Les Reportages du Fourneau----

INTERVIEW : "Confins", un village au coeur de la ville

Kevin — 2004-03-31T11:46:00Z

Résidence de la Compagnie Ilotopie du 24 au 31 Mars 2004.

Comment la compagnie Ilotopie axe-t-elle son travail ?

On bosse souvent sur des thèmes qu'on estime être de société. Quand on travaille sur l'eau on évoque Narcisse parce que ce mythe reflète le problème de l'identité, et dans cette société ce n'est pas évident. Les gens construisent un certain nombre de personnages, il y a un look pour la grand-mère, pour l'employeur, on devient travelo le samedi soir... Chacun cultive une panoplie de narcissismes, et ça c'est très récent. On travaille sur la fractalisation de l'individu dans cette société, il a en fait plusieurs reflets de lui-même ...

Ce qui nous intéresse dans le mythe et l'absurde, c'est la lecture que fait Camus quand il dit qu'il faut imaginer "Sisyphe heureux". Dans notre société, je crains que la démocratie ne se trouve plus derrière nous que devant, comment faire pour être heureux malgré tout ? Il se trouve qu'il y a un retour du destin, les enfants de pauvres sont pauvres, les enfants de riches sont riches. ... La mobilité sociale est très faible et l'espoir de changer de situation l'est aussi.
Est-ce que ça vaut le coup d'être malheureux pour autant ? Est-ce qu'on ne peut pas plutôt essayer de faire du tissage, du réseau horizontal avec sa propre classe sociale, de se faire des partenaires, des amis, de tisser un maillage dans l'horizontalité plutôt que d'être obsédé par la hiérarchie sociale, dans le fait de vouloir monter, d'être le premier, de gagner plus d'argent ... On nous fait croire que tout le monde est heureux et que les gens sont égaux, à l'école par exemple. Il n'y a pas d'égalité mais pourtant il y a un éventail de chemins pour être heureux.

Dans "Confins", les personnages, les "Sisyphe", amènent leur matériel. L'architecture de ce spectacle est déchargée à quelques centaines de mètres de là, et les acteurs construisent toute la journée un village à l'intérieur de la ville. Un village, puisqu'il comporte des éléments pour dormir, pour vivre et pour le spectacle.

Ce sont des étrangers qui vont devenir des voisins ... Ce spectacle est fait pour des habitants, pour qu'ils nous voient tous les jours et pour que des relations s'installent. On n'a pas tellement envie que ce soit un spectacle de festival ...

Ils ont à la fois un quotidien, mais qui doit être assez extraordinaire pour intéresser un public.Tous les instants du quotidien sont repensés pour que ça devienne relativement phénoménal. Le village est traversable à n'importe quelle heure du jour et de la nuit, il y a une porosité. Il y a des moments où on est beaucoup plus facilement à l'écoute des gens qui passent, et il y a des moments où c'est plus du spectacle. Quand on est trop dans nos personnages on ne peut plus, ça devient du théâtre...

Il y a une évolution, très lente. Ce village est construit avec des liens, des fuseaux, formes ressemblant à la fusée de Tintin sur la lune, c'est une structure basée sur des obliques, il n'y a pas de verticales ni d'horizontales. L'architecture se présente comme un désordre, un chaos sur le trottoir. Ces fuseaux tiennent ensemble par des liens. Et vers l'avant dernier jour, les acteurs vont détruire ces liens, ils vont détruire ce qui tient les choses ensemble dans ce village, et ils vont partir individuellement avec des morceaux d'architecture, on va les retrouver à divers endroits de la ville. Puis, un camion tournera pour récupérer les morceaux. Il y a une phase de structuration dans ce village, un morceau de vie, et puis une phase de déstructuration.

Les personnages sont-ils conscients du monde absurde qui les entoure ?

Ils le fabriquent. On a envie de parler de l'intermittence du spectacle à travers ça. Envie de dire que l'on sera payé pour être absurde. On a la chance de choisir notre absurdité. Une caissière de supermarché n'a pas choisi l'absurdité de son geste, de passer des objets devant un code barre. Nous choisissons notre forme d'absurdité pour faire image, c'est-à-dire, essayer de marquer le spectateur avec des images qui sont particulièrement absurdes mais qui sont malgré tout vivables et soutenables. On peut s'extraire de ce qu'on est en train de faire.

Sont-ils heureux ?

