vraiment un panel de gens qui sont le plus ouvert possible, on a des riches, des pauvres, des touristes, des enfants. Et puis j'aime bien le fait qu'on est à l'air libre.

Benoit : et puis il y a une espèce de vérité dans le lieu qui fait que nous on peut partir. Du fait aussi du costard cravate, ça crée un ensemble qui fait vie normale, surtout à Paris. Quand on est sorti comme ça en costard cravate, les gens ne se disaient pas « tiens qu'est ce que c'est ». Et il y a aussi ce truc qui nous plait beaucoup c'est le théâtre de l'invisible. C'est-à-dire d'amener tout d'un coup quelque chose qui pourrait paraître normal et puis petit à petit on se dit « mais c'est quand même bizarre » et puis petit à petit on se dit « non mais attends c'est quoi se délire » et enfin « ah oui d'accord c'est un spectacle ». Et de jouer sur cette ambiguïté nous plait beaucoup. Quand on va s'asseoir, qu'on a payé sa place, qu'on a choisi d'aller au spectacle, c'est pas du tout pareil. Il y a tous les possibles qui peuvent être fait dans la rue. Les gens viennent, ils sont hyper ouverts et généreux, à se dire « qu'est ce que c'est, on laisse la chance au spectacle on verra bien ce que ça donne », et c'est ça qui est bien.

Alex : en rue les gens sont plus à l'aise dans le sens où il y a plus d'interactivité, c'est vrai que nous on cherche ça aussi dans notre travail. On est beaucoup “sur” les gens. Il y a vraiment un échange et c'est ça que j'aime bien. C'est-à-dire qu'il y a toujours une espèce de danger mais aussi de surprise qui arrive, aujourd'hui c'est un gamin qui passe sur la piste, et bien on en joue, et c'est ça qui me plait, c'est pas “oh mon dieu y a un gamin”, au contraire, le petit « accident » qui peut arriver pour nous c'est un bonheur.

Benoit : surtout que le spectacle il n'est fait que de ça, d'accidents, de délires. La rue pour ça ça fait parti des choses qui nous plait. C'est le fait qu'il y a toujours un pourcentage d'impro, d'imprévu et puis une vraie confrontation avec le public. Même si nous on a pas envie de les mettre en jeux volontairement. Mais on a envie quand même qu'il y ai une vrai rencontre, couramment on leur parle, on déconne sur ce qu'ils sont, sur ce que l'on est. Et c'est pour ça que le thème de l'argent nous a vraiment plu. Le fait de demander réellement aux gens qu'ils nous donnent leur argent et d'attendre et d'attendre vraiment, ça ça nous plait énormément. Ça crée un espèce de faux malaise. On le joue des fois en salle, c'est intéressant mais c'est pas pareil, en rue c'est quand même génial. Il y a un vrai rapport avec tous les spectateurs. Parce que là quand on est à un festival, on est payé donc c'est différent, mais quand on joue dans la rue, à la sauvage il y a un vrai malaise “ils veulent vraiment de l'argent ? C'est la fin du spectacle ? C'est pas la fin du spectacle...” Même pour les gens je pense que c'est un moment qui est vraiment drôle. C'est ça qui est bien en rue et qu'on n'aura pas du tout de la même façon en salle.

Vous aimez cette idée du Théâtre de l'invisible, vous pouvez revenir sur ce principe ?

Alex : C'est un théâtre qui était à la base revendicatif et social des années 70, expérimenté par Augusto Boal, qui était brésilien. Son idée à lui c'était de créer des scènes, plus pour mettre en confrontation des gens dans la rue, face à une situation donnée, et d'observer leur réactions. Par exemple, il a créé une scène où une femme se faisait embêter assez lourdement par deux hommes, et l'idée c'était de voir comment les gens allaient réagir et s'ils réagissaient ou pas. Ensuite il y avait toute une tournure suivant ces réactions. Nous c'est ce qui nous intéresse dans ce même mouvement. Moi quand j'ai commencé en rue j'avais le nez rouge, un costume ridicule et tout ça donc c'était clair, évident, je faisais de la rue. Les gens savaient que je venais pour faire quelque chose apparemment comique. Quand nous on est arrivés en costume cravate, le rapport était complètement différent. Si nous, on ne fait rien, les gens passent devant nous et pas une seule seconde ils ne se doutent qu'on est des artistes. Et c'est ça qui nous intéresse, c'est de savoir jusqu'à quel moment on est dans le « normal », et à quel moment on bascule dans le spectacle.

Benoit : on joue sur le rapport fiction-réalité. on peut se permettre de friser avec la réalité. Ce spectacle emblématique en costume cravate, plait beaucoup aux gens, parce que jusqu'au dernier moment ils ne savent pas ce que c'est. C'est le mouvement qui fait que là, ils comprennent que c'est du théâtre.

Un souhait pour la suite ?

Benoit : plein de fric, des dates.

Alex : et surtout que l'ensemble de la profession puisse continuer. Il y a beaucoup de festivals qui sautent car ils ont de en moins de soutien financier. On en a peur, on espère pouvoir continuer. Les Arts de la Rue en France c'est une exception culturelle. C'est vraiment une chance dans ce pays que cet art existe. Et c'est dommage que ça se disloque par des choix politiques. Les Arts de la Rue, c'est une exception culturelle à défendre.

Merci à Alex et Benoît, un agréable moment avec deux cadres décontractés. Vous pourrez retrouver La Compagnie N°8 au FAR de Morlaix, où elle reviendra en nombre et en costume pour Homo Sapiens Burocraticus.

Plus d'info par ici

INTERVIEW : Sérénade sous les pommiers

Lucie Corouge — 2009-05-25T13:38:00Z

Les deux apprenties ornithologues d'aïe aïe aïe terminent leur escapade champêtre à Plourin-Lès-Morlaix, où elles ont passé une semaine de création. Après deux représentations publiques de Pavanes, pour le Mai des Arts, elles acceptent de se prêter au jeu de l'entretien et de nous livrer leurs premières impressions. Un entretien "à chaud", avec beaucoup de réflexion et d'auto-critique sur ce spectacle encore frais et qui comme un bon fromage, reste à affiner (dixit justine)

Votre présentation était risquée, il vous fallait du silence et du calme. Vous avez passé une semaine à répéter sous les pommiers, il y avait pas mal d'oiseaux et je sais que vous appréhendiez un peu le fait qu'ils s'enfuient à cause du public et du bruit. Au final tout c'est bien passé...

Charlotte : C'est vrai que l'on n'a pas eu trop d'interférence avec les autres spectacles, et puis il y a eu des oiseaux. Sur la deuxième séance il y en a eu beaucoup, et c'est quand même quelque chose de chouette. Mais même s'il y en a peu, c'est intéressant d'arriver à amener les gens à ouvrir les oreilles. C'est plutôt là dessus qu'on travaille.

Justine : Et de toute façon, dans la direction dans laquelle on veut aller et qui est assez décalée, on peut se servir de tous les sons « parasites ». Enfin que l'on peut appeler parasite, mais les intégrer aussi. Par exemple des cloches, un avion... Moi même j'aime particulièrement quand un avion passe !!! Mais tout à l'heure les 5 martinets (espèce d'oiseaux) qui sont passés juste au dessus de nous, c'était quand même assez magique...

C'est assez risqué du coup comme proposition, si vous devez jouer en salle c'est beaucoup plus difficile...

Charlotte : L'univers sonore, les oiseaux c'est en fait un prétexte pour ouvrir les oreilles. Évidemment c'est beaucoup plus simple, beaucoup plus poétique et bucolique quand il y a des oiseaux mais je pense que même une pluie battante dans un hangar ça peut être intéressant.

Justine : Parce qu'on est pas dans quelque chose de véridique par rapport à l'ornithologie. On n'est pas ornithologues. C'est vraiment que de la fantaisie. Donc ce fameux oiseau qu'on cherche ça pourrait très bien être le bruit du percolateur de la cafétéria...

Charlotte : il faut amener les gens à cet état là, d'écouter. Et je pense qu'il y a encore des choses à trouver pour ça, mais en même temps on a eu des moments d'écoute assez uniques.

C'est un travail sur l'écoute mais aussi sur le langage...

Charlotte : oui c'est une envie qu'on avait. Là maintenant avec le recul, on se dit que c'est peut être un petit peu copieux...

Justine : mais c'est en testant comme ça qu'on se rend compte de ce qui doit être un petit peu allégé, ou au contraire affirmé.

Charlotte : mais en même temps oui, ça fait partie de cette écoute qu'on a, non plus pour le sens des mots, mais pour la sonorité des mots. Ca je ne sais pas si ça c'est vraiment ressenti ...

Votre compagnie aime beaucoup travailler sur des projets à taille réduite, assez intimistes et pour des petites jauges, qu'est ce qui vous pousse à ce type de rencontre ?

Charlotte : tu disais que c'est une mise en danger, oui c'est vrai et en même temps, c'est un confort formidable parce que c'est toujours adaptable. Après ça prend du temps d'adapter chaque représentation aux circonstances mais c'est un enjeu important. Ça oblige à faire avec les moyens du bord et c'est ça que j'aime assez. C'est une forme d'économie par rapport à la création qui peut être intéressante. Plutôt que d'avoir un gros spectacle, avec plein de moyens, avec une grosse sono, plein de gens, on essaie de faire avec ce que l'on a et de faire en sorte qu'il y ai un instant précieux à ce moment là.

C'est votre première expérience en rue ?

Justine : pas vraiment, on a eu des approches mais pas de ce qu'on peut appeler du travail en rue. Moi j'avais fait un spectacle au balcon, les Balconnades. C'est en extérieur mais ça reste particulier.

Charlotte : cette approche du public à l'extérieur, moi je ne l'avais pas encore éprouvée. Ça change vraiment beaucoup de la salle mais je trouve qu'il y a une proximité avec le public qui est super.

Charlotte : oui, on est avec eux, on les voit. On n'est pas devant un écran noir. Même si on sent toujours une salle, il y a quelque chose qui se passe. Et ce n'est pas du tout la même sensation.

Justine : Cette idée de partager, là elle est hyper tangible. Elle est écrit en grand, au dessus de nous. Ça se sent, c'est là, ici et maintenant...

Pouvez vous me parler de votre compagnie, elle est basée sur un collectif d'artistes ?

Charlotte : Aïe aïe aïe a été créée par Julien Mellano en même temps qu'il a créé son premier spectacle, Mon Œil. Avec l'envie depuis le début d'en faire un espace qui est ouvert à des propositions artistiques différentes, avec des esthétiques diverses aussi. Et depuis deux ans la compagnie s'est élargie avec 4 directeurs de projets artistiques qui peuvent intervenir les uns ou les autres dans chaque projet mais aussi des gens complètement extérieurs.

Justine : ce n'est pas un vase clos

Charlotte : et c'est l'intérêt pour nous de ce fonctionnement. Ça permet d'avoir des échanges, un retour. Par exemple Julien est venu hier jeter un œil juste avant notre première et c'est important aussi d'avoir ces échanges. En tout on est donc 4, il y a Julien, Justine, moi... Justine qui a aussi ses propres projets.

Justine : dont un qui tourne en ce moment, La berceuse qui est aussi très intimiste

Charlotte : et puis Benoit Hattet qui a monté l'année dernière une adaptation de l'histoire d'Eléphant man au théâtre dans une forme très réduite pour une petite centaine de personne. Les gens sont invités à entrer dans la chambre d'hôpital de Joseph Carey Merrick, juste pour le rencontrer et le voir de visu.

Justine : mais après ce n'est pas réduit. C'est vrai qu'au départ il y a un intérêt pour cette rencontre très précieuse mais Beastie Queen, une création de 2007, est un spectacle pour plus de monde que ça et le spectacle que prépare Julien actuellement, c'est la même chose.

Charlotte : Je ne sais pas à quoi c ‘est dû. C'est l'envie d'être dans une relation intimiste avec les gens, d'imaginer une proposition qui est plutôt dans ce timbre là. Je crois que si on essaie d'imaginer une forme de spectacle vivant pour une jauge qui est beaucoup plus importante, on n'est plus du tout dans la même question. Mais c'est important aussi, on a envie que ce soit possible de l'agrandir, et on y réfléchit.

Justine : mais on a envie de passer par cette étape d'abord. Il n'y a pas de hiérarchie. On ne s'exprime pas pareil devant 500 ou 30 personnes.

Charlotte : le rapport à la foule, le fait d'être rassemblés n'a pas le même sens si on est 30 ou si l'on est 1000. C'est comment on amène et comment on donne du sens à ce rassemblement qui est important. Nous on est toujours dans ces questions là. On essaie déjà que ça ait du sens à 100 ou 200 et c'est déjà pas mal.

Il y a beaucoup de chant dans Pavanes. Justine, tu as une formation en chant lyrique, comment ça c'est passé pour toi Charlotte cette approche au chant ?

Charlotte : oui et bien ça se passe laborieusement il faut le dire. Je ne suis pas chanteuse et je n'ai aucune prétention à l'être. Pavanes c'est surtout un jeu sur la langue et les capacités « phonatoires » de l'être humain. Et le chant ça en est une. Ce qui est intéressant c'est de voir les deux, ça s'éclaire l'un l'autre. Après, moi j'aime les choses un peu barrées de poésie sonore, des expériences dadaistes, des choses bruitistes, c'est un travail de la voix que je trouve assez fascinant. On essaie plutôt de travailler tous ces matériaux, que ce soit des roucoulades lyriques ou que ce soit un son qui peut paraitre très brutal et très rauque mais qui a aussi une qualité sonore particulière.

Et la prochaine étape de Pavanes c'est quoi ?