La mythologie du travail fonctionne, ils ont du travail, ils sont contents. C'est aussi une mise en abyme, en ridicule de cette situation d'avoir du travail, quel en est le sens ? Est-ce que ce n'est pas juste une espèce d'archaïsme du 20ème siècle, la notion même de travail. Même dans les derniers discours de Raffarin, le patronat essaye de revaloriser absolument le travail, il y a une grande angoisse que cette valeur se perde ...

La révolte des Sisyphe s'exprime contre les structures, pas contre eux-mêmes, il y a un retour à l'individualisme malgré tout. On ne prône pas l'autodestruction. Cette société est tellement fractalisée que l'on peut trouver des interstices de bonheur en assumant des moments de contraintes. Il n'y a plus de paradoxes, il reste très peu d'idéologie donc de moins en moins de paradoxes possibles ...On peut accepter des trucs ... par exemple, être militant révolutionnaire et bosser chez Macdonald's... L'important c'est la révolte intérieure, même si elle n'a pas lieu comme un fait de société global. Il devient difficile d'imaginer une révolution au sens social, où une majorité serait d'accord. Le monde matériel a enlisé les espoirs de révolution, en occident en tout cas. On peut quand même espérer qu'il y ait des révoltes personnelles qui s'attisent ...

Comment investir cet espace public ?

On a quand même besoin de quelqu'un qui soit l'interface avec une population. Tu ne peux débarquer sur un site, un territoire sans avoir quelqu'un qui soit l'interface de cette arrivée. Avant, il n'y avait pas de médiateur culturel, il n'y avait personne entre l'artiste et le politique. C'était assez facile d'expliquer à un élu que l'on allait travailler avec un morceau de sa population ... Petit à petit a été inventé un individu qui s'appelle un médiateur culturel, qui lui est le fusible politique. Il n'est pas au service de l'artiste, mais de celui qui le paye, de la ville. Même si son discours sera toujours de dire qu'il est au service de l'artiste, forcément. Cette personne là, va faire un choix soi disant artistique pour qu'il soit le plus en conformité possible avec la population, les élus, un budget. Maintenant, en tant qu'artiste on a à faire avec ces gens là. Ca a beaucoup changé, il y a eu une normalisation des expériences culturelles, certaines ne peuvent plus avoir lieu, elles ne peuvent pas s'infiltrer dans un réseau qui est maillé par ces fusibles.

On a des propositions très différentes d'une fois sur l'autre. On a une série de spectacles qui s'appelle des champs d'expérience parce que c'est toujours une mise en péril d'une facette sociale qui nous intéresse, « Confins » est le quatrième. La difficulté c'est que ça se base sur le temps et un public de théâtre s'en fout que ça dure neuf jours, parce que lui ne verra qu'une heure ou deux. Que les comédiens aient mal dormi pendant 3 ou 4 jours, ça ne le concerne pas, il n'en a rien à foutre, et ça c'est tant pis pour nous. L'honnêteté de l'opération n'intéresse que nous ... Que l'on n'aille pas à l'hôtel le soir, ou que l'on ne mange pas au restaurant, ça nous intéresse parce que l'on pense que ça agit forcément sur le résultat, mais malgré tout ce résultat doit être à la hauteur de ce qui peut se faire ailleurs... L'expérience doit passer dans son sens fortement, on ne doit pas être plus mauvais parce qu'on a mal dormi ... On va dormir avec à chaque fois un morceau de corps qui dépasse de chaque individu, et puis il y en a deux qui se relaient la nuit pour surveiller et accueillir les gens qui passent. La présence doit être manifeste. Il y a aussi deux places pour que les voisins ou les passants puissent venir dormir avec nous.

La première est à Aurillac, la semaine précédent le festival. Les festivaliers ne verront que les structures. On démonte le premier jour du festival. Le spectacle est joué pour les gens d'Aurillac...

INTERVIEW : De Belsunce jusqu'au Fourneau avec le Collectif Ex-Nihilo

Kevin — 2004-02-26T12:41:00Z

"Passants" en résidence du 24 au 29 février 2004.

Qu'est ce que ça veut dire « Collectif » ?

Anne
Au départ on était un groupe de danseurs, on avait envie de danser dans la rue. On n'avait pas envie d'être des danseurs pour un chorégraphe, on voulait signer nos créations, sans le faire au nom de quelqu'un en particulier. On le fait au nom du Collectif Ex Nihilo. Le collectif où tout le monde décide de tout, ça me parait un peu utopique ... On ne vote pas pour savoir si le costume sera rouge ou vert... n'importe quel groupe a besoin de personnes identifiées comme leaders, c'est ce qui entraîne une certaine pérennité du groupe. On le manifeste comme ça parce que les gens qui travaillent chez Ex Nihilo défendent un type de travail, d'esthétique, une manière de faire de la danse dans la rue. Il y a une certaine adhésion au projet artistique. Y' a peu de gens qui sont passés chez Ex Nihilo juste pour danser. Le projet Passants a été écrit et défini en amont, on essaie d'être clair pour pouvoir travailler et donner nos points de vue.

Jean-Antoine
C'est un projet en deux étapes, amorcé il y a deux ans. Implantés dans le quartier de Belsunce à Marseille, on a dansé tous les jours dans la rue pendant quatre mois à raison de deux heures d'impro par jour, sans musique, sur des propositions uniquement en solo, on choisissait un endroit dans la rue qui nous tenait à cœur... On a refait la même chose à Cuba et à Beyrouth.
Ces voyages dans les quartiers, autour de populations différentes nous ont nourris pour passer à la deuxième étape qui est la création de « Passants ». Nous investissons un lieu, un espace et on le modifie complètement, en y amenant tout le vécu de nos expériences, celles qui ont donné les thèmes et la matière de la pièce.

Anne
La première étape était de poser un acte particulier, de danser dans la rue, stricto sensu, en improvisation, pas de convocation particulière d'un public, avec les passants, à l'improviste... Cet acte-là a provoqué énormément de rencontres avec les gens dans la rue. Maintenant on transmet cette expérience et on convoque un public qui vient voir un spectacle, ce n'est plus un hasard.
La rue a nourri notre réflexion, elle est notre source d'inspiration. On choisi de jouer à l'intérieur, pour faire l'aller retour entre le dedans et le dehors. Pour retransmettre notre aventure, on avait besoin d'un espace plus concentré. La rue c'est bien, à plein de niveaux, mais c'est aussi une dispersion énorme qui nécessite un effort de concentration. A Belsunce on avait cet ancrage dans le quotidien avec l'envie de créer une relation avec les passants et les habitants, avec à l'esprit aussi de faire le lien avec un public plus averti. Il y a eu trois rendez-vous donnés au public, mais en intérieur, dans un atelier d'artistes. La population de ce quartier est en proie à des expulsions plus ou moins polies et directes avec une municipalité qui veut complètement transformer le paysage urbain. On n'avait pas envie d'y contribuer en faisant venir un public averti, cultivé du centre ville ... On ne voulait pas y contribuer même si ça ne change rien dans la réalité. Ce public -là était convoqué dans un lieu de spectacles. Cette idée de dedans dehors s'est faite pour cette raison là, dans le rapport de respect avec les gens du quartier. Nous on y faisait un truc particulier, on n'avait pas envie de voir 30 personnes chaque jour en train de regarder des danseurs et que les habitants, soient en quelque sorte exclus de cette histoire. On donnait les jours et les heures mais pas le lieu, il fallait faire la démarche de venir jusqu'à l'atelier d'artistes. C'est cet intérieur qu'on a voulu développer et qu'on finalise au Fourneau.
Ca représente deux ans de travail, pour nous il y a une espèce de logique à commencer au ras de la rue, à se redemander pourquoi on danse dans la rue, ce que ça représente d'être quatre danseurs au milieu d'un quartier.

Dans notre intérieur, le public déambule, il n'y a pas de barrières, de scène frontale. On prend de la distance, c'est la première fois qu'on le joue loin de Belsunce, lorsqu'on y a joué, les gens ont pu apercevoir ou reconnaître le quartier.

Ce projet urbain, on va le réitérer à Varsovie en juillet pendant une semaine, en invitant des artistes de la ville. Etre dans le quotidien. Les villes, les gens qui nous invitent doivent accepter aussi le fait que ce n'est pas formaté comme un produit spectaculaire, avec fiche technique etc. C'est une voie que l'on veut conserver.

Est-ce que les espaces que vous avez croisés vous ont fait bouger différemment ?