Charlotte : c'est dans 15 jours avec Damien Bouvet, lui-même comédien et qui dirige une compagnie qui s'appelle Voix-Off et qui fait beaucoup de spectacle solo. Donc ça va être une expérience aussi pour lui de nous faire travailler ensemble. Mais ça va être une pratique, un travail physique sur la présence du corps qui je pense peu nous apporter beaucoup de choses par rapport à Pavanes. Parce que c'est aussi très visuel et pas seulement sonore comme spectacle. Et puis en juin on a un autre temps de travail plutôt sur la voix et le son. Et on joue ce qui au départ devait être une première représentation dans le cadre du festival des Tombées de la Nuit au Tabor à Rennes.

Dans un cadre complètement différent de Plourin...

Justine : oui mais c'est ça qui est super. Et puis le but c'est à chaque fois d'arriver à recréer quelque chose avec un nouveau décor et une nouvelle variation sonore qu'on ne peut pas maitriser.

Charlotte : et puis là on est au mois de mai, dans un cadre on va dire bucolique et champêtre avec les pommiers, mais de jouer en juillet au Tabor, comme de jouer en octobre, ça n'a rien à voir et c'est ça aussi que j'aime dehors.

Justine : et puis on est obligé de faire sur place avec les éléments, parce qu'on peut arriver sur un site trois mois avant, pour arriver à se figurer comment il sera trois mois plus tard... On peut se dire oui il n'y aura plus de feuille etc... mais ça n'est pas pareil, ça ne donne pas d'idée du volume, du son de ce qui sera fourni.

Un souhait pour la suite ?

Justine : que l'on trouve le « syrinx », cette espèce si particulière que nous recherchons.

Merci à Charlotte et Justine pour cet entretien parsemé de petites explorations des sonorités.

Pour en savoir plus :
Le site de la compagnie
La page résidence du Fourneau

INTERVIEW : Quand le Dada entre dans la danse

Lucie Corouge — 2009-05-23T13:11:00Z

Pendant une semaine, Pied en Sol a établi son cabaret à Plouégat-Guérrand. Deux rencontres avec les écoles, trois représentations publiques, la semaine de création a été chargée. C'est peut être le moment de faire le point avec eux sur cette création qui va chercher ses inspirations un peu partout, surtout partout. Et comme un bonheur n'arrive jamais seul, c'est sous le soleil que les trois Pied en solistes m'accueillent pour l'entretien.

Tout d'abord pouvez vous vous présenter...

Denis : je suis danseur depuis l'âge de 15 ans et je n'ai fait que ça de ma vie. J'ai fait beaucoup de choses au niveau de la danse contemporaine un peu en autodidacte. Dans un premier temps j'ai eu une formation en danse traditionnelle, parce que je suis de Bretagne, donc je me suis intéressé au territoire et à la culture bretonne. Et puis après vers 16 ans j'ai découvert la danse contemporaine qui m'a beaucoup plu, mais sans renier la culture bretonne. Ma première compagnie, était justement inspirée des traditions celtiques, avec toute une recherche entre la modernisation et la danse traditionnelle. On essayait de remettre un petit peu les pendules à l'heure par rapport au monde d'aujourd'hui vis à vis de la tradition. Et après ça a été Pied en Sol que l'on a monté avec Brigitte en 94. Et on est allé carrément sur un autre univers, on a lâché le celtique et on est parti à la recherche d'autres façons de penser. Dans les premiers temps de la compagnie, on était chorégraphes tous les deux et en 98 on s'est intéressé à la rue avec un duo qui s'appelle Chemin faisant. Maintenant ça fait une dizaine d'années qu'on est dans des projets de rue, avec en tout 8 créations de différentes formations : solo, duos, quatuor... Et puis ça continue.

Christophe : je suis professeur de musiques actuelles au conservatoire de Redon, et je partage ce temps avec les spectacles, les groupes et notamment la compagnie Pied en Sol dont je fais partie depuis maintenant trois ans. On a crée ensemble Rue Taquin dont la première a eut lieu il y a trois ans à Morlaix. Et là avec Brigitte et Denis on en est à notre deuxième création ensemble.

Brigitte : moi je suis compagne de vie de Denis, avec qui je danse depuis 25 ans. J'ai à l'origine un parcours en danse contemporaine. On s'est rencontré avec Denis dans cette première compagnie, j'ai fait ce travail autour de la tradition celtique pendant une dizaine d'années. Et puis à un moment on a eu envie de changer, d'aller sur notre propre travail, de voir ce que nous deux on avait envie d'écrire. Et on a lancé Pied en Sol. Et très rapidement on est arrivé dans la rue, et c'est là pour nous un vrai écho à notre travail chorégraphique.

Et pourquoi justement ? Qu'est ce qui vous plait dans la rue ?

Brigitte : c'est la rencontre au public. C'est à la fois toute la difficulté et ce paradoxe là, c'est-à-dire qu'un regard, car ce n'est pas mille regards, c'est un regard de spectateur qui peut te traverser, te transporter. C'est le fait de danser entre ciel et terre, tu as cette dimension de verticalité qui est assez extraordinaire et tout le travail de proximité avec le public.

Denis : ce qui est intéressant aussi c'est d'être dans différentes rues, villes, communes, pour différents volumes, différents publics. Des publics très différents les uns des autres, des publics qui connaissent bien le spectacle d'art de rue, d'autres pas du tout et c'est ça qui est intéressant, à chaque fois pour nous il y a différentes façons de rentrer en communication avec le public et les habitants. Là par exemple à Plouégat-Guérrand c'est une découverte, on a rencontré l'équipe municipale, des habitants, comme ça dans la rue. C'est convivial et c'est ça qui est intéressant, cette espèce d'approche qu'on ne voyait jamais quand on a commencé la danse, parce qu'on était toujours dans nos salles, enfermés dans une boite noire. Entre une salle de répétition et une scène ouverte c'est un monde vraiment différent. Ce qui est attrayant c'est ça, même s'il n'y a pas que ça qui nous attire, mais ça fait parti du jeu.

Comment vous est venue l'idée de travailler sur le dadaïsme, c'est le fait que ce soit ouvert à tout les possibles ?

Christophe : la première chose, c'est qu'on a fait une création Rue Taquin ensemble. Et quand on a eu envie de refaire un travail à trois, il fallait de toute façon que ce soit différent. Alors on a commencé par se dire ce qu'on ne voulait pas refaire et ce qu'on n'avait pas fait jusqu'ici et qui vu nos âges avancés, il était grand temps de faire. Donc entre autre dans les critères de départ, il y a le fait que Brigitte et Denis doivent participent à la création de l'environnement sonore et éventuellement de la musique, que de mon côté aussi j'intervienne corporellement dans l'histoire. On voulait aussi que ça ne soit pas une histoire d'un couple de danseur avec un musicien qui accompagne. Du coup ça faisait déjà du ménage dans les propositions.