Jean-Antoine
Le lieu influence. Notre travail est en relation avec le mobilier, l'espace. Et en même temps on amène un univers assez propre. On a une manière de l'aborder qui prévaut. Nous confrontons deux univers. Il nous faut trouver des espaces nouveaux. On a commencé très petit, dans une petite rue, on était de plus en plus à l'aise dans la manière de danser, d'être avec les gens. Chaque nouveau lieu amène des espaces à découvrir. En intérieur c'est pareil, on est en train de s'approprier le Fourneau, qui est un espace que l'on ne connaît pas, on remet en place la structure du spectacle. Il faut que l'on se sente bien !
La danse aide souvent les gens à effectuer leur propre voyage. On travaille sur des thèmes, des sujets que l'on a envie de questionner et en même temps, si le spectateur voit ce que l'on veut dire, il peut aussi partir sur ses propres envies, c'est une relation très primitive entre le corps et l'esprit. On n'a pas envie de dire « c'est ça qu'on dit ».

Lisa
Quand on dansait dans les rues, on était témoin de choses, comme si un passant décidait de s'arrêter là et de regarder ce qui se passe. Ce n'est pas que dire des choses, c'est aussi une façon de marcher, de s'arrêter, de regarder, on est témoin d'un univers. On est empreint d'un témoignage. Ici, ce que l'on va proposer, ce sont des choses que l'on a éprouvées, ce n'est pas de l'instantané.

Anne
Le projet artistique est aussi un positionnement. On a une façon propre de danser, on a invité des gens très ponctuellement à venir danser avec nous, sans répétitions rien. Ca nous a fait ressentir le fait que l'on a une façon très particulière d'être entre nous, et que les personnes qui étaient là pour deux heures, elles étaient dans une énergie et un rapport complètement différents. On se pose, et on développe un travail qui va rentrer en interaction avec la vie autour. Forcément, on est perméable à ce qui se passe et on pose aussi notre présence. C'est une superposition de deux choses. On est très investi physiquement, dans un langage commun, c'est ça notre acte. On ne cherche pas la confrontation, ni à rentrer absolument en contact avec les gens, à inter-agir avec eux. On est là et les gens sont là. On est très ouvert à être regardé, interrompu et après, ce sont des rencontres très personnelles. Les gens qui viennent nous voir pour dire quelque chose, c'est ne pas pour parler du projet de Ex-Nihilo, c'est pour dire « qui tu es ? » etc. Ca se passe au niveau de la relation humaine. Et ça revient sur le groupe ensuite. C'est une espèce de pompe qui respire. Et la danse, c'est un langage particulier qui ne passe pas par une analyse précise, nous, on sait clairement ce que l'on a envie de travailler, mais après la perception que le public en a peut-être complètement opposée. Et cette manifestation appartient à la danse...

Jean-Antoine
Et ça nous enrichit, les choses auxquelles on n'avait pas pensé. On le réintroduit après dans la façon d'aborder la pièce.

Anne
L'idée dans l'espace de Passants, c'est qu'il n'y a pas de différence entre la scène et la salle comme dans la rue. S'il y a un message entre guillemets, le rapport que l'on aimerait bien installer, c'est que le public perçoive clairement qu'il n'y a pas de distance entre la scène et la salle. Il peut être proche et loin. Il peut regarder de la manière qu'il veut et se positionner dans l'espace comme il le désire, ce qui n'est pas forcément facile. Dans la rue, on peut être épié de très loin ou être juste à côté de quelqu'un. On lui offre cette possibilité d'être où il veut avec toutes les limites que l'on peut expérimenter : tu rentres difficilement au milieu d'un espace scénique, c'est pas si simple. Mais c'est une chose que l'on veut expérimenter.

INTERVIEW : Jérome Bouvet, metteur en scène de la compagnie franco-québécoise 2 Rien Merci

Kevin — 2003-05-28T10:16:00Z

Jerôme Bouvet, franco québécois d'adoption depuis son passage à l'Ecole Nationale de Cirque de Montréal, revient en Bretagne pour mettre en scène la Boostin' Fanfare de la compagnie "2 Rien Merci". Tombé tout petit dans la marmite du spectacle, il nous raconte son histoire Québécoise et sa vision du spectacle vivant outre-manche… Rencontre à Guerlesquin lors du Mai des Arts dans la rue

La Boostin' Fanfare est une création toute chaude qui a été jouée pour la première fois ce soir. Est-ce ta première mise en scène ?