Brigitte : au départ on voulait travailler sur le thème du bal en partant du film d'Ettore Scola Le bal. Mais on avait peur que ça nous ramène encore à une histoire qu'on avait déjà traversée, une histoire de couple de danseur. Donc on a commencé à chercher sur internet, on a tapé « bistro », « bastringue » et là on est tombé sur le Cabaret Voltaire. Et là quand on a lu ce qu'était le Cabaret Voltaire on s'est dit c'est ça ! Et on voulait aussi retravailler une écriture contemporaine, donc on a trouvé que c'était idéal, c'était très ouvert. Et au niveau de la création ça a été vraiment passionnant. Tout ce qu'on a pu développer ou aller chercher, fouiller, c'était vraiment super.

Christophe : ça nous a donné plus qu'un cadre artistique, ça nous a surtout donné une façon de travailler, une façon d'entamer cette création, notamment au moment de la danse.

Denis : moi ce qui m'a plu dans le dadaïsme, c'est que les peintres de l'époque se sont mis à créer une autre façon de mettre en tension leurs peintures ou leur expression. C'est de la matière. Ce n'est pas que de la peinture ça pouvait être des objets, des choses qui tout d'un coup devenaient surprenantes sur un tableau. Donc on s'est dit, à travers la danse on va peut être pouvoir chercher de la matière. On est partis d'une chanson, d'un texte, d'une image, et avec ça on a obtenu des thèmes, des partitions chorégraphiques,. Tout ça grâce à des matières différentes. On a eu du coup un tas de mouvements qu'on a mis en banque et puis on a essayé de voir comment on pouvait faire pour les mélanger. C'était vraiment intéressant parce qu'il y a eu une multitude de choses possibles. Donc il y a eu ces deux fonctionnements, d'abord aller rechercher des mots, aller rechercher des images, des chansons de la musique, et ensuite commencer à faire un tableau, brouiller des pistes. On ne voulait pas tomber dans quelque chose qui soit un récit avec un début, un milieu, une fin. Même si il y en a, mais ce n'est pas une histoire construite. Et du coup ces matières là elles se sont mélangées.

Christophe : quand on a décidé d'aborder cet environnement dada, on n'avait pas la prétention de faire du dada, mais plutôt d'utiliser les techniques de travail du dadaïsme, à savoir le découpage, le collage, le tirage au sort. Le fait de juxtaposer des choses qui à priori n'ont rien à voir plutôt que de partir d'une esthétique, comme ce qu'on a pu faire dans des spectacles précédents, partir d'un type de danse, d'une narration. Là c'était vraiment la méthode assez ludique et du coup nouvelle pour nous, de réinvestir ça dans notre travail, pour nous provoquer nous même. C'est ça aussi l'intérêt pour nous d'être dans la rue, c'est de toujours ce remettre en question. Dans la création d'un spectacle, et même dans un spectacle dont on a l'impression qu'il est crée, il continu à vivre et il continu à être questionné par le rapport au public.

Cette manière d'aborder la création, c'est nouveau pour vous ?

Brigitte : on avait un peu abordé ça dans Filigrane fanfare, à partir de partitions. Mais là ce qui était vraiment super c'était toutes les sources d'inspiration que l'on a eu pour créer et on pourrait encore continuer.

Christophe : il y a des choses qu'on n'a pas évoqué, qu'on a mis de coté parce qu'on ne pouvait faire toutes les propositions en 50 minutes. Mais c'est vrai qu'on a pris beaucoup de plaisir dans la première phase de création et du coup la grande question ensuite ça a été comment on va mettre tout ça en forme.

Brigitte : et puis à quoi ça va ressembler ? Donc du coup on a fait appel à un metteur en scène qui nous aide un peu à mettre un espèce d'ordre là dedans parce que c'était très complexe de savoir ce qu'allait donner vraiment le spectacle.

Christophe : et c'est pour ça que c'est important des rencontres avec le public. Comme il n'y a pas de narration à proprement parler dans l'histoire, ça nous permet si on le souhaite d'inverser les ordres, d'enlever un numéro et de le remplacer par un autre. Là dessus on n'a aucun souci, et on a besoin maintenant de ce retour avec le public pour voir quelles sont les pistes à conserver, à retravailler, à changer...

Et pour toi Christophe, comment ça s'est passé ce passage à la danse, Brigitte me disait en plus que tu as été interdit de guitare électrique, ça fait beaucoup de changements...

Christophe : ça faisait partie effectivement des critères imposés. Interdiction de faire ce qu'on avait déjà fait, donc sur Rue Taquin j'étais à la guitare électrique et au chant. Et comme on m'a interdit d'utiliser ça et bien j'ai vidé ma chambre et j'ai ramené tout ce que j'avais d'autre. J'avais envie d'utiliser des machines. Là j'utilise une groove box, aussi pour donner un côté un peu plus musclé, plus électro dans la création. Sachant que dans le dernier spectacle Rue Taquin, l'ambiance était plus rock, Chemin faisant c'était plus guinguette avec l'accordéon, là moi j'avais envie à mon tour de provoquer un peu Brigitte et Denis en amenant cette machine et ces petites touches de musique électronique. J'utilise encore la pédale de boucle mais elle nous sert d'une autre manière. Elle nous sert un peu de jukebox. Et puis j'ai récupéré également le saxophone et les petites percussions. L'autre aspect qui est assez important dans l'histoire c'est la bande son sur laquelle on a travaillé avec Fred Rénno notre metteur en scène pour vraiment plonger le spectacle dans une ambiance et que se ne soit pas seulement un musicien qui fasse une partition musicale, mais qu'on ait vraiment toute une ambiance sonore.

Vous travaillez beaucoup avec les scolaires, j'ai vu que vous travailliez avec une classe de la cité de Beaumont à Redon...

Brigitte : oui en fait au départ on avait joué à Beaumont Rue Taquin et Ramoneur. Et puis il y a eu quelque chose qui s'est passé en particulier avec cette classe et donc on leur a proposé de venir nous voir à deux étapes de travail. La première où on n'avait que des bouts de pleins de trucs, on leur à expliqué ce que c'était le dadaïsme. Une première rencontre qui nous a d'ailleurs beaucoup apporté dans notre travail à nous. Et une deuxième séance, après la présence de Fred Rénno, où on a fait des bouts de filage en expliquant comment on avait rassemblé les choses. Et la semaine prochaine, ils nous accueillent dans la cour de l'établissement pour qu'on puisse présenter là où on en est dans le Cabaret dada.

Vous avez eu deux rencontres avec des classes de Plouégat-Guérrand pendant cette semaine de résidence, ça vous plait de pouvoir travailler avec des scolaires, qu'ils puissent s'impliquer comme ça dans une création ?

Denis : il y a un retour qui est vraiment direct. Les enfants disent les choses sans arrière pensée, ils peuvent avoir des mots qui vont nous mettre en réflexion, et à tout âge. Pendant cette résidence, il y a des enfants qui ont dit des choses soit sur les costumes, soit sur les morceaux de musique ou la façon de bouger, et d'autres, des plus grands, comme à Beaumont, sur la durée de tel ou tel tableau. Et qui nous disent c'est étrange, c'est bizarre et donc on essaie de discuter avec eux, de savoir pourquoi c'est bizarre, voir ce qu'il y a derrière ces mots, et c'est très intéressant. Là on va revoir les élèves de Beaumont, on va voir si leurs questionnements sont toujours là ou pas.

C'est intéressant ce genre de rencontres comme ça sur la durée d'une création...

Brigitte : oui et qui sont étalées. Pour nous c'était la première fois qu'on accueillait comme ça une classe sur un réel processus de création, c'est-à-dire par où on passe nous, quelles sont nos étapes, et où on en est aujourd'hui et où ça va aller sans doute demain. J'ai trouvé ça génial. Et pour en revenir avec la rencontre avec les enfants de Plouégat-Guérrand, moi j'ai quand même été sacrément étonnée. Parce qu'à la base on peut se dire que le dadaïsme et ce qu'on propose ce n'est pas du tout du tout fait pour les enfants. Et je trouve qu'il y a eu une écoute, une réception... Après quand on répétait les enfants venaient spontanément nous dire bonjour, nous embrasser... Moi j'ai été très heureuse de cette rencontre là et de cette qualité de rencontre.

Christophe : les enfants c'est un public très pertinent parce qu'ils n'ont pas encore de codes liés au spectacle, ils ne sont pas formatés. Et là en plus il y avait le fait qu'on les accueillait à venir nous voir travailler avant qu'ils ne voient le spectacle. Et plutôt qu'une rencontre « frontale » où ils viennent voir le spectacle et ils repartent, là ils sont venus voir des personnes avant de voir un spectacle. on l'a bien ressenti dans les échanges qu'on a eu par la suite. Et puis aussi Brigitte et moi on a fait beaucoup d'interventions dans le milieux scolaire. C'est quelque chose qui nourrit aussi notre pratique artistique et c'est vraiment une relation dans laquelle on se retrouve.

Vous avez participé la semaine dernière au Printemps des Jeunes Talents à Redon, c'est important pour vous de jouer chez vous ?

Brigitte : on arrive à jouer assez souvent à Redon, donc c'est assez chouette parce qu'on est quand même chez nous. On fait souvent des répétitions publiques en rue, il y a une rencontre avec les habitants qui se fait plusieurs fois dans l'année et dans des cadres différents.

Christophe : et dans la relation qu'on a eu avec les habitants de Plouégat-Guérrand, pendant cette résidence. Je pense que c'est important aussi que les artistes montrent leur travail, leur façon de travailler. Il y a des gens qui étaient étonnés de voir qu'on passait autant de temps à répéter. Il faut que les artistes et notamment les artistes de rue, parce que là c'est la réalité du boulot, montrent vraiment comment ça se passe. Pour que le public n'ai pas seulement cette vision de l'artiste un petit peu dilettante qui vient faire son petit show et qui repart. C'est vraiment un boulot, nous c'est comme ça qu'on le vit, comme ça qu'on veut le défendre. Comme expliquait Brigitte aux enfants, leurs parents sont agriculteurs, boulangers... nous on est danseurs et c'est notre métier.

Un souhait pour la suite ?

Brigitte : que le cabaret rencontre son public. Nous on est très heureux de ce travail là, après quel accueil ça va avoir au niveau du public... En tout cas ce qu'on défend, c'est d'amener ce côté contemporain dans les arts de la rue.

Une escapade dadaïste sous le soleil de Plouégat-Guérrand, un grand merci à tous les trois. Vous retrouverez la Compagnie Pied en Sol au Far de Morlaix, accompagnée par LeTatoum, pour une autre création 2009, ... Mènent la danse

Plus d'infos, c'est par ici :
– Le site de la compagnie
– Le résidence sur le site du Fourneau

INTERVIEW : Spectacle nomade

Lucie Corouge — 2009-05-08T12:43:00Z

Enrésidence à Henvic, La compagnie La Calma, a donné plusieurs représentations de sa dernière création, Tamat. Un spectacle nomade qui puise ses inspirations à chacune de ses étapes. Après leur dernière à Plourin-Lès-Morlaix, avant de repartir sur les routes, c'est l'occasion de leur demander ce qu'ils ont pu découvrir et emprunter à leurs séjours en Bretagne.

Pouvez vous vous présenter au sein de la Compagnie ?

Mélissa : je suis comédienne, directrice de la compagnie La Calma et interprète de Tamat

Khadija : j'agis en tant que metteur en scène et je travaille aussi sur la direction du jeu au niveau du masque.

David : musicien, je joue de la guitare et je mets en musique le spectacle de Tamat.

Eric : je suis comédien dans l'équipe de La Calma en général, et sur ce spectacle là je suis comme Khadija, je suis sur la mise en scène, la direction de la création. Et c'est également moi qui ai réalisé le masque.

Votre compagnie travaille beaucoup autours du masque, qu'est ce qui vous inspire dans le masque ?

Mélissa : on travaille avec le masque depuis 2000, suite à la rencontre d'Étienne Champion, sculpteur de masque, et qui nous a donné envie d'explorer cette forme qui est aussi un moyen de faire un travail sur le personnage. Quelque part, quand on travaille avec le masque, le masque impose ou propose fortement, une approche extrêmement humaine. La mise en lumière de l'humain, et je dirais que personnellement c'est ce qui m'intéresse.

Eric : Moi je suis arrivé dans cette compagnie fin 2001, et on a commencé à faire ce trio (On est peu de choses) qu'on a joué en Bretagne et un petit peu ailleurs aussi, avec une forme qu'on appelle « nez-lèvre ». Cette forme n'a rien à voir avec ce que l'on fait actuellement qui est un demi masque, ce sont deux langages différents mais qui effectivement impliquent le corps. Donc c'est vrai que depuis qu'on travaille ensemble, on explore les formes différentes de masques. Il existe les masques en Té, il existe les demi- masques, les masques nez-lèvre, les masques pleins... On les a abordé mais on a pas vraiment abouti sur ce travail de masque plein. C'est une sorte d'exploration, on crée des personnages, ensuite on se demande quelle histoire il va raconter. Et là, l'écriture arrive puis l'improvisation, donc création de la part de l'acteur. De temps en temps interviennent des auteurs, là du coup ça devient plus écrit. Et ensuite on montre au public et puis on voit ce qui marche ce qui ne marche pas, on se pose des questions, on se repositionne, et on avance un petit peu comme ça.

Mélissa tu es seule interprète dans Tamat, comment se passe la création du personnage, l'appropriation du masque, quand on est seule ?

Mélissa : et bien très rapidement on s'est rendu compte que le partenaire de jeu était le public. Donc dans la création même, il a fallut que le personnage de Tamat se confronte à un public pour pouvoir continuer à grandir, à évoluer. Ça c'est la difficulté de jouer seul. Mais de manière générale, je ne pense pas que tout le monde fonctionne comme ça avec des masques, mais nous, nos personnages sont en lien direct avec le public. Alors quand on est plusieurs sur scène évidemment, il y a des relations qui se tissent entre les personnages mais quand on est seul comme dans le cas de Tamat, ma relation se tisse avec le public. Et il a fallu dans la création et les répétitions se mettre en situation d'avoir du public pour tester des choses.