Non, j'ai dirigé l'Ecole de Cirque de Genève durant un an et demi, c'est de là que sont notamment sorties les compagnies Les Arrosés, Les enfants du placard, le Cirque sans raison… Ce n'est pas ma première, c'est quelque chose que j'aime beaucoup, et en même temps ça me donne encore plus envie de jouer. Avec les 2 Rien Merci, on demande toujours de l'aide (Yves Neveu, Didier André ). On veut faire les trois-quarts du bout de chemin seul, et puis demander des appuis extérieurs, en laissant la possibilité au gars de faire un vrai travail de mise en scène avec des choix.

Cette fanfare aboutit d'un long travail musical dans la rue…

Pendant 4 ans on s'est éclaté à faire de la musique et à avoir une démarche avec « très peu ». Yann, qui est un musicien très curieux a eu envie de faire cette fanfare. Stéphane vient des Charentaises de Luxe et est habitué à la rue. Les deux autres découvrent totalement ça. C'était un peu un défi et ce soir je pense qu'il y a matière à faire un « truc bien ! ». Ca va mûrir avec le temps. Avec la fanfare, l'espace donne une grande liberté, tout un travail d'écoute et d'adaptation.

Il faut réussir à capter l'attention des gens, c'est une mini fanfare très intimiste. Cela constitue-t il un manque de repères pour le spectateur ?

Non, je ne pense pas. Je crois que l'on se cache un peu derrière le matériel. Peter Brook dit toujours « Tout est dans le comédien », la lumière, les décors, les costumes, tout est en lui. Plus on prend de la bouteille moins on a besoin de matériel.

On vient de recevoir Burat qui nous expliquait qu'avec l'âge, il voulait un décor de plus en plus majestueux, et parfait techniquement…

Burat', c'est Burat'. Il a envie de traîner quelque chose de tradoche, forain, qu'il fait super bien. C'est pas vraiment dans la parodie, il y a vachement de respect dans ce qu'il fait, on sait jamais si Burat' est une arnaque ou pas. Moi, je suis toujours vachement ému par son humanisme d'origine foraine.

Tu as des projets à côté de cette fanfare ?

Un lieu itinérant qui s'appellerait Le Moulin à Cirque, sous une yourte, avec une jauge de 50 à 80 personnes Pour l'instant on bataille … On devrait le sortir pour printemps ou automne 2004. L'idée est d'accueillir 49 personnes dans un mini mini-chapiteau qui se démonte en 3 heures, de ce côté là, on a quasiment la dynamique des arts de la rue, au niveau de l'adaptation, on peut le jouer presque n'importe où, sur une plage ou dans un clairière, en autonomie totale. C'est difficile de le monter au Québec, on n'a pas trouvé de fonds, et puis au niveau alternatif là bas c'est difficile, il y a beaucoup de chemin à faire. C'est la production qui est maître, tu arrives avec une idée ça leur fait peur. Alors on va le faire ici.

Quel est ton regard sur le théâtre de rue Québécois ?

Les gens sont attirés par ça, ils montent des festivals, mais en même temps ce sont des producteurs, ils mettent de la braise sur la table, ils réunissent des créateurs, des artistes, te donnent un délai, et voilà. Mais quand toi tu as un projet, quand des artistes se réunissent pour réunir des idées et avoir des propositions, c'est très rares qu'ils suivent, parce que ça ne leur appartient pas, et parce que ça les dépasse un peu. Il y a une vraie fausse dimension alternative. C'est carré, il faut être entrepreneur avant d'avoir une démarche artistique… L'intermittence du spectacle, ça nous permet de chercher, de patauger, de s'arrêter trois mois pour, là bas les gens bossent pour bouffer. Ils n'ont pas le temps de penser création.

Mais c'est en train de changer, ça fait quelques années qu'il y a quelque chose, ça brasse, mais ca va être long. Et en termes de public, de possibilités ça marcherait au moins aussi bien qu'ici, j'en suis persuadé.

En France, les luttes et les défis ont changé dans le Théâtre de rue

Oui, je pense qu'au Canada, il y a dix ans de retard, et on n'a pas les mêmes furieux pour décoller un peu les choses. Notre projet de Moulin à Cirque, devait se faire à Montréal, l'idée étant d'inviter pendant trois mois, en plus de notre création, une compagnie de la rue, les arts du Cirque et les arts Frères. Le projet intéressait tout le monde, mais aucun n'a fait le pas. Un projet imaginé avec Jan Rok Achard, directeur de l'école Nationale de Montréal pendant 14 ans, directeur du TNM, dix ans en tant que directeur de tournée de Jacques Brel, du métier quoi ! Et Jean a quelque part plus de poids en Europe qu'au Canada, parce qu'il rentre dedans, en faisant peur aux producteurs.