Eric : ou de l'imaginer quand on en avait pas.

Vous avez eu 3 rencontres pendant votre résidence à Henvic, avec 2 écoles et une rencontre avec des personnes âgées, ça vous a aidé dans votre travail ?

Mélissa : oui énormément, ça a été très très riche d'ailleurs. C'était des questionnements qu'on avait au début. Qu'est ce que Tamat a à raconter à des enfants, est ce qu'elle va leur faire peur... Et en fin de compte les retours ont été assez étonnant. J'ai du m'adapter à ce public là, par rapport à l'histoire qu'elle raconte qui est destiné plus à un public d'adultes, et à notre grande surprise les enfants étaient extrêmement à l'écoute.

Khadija : très présents, très à l'écoute. On s'est rendu compte que d'une certaine manière Tamat appartenait à leur imaginaire. Et leur imaginaire dépassait le cadre de la sorcière. Ils ont même dépassé leur peur première parce que le masque est assez impressionnant. Mais il est tellement porté avec générosité que ça dépasse le masque d'une simple vieille femme... A un moment il y a une question qui a été posée aux enfants : « quel est le pouvoir de Tamat », et il y a eu deux réponses : elle a le pouvoir de la générosité et elle a le pouvoir de l'amour. Donc quand on a des réponses comme celles là on se dit qu'il y a eu rencontre. Autant avec les enfants qu'avec les personnes âgées. Çà a été un passage entre des êtres qui commencent leur vie et puis tout d'un coup, on a rencontré des êtres qui sont plutôt en fin de vie. Les rencontres ont été tout aussi étonnantes. Certains même parmi les personnes âgées se sont mis à inventer des personnages, on a eu droit à la naissance d'Albert le roi des Gangster qui est tombé quasiment raide dingue amoureux de Tamat, ce qui a déclenché des jalousies parmi les dames. Çà a été très riche. En fait le personnage s'éclaire par le public.

Tamat s'inspire d'un voyage au Mali, pouvez vous revenir sur cette expérience ?

Mélissa : En 2005, la compagnie La Calma est partie au Mali pour faire un travail pédagogique auprès de jeunes maliens. On a formé 65/70 jeunes aux arts vivants : théâtre, jeu masqué, construction de masques et de marionnettes, musique. Et de là est né un spectacle, joué par ces jeunes. Nous on est venu avec notre savoir-faire et la forme, et eux ont apporté les thèmes et ont crée leur propre spectacle. Depuis, j'y suis retournée 4 fois, ça a été une rencontre assez exceptionnelle avec ces jeunes. Et puis j'ai voulu rencontrer leur famille, plus particulièrement les mamans, et les grands mères. Et là j'ai commencé à entendre des histoires, des témoignages de leur vie et peu à peu est arrivée cette histoire. Et avec la complicité de Luc Kienzel qui travaille à La Calma depuis plusieurs années et qui était aussi avec nous en 2005, on a écrit les textes de Tamat.

Un projet de retour au Mali ?

Mélissa : Oui, maintenant je suis un petit peu attendue donc c'est difficile de ne pas y retourner... Je continue de travailler avec un jeune groupe de comédiens qui s'est formé, qui ont décidé eux même de faire un travail sur le jeu masqué. Ils ont construit eux même leurs masques et continuent à créer des scénettes. Je pense y retourner l'année prochaine.

Vous terminez votre résidence à Henvic, quel a été l'objectif de cette résidence ?

Mélissa : un des objectifs était de provoquer des rencontres. Donc il y a eu deux rencontres avec les écoles, une rencontre avec les personnes âgées de la maison de retraite. un autre objectif était d'essayer des choses, on a testé le cercle ici.

Khadija : on dit tester parce que la première forme était une forme frontale. Le public était face au masque, face à la représentation et là d'un coup la comédienne se retrouve au centre. Alors comment gérer ce rapport au public, l'invention, la découverte et en même temps le récit de l'existence de ce personnage...

Mélissa : je dirais que petit à petit on s'est éloigné du conte et que de plus en plus on est dans la rencontre avec le public. Et ce cercle permet ça, c'est à dire que quelque part le public est acteur dans l'histoire de Tamat . Ce sont ses enfants, ses petits enfants, c'est comme ça que je le ressens. Le cercle permet ça. Je pense que ça ça a été la découverte de cette résidence ici à Henvic.

La prochaine étape pour Tamat ?

Mélissa : Continuer à jouer, il y a quelques représentation de prévues à Amiens en juin, et puis cet été, continuer à la faire vivre dans des lieux publics.

Que peut on vous souhaiter à tous ?

Mélissa : : De belles rencontres, des retours comme on en a eu parce que c'est très très fort quand on sent que ça fait vibrer une corde.

Si je vous dit Molène, qu'est ce que ça vous raconte ?

Khadija : beaucoup de bonheur

Eric : une grosse première étape de travail. Avant d'arriver à Molène on nous a dit vous allez voir c'est un lieu pour l'écriture. Et ça tombait très bien parce qu'en fait on venait juste de recevoir le texte sur lequel on allait travailler dans un premier temps, et le personnage et l'histoire de cette femme. Et c'est vrai que le cadre nous l'a non seulement proposé mais nous y a obligé. On était tellement calmes tellement sereins, qu'on a travaillé de manière vraiment efficace.

Khadija : c'était un cadeau aussi de jouer sur une île, parce qu'on a quitté le continent, et Tamat c'est un personnage nomade, un personnage qui voyage. Donc on était déjà en voyage, nous, ce qui nous amenait à être plus proche du personnage.

Mélissa : oui et puis un accueil assez fabuleux aussi de la part des Molénais.

Il y a quelque chose de Molène dans Tamat ?

Mélissa : je dirais qu'il y a quelque chose de très sauvage, de libre.

Eric : De toute façon il y aura dans ce personnage là, quelque chose de tous les endroits dans lesquels elle passera. C'est le principe aussi.

David : un peu d'Henvic et un peu de Plourin

Eric : et beaucoup de Mali. Et la prochaine fois ce sera un peu d'Amiens...

Khadija : Moi je me souviens d'une chose, c'est les premières courses de Tamat au milieu des champs. C'est à dire que ce personnage que l'on travaille dans des salles, tout d'un coup on le voit se mettre à courir, dévaler une colline, rentrer dans l'eau, prendre des algues... Et il prend une dimension d'infini, je crois que l'infini de Tamat, cette vision d'immensité, de liberté, elles appartiennent à Molène.

Merci à tous les quatre de m'avoir fait rencontrer Tamat.

Plus d'info par ici :

le site de La Calma
la page résidence du Fourneau
le carnet de voyage au Mali en 2006

INTERVIEW : Théâtre d'images [Compagnie Luc Amoros]

Lucie Corouge — 2009-04-20T11:24:00Z

La Compagnie Luc Amoros, habituée de la pointe bretonne est de retour au Fourneau depuis le 1er avril, en résidence de création pour Page Blanche, le dernier né de la Compagnie. Mélange des genres, des techniques, des cultures et des images, c'est tout un programme qui s'annonce, avec en toile de fond une volonté de susciter l'imaginaire.

La Compagnie quitte Brest le 25 avril, il est temps alors de cuisiner Luc sur l'avancée de cette page blanche...

Quel est ton métier ?

Je suis metteur en scène, mais c'est un peu tout metteur en scène dans ce genre de travail, disons artiste.

Une formation particulière ?

La formation de la vie, la formation du tas, de l'expérience

Depuis ta première compagnie en 1976, tu as parcouru pas mal de chemin, est ce que tu peux revenir un petit peu sur ton parcours ?

Très rapidement j'ai commencé à faire de la scène en faisant du théâtre d'ombre. Les ombres c'est une très très ancienne tradition de marionnette où l'on ne montre pas les marionnettes au public mais seulement les ombres. Cela remonte à la grande tradition de la Chine, de l'Asie du sud-est, et aussi tout le pourtours de la Méditerranée. On en voit encore quelques reliques quand on se promène dans les coins de Turquie ou de Grèce.

Ça a commencé comme ça pendant longtemps, on a essayé de remettre à jour un théâtre d'ombre ancestral en lui donnant une connotation contemporaine. Peu à peu on est sorti de nos “castelets” [1] pour voir ce que le théâtre d'ombre pouvait avoir comme écho dans le théâtre visuel aujourd'hui, avec des instruments plus contemporains comme la vidéo, la lumière...

Et aujourd'hui on travaille dans un théâtre qui a une grande connotation visuelle. Notre travail est fondé sur une réflexion sur l'image, au théâtre et dans le monde où l'on vit. Dans ce monde où l'image est totalement envahissante, les spectacles que l'on propose sont des moments de petite pause, de réflexion sur le pouvoir des images.

Justement d'où te vient cette fascination pour les images ?

Cela remonte au théâtre d'ombre, c'est un théâtre où l'on s'exprime autant par l'image que par les mots. Mais l'image est fabriquée d'avance, elle est composée, ce ne sont pas les comédiens qui forment l'image c'est une peinture, un dessin qui est mis en scène. Donc il y a un travail visuel, plastique, en amont de la scène. Et évidement lorsque l'on s'attache à ce travail là, on réfléchi sur l'image, sur sa composition, sur ce qu'elle peut exprimer au public. Aujourd'hui, on vient de là.

Dans Page blanche ce sont ces images qui nous envahissent que tu tentes d'aborder...

C'est l'argument de départ effectivement. Ce n'est pas contre, mais dans le contexte d'aujourd'hui, où le monde est envahi d'images : des images publicitaires qui vendent plus qu'elles ne parlent, plus qu'elles n'expriment. Dans ce monde là, faire un théâtre d'image c'est nécessairement tenir compte de cet environnement.

Page Blanche nous invite donc à réfléchir sur ce rôle prépondérant des images. Tu aimes ça, susciter des questionnements, faire réfléchir le public ?

C'est le seul intérêt que j'ai réellement à faire ce métier là. C'est à dire qu'il y a un mot que je déteste dans le spectacle c'est le divertissement. Divertissement au sens étymologique de divertir, c'est à dire, divertir de la réalité. Je n'ai rien contre le divertissement quand il est pris au sens d'« on est là pour s'amuser et on s'amuse ensemble », et on invente des choses pour s'amuser, pour donner de la joie ; mais ce n'est pas la même chose.

Divertir de la réalité, je trouve que ce n'est pas la fonction du spectacle. Au contraire, il me semble que le spectacle, le spectacle vivant, est là pour que l'on se sente mieux dans une réalité, pour que l'on comprenne mieux la réalité où l'on est.

Vous tournez dans des salles mais aussi dans la rue pourquoi choisir la rue ?

Je n'ai pas vraiment choisi la rue. Quand on est descendu dans la rue avec notre théâtre c'était une occasion, un spectacle en particulier dont on sentait qu'il était un peu à l'étroit dans la salle. C'est une tentative qu'on a faite. Et à partir de ce moment, on a compris qu'il y avait d'autres dimensions dans la rue qui pouvaient être exploitées.

Le regard du spectateur n'est pas tout à fait le même. Il n'a pas choisi de venir dans la rue, il y est. Alors qu'au théâtre, il y va. Donc quand il y est, il a une autre approche, il n'y a pas de rendez-vous très précis, c'est plus informel et l'on peu s'attendre à plus de surprise. Tout peut arriver, et il arrive beaucoup de chose. Quand le rendez-vous est programmé, on s'attend à quelque chose, on rumine le rendez-vous. Mais pour nous ce n'est pas exclusif, c'est une expérience parmi d'autre la rue.

Dans Page blanche tu utilises des toiles tendues qui « font apparaître une histoire défilante que chacun va recevoir », c'est un peu une part au rêve, à l'imaginaire, que tu laisses ?

Pour nous c'est très important de ne pas donner au spectateur à voir mais de donner à inventer. Ça, c'est une réminiscence du théâtre d'ombre où les signes, les images sont tellement sommaires tellement pauvres que le spectateur invente plus que ce qu'on lui montre. Ce qu'il faut, c'est trouver les bons signes, ceux qui suscitent l'imaginaire et l'invention. L'image ne doit pas être donnée complètement. Sinon elle n'a pas d'intérêt, elle est morte.

Cela veut dire plusieurs entrées possibles, de multiples histoires autours de ces images ?

Oui même si l'on ne raconte pas vraiment d'histoire. On donne des images, des textes, des petites bribes, que le spectateur va reconstituer complètement à sa propre mesure.

Peux tu me parler de ton équipe ?

Il y a une Autrichienne, un Belge et il y a même des Alsaciens, ce qui fait qu'on est complètement étendu culturellement... Il y a 6 plasticiens. Des gens que j'ai auditionné pour leur capacité à peindre d'abord, à dessiner et à chanter aussi, ce qui n'est pas donné à tout le monde. Je dis ça parce que ce ne sont pas des comédiens, parmi lesquels je choisis toujours mes équipes.

Là ce sont des plasticiens, parce que j'ai toujours demandé à mes comédiens de s'improviser plasticiens dans mes expériences, et ça donnait quelque chose de particulier. Là, j'ai eu envie de faire le chemin inverse, et j'ai demandé à des plasticiens qui sont d'habitude dans le secret de leur atelier, de se mettre en représentation, pour éprouver la chose dans l'autre sens. On va voir ce que cela va donner, je ne vais pas leur demander de faire du théâtre non plus. Mais en même temps, ils seront quand même en représentation, puisqu'ils seront devant le public à créer leurs œuvres.