En même temps, il y a une vrai qualité de vie là-bas, c'est une presqu'île dans ce grand continent de fous ! Avec Orange Guinguette et Le Petit Cirque à Bretelles, on a fait plus de cent spectacles en trois mois. On est allé dans pleins de petits bleds, et les gens hallucinaient, ils n'avaient jamais vu de spectacles de rue. On a eu un accueil monstrueux, les gens en veulent.

Ce soir aussi, à Guerlesquin les gens sont là !

Je trouve que l'on se rencontre de moins en moins, et les Arts de la Rue prennent un peu à contre courant. Y'a cinq ans, je parlais avec ma caissière. L'année dernière, ils ont installé un lecteur de cartes devant son nez, la dernière fois, j'arrive, elle me fait le total, et ne me dit rien, même pas bonjour. Elle ne bouge plus. Pensant que sa caisse était bloquée, j'attends moi aussi. Ca a duré trente secondes, et je n'ai même pas dit au revoir. C'était glauque. Mais quelque part on amène quelque chose de contemporain avec une démarche populaire. Les gens qui n'ont pas l'habitude, ça les bouge un peu. Et je trouve ça génial.

INTERVIEW : Pascal Dores, metteur en scène de la compagnie Métalovoice

Kevin — 2003-05-28T09:15:00Z

Rencontre avec Pascal Dores, metteur en scène de la compagnie Métalovoice. Entretien réalisé lors du Mai des Arts dans la Rue, à Sainte-Sève, le mercredi 28 mai 2003.

Des Tambours du Bronx à Métalovoice

Les Tambour du Bronx, c'était une forme vachement volumineuse. On voulait faire de la performance. On s'est laissé dépasser par nos propres moyens, c'est tout con. Dès la première répétition, en 1986, dans une maison de quartier à Nevers, nous étions 24 à exercer une pression musculaire à l'aide d'un ustensile sur de la frappe métallique. Ca nous a vite paru naturel que notre univers se développe à l'extérieur, c'était une nécessité sonore ! Dans les Tambours du Bronx, il y avait quelques indépendants, des singuliers, des gens qui faisaient du théâtre, de la musique et d'autres qui faisaient complètement autre chose. Ca s'est fait très simplement, on en fait toute une histoire aujourd'hui, c'est une histoire simple avec des gens simples.

Partis d'un univers de performance, on avait inventé une sonorité, une espèce de mouvement, de phénomène de rébellion et d'images nouvelles. Les années passant, des petites choses ont fait que je ne me retrouvais plus dans cette histoire, et moi parmi plusieurs autres. On a créé les Métalovoice. En 1995, première création, DO HIT, spectacle à la charnière des Bronx et des Métalos. Le concept était de créer un concert-spectacle avec des notions de mise en scène, en intégrant des textes, un scénario, une lumière, bref de raconter une histoire.

Avec les Bronx, nous avions imaginé une idée rythmique, une certaine uniformité sonore. La mélodie rythmique est apparue avec l'utilisation de nouveaux volumes, partant du tuyau en passant par des petits bidons, des plus gros, des cuves, des méga cuves … D'un seul coup, nous avions une sonorité industrielle, la récupération de ces objets nous portait vers des mélodies minimales et minimalistes, et qui tournaient musicalement. Nous avons apporté de la musique au rythme.

Le mot « Attention » semble être récurrent chez les Métalos …

Il est même à l'origine des Tambours. « Attention, on existe, nous avons notre propre culture, des choses à dire et à défendre », c'est en effet un leitmotiv dans notre histoire. Mais ce mot est trop concentré, et c'est minimiser notre propre histoire, la forme a beaucoup changé, le propos, l'argumentation, et le développement aussi.

L'art doit être une nécessité …

Peux-tu définir alors cet « Engagement Artistique » …

C'est une forme de réflexion sociale et politique au service de l'art. L'art doit être une nécessité, qui doit fondamentalement bouleverser. L'art n'est pas quelque chose de gratuit que l'on apprend dans les écoles. On apprend ! On apprend des formes, des tendances de l'histoire, mais