Le travail est surtout collectif, là aussi c'est une épreuve pour un peintre, un dessinateur ou un sculpteur qui d'habitude travaille tout seul. Là, lui proposer une épreuve collective, c'est particulier. J'aime bien ce genre d'expérience, où l'on met les gens en situation peu banale et où il va se passer des choses.

Tu mêles beaucoup la vidéo, l'art plastique dans tes spectacles, c'est important pour toi que les personnes avec qui tu travailles soient pluridisciplinaires elles aussi ?

Ils ne le sont pas toujours mais ils le deviennent en travaillant avec nous. Le pluridisciplinaire, c'est important pour moi parce j'aime travailler sur plusieurs tableaux, j'aime travailler sur l'alchimie des disciplines. Ce que la musique peut faire avec la peinture, ce que la peinture peut faire avec le mouvement des corps, ce que le mouvement des corps peut faire avec la parole. C'est important, c'est une marque de fabrique.

En décembre tu as fait tes premiers pas en tant que comédien dans Je leur construisais des labyrinthes, dans le cadre du Brest'ival Plein les Mirettes. Tu étais sous la direction d'un metteur en scène, quelles ont été tes impressions par rapport à ce renversement des rôles ?

Ça aussi c'est une expérience. Et là, c'était la première fois que je jouais. Même si j'ai été montreur d'ombre pendant très longtemps, j'étais toujours derrière un écran et je n'étais pas vraiment à la vue du public.

Là, c'est un travail de comédien, que je ne connaissais pas. Et je voulais le faire pour alimenter mon travail avec mes comédiens. Le metteur en scène n'était autre qu'une comédienne qui travaillait avec moi depuis longtemps. L'expérience est menée, je n'ai pas grand plaisir à le faire, je ne renouvellerai peut être pas l'expérience mais il manque encore la tournée. Le spectacle a bien marché, l'année prochaine est complète. Je n'aurai pas le choix, je vais tourner toute l'année sur les routes avec ce spectacle. Je devrai prendre du plaisir sinon ça va devenir vraiment difficile. Et je prendrai forcément du plaisir parce que c'est un manque de rodage et d'habitude qui me fait dire cela sans doute.

J'ai vu sur votre site, que votre compagnie menait un projet de réhabilitation d'une halle verrière en un lieu d'échanges artistiques à Meisenthal, c'est important pour vous d'apporter du soutien à la création et à la diffusion ?

Et c'est important aussi de s'inscrire, à un certain moment dans un territoire. On tourne tout le temps, toute l'année, il nous a paru important aussi de faire bénéficier de notre travail, tout un territoire. Et là, l'occasion nous était donnée, dans ce lieu qui était en friche et qui ne demandait qu'à s'ouvrir, d'y explorer des choses qui nous tiennent à cœur dans la Compagnie, à savoir la transmission.

Et la transmission notamment aux enfants, est quelque chose qui me tient encore plus à cœur, et aux enfants dans l'école. C'est une mission de l'école, qui est aussi d'ouvrir à la création artistique, même si elle le fait avec réticence et pas beaucoup de moyens. Pour nous, d'aider à ce que cela puisse se faire, nous paraissait important. Et on peut le développer dans cette vieille friche qu'est Meisenthal, avec des artistes qui sont lancés toute l'année dans des projets artistiques avec des enfants dans des écoles.

C'est le nerf de la guerre il me semble, si l'on n'éveille pas les enfants à la création artistique, je ne vois pas très bien comment on peut donner un avenir à la création artistique elle même.

Et pour leur épanouissement à eux aussi

Ne serait-ce que pour leur épanouissement bien sûr, il ne s'agit pas d'en faire des professionnels de la création. Mais la création artistique, dans son rôle d'éveil et d'épanouissement, si on ne l'aborde pas à l'école, cela me semble très difficile de l'épanouir justement.

Une petite idée de prochaine création ?

Il y en a toujours, c'est difficile à dire. D'un spectacle à l'autre, je n'ai jamais un projet comme ça qui en suit un, ça se suit naturellement. Les choses se font quand elles mûrissent. On a jamais été en peine mais c'est très rare que j'ai un projet comme ça que je retienne dans la tête et que je veuille absolument faire.

J'ai vu que c'est une anecdote lors d'un de tes précédents spectacles, 360° à l'ombre, qui t'as amené à faire Page Blanche. Dans ce spectacle vous détourniez des images du public , en les filmant et en les peignant en direct en surimpression. A la fin de la représentation, une personne avait demandé à récupérer la toile où elle figurait, comme elle l'aurait fait avec un négatif photographique. Vous aviez à ce moment là, sans le vouloir, rendu réelle et matérielle une image complètement virtuelle... C'est cette anecdote qui t'as incité à aller plus loin dans ton travail...

Tout à fait, un spectacle donne toujours des idées pour une suite. Ça suscite des envies, ça déclenche des départs et après, dans le processus ça s'abandonne.

Il se trouve que cette anecdote là, elle ne va absolument pas revenir. Mais en même temps c'est quand même une réflexion sur l'ensemble. Elle me fait penser au fait que nos images sont toujours éphémères. Dans Page Blanche on ne va pas y déroger : les plasticiens vont détruire leur page personnelle dès qu'elle sera remplie, et la lancer dans le public. Comme ça on marque le don, et c'est un peu par ça qu'on raconte l'anecdote. C'est un souvenir. L'image, elle est dans le cerveau, derrière la rétine.

Un moment fort qui t'as marqué dans toutes ces années ?

Cette anecdote m'a assez marqué par rapport à ce qu'on voulait faire. Après, il y a des anecdotes à chaque tournée, des choses assez marrantes, mais celle là m'avait marqué parce qu'elle est quand même très symptomatique de ce qui est pour nous l'image, de ce qu'elle représente en scène.

Pour finir un mot pour les mordus d'arts de la rue

Qu'ils continuent à venir nous voir surtout, et qu'ils considèrent que l'art de la rue, doit bouger de plus en plus vers un théâtre qui réfléchit à « là où il est ».

Cette idée de divertissement est importante et à mettre au cœur des réflexions sur le spectacle, et dans la rue notamment. Parce que dans la rue, c'est un endroit où traditionnellement, il y a eu beaucoup de divertissement. On était là juste pour faire la fête, pour s'amuser. Je n'ai absolument rien contre s'amuser, mais ça a manqué longtemps quand même de, « pourquoi » et de « comment » on y était dans la rue.

Merci à Luc de s'être aimablement prêté au jeu et de m'avoir ainsi donné l'occasion de remplir ma première page blanche.

Vous pourrez découvrir Page Blanche et La Compagnie Luc Amoros en expérimentation publique, le samedi 25 avril à 18h18 au Fourneau. Pour en savoir plus : http://www.lucamoros.com/

La compagnie est en résidence au Fourneau du 1er au 25 avril

[1] Un castelet est un équipement qui sert généralement à cacher le ou les marionnettistes ainsi que les objets et les mécanismes nécessaires à la représentation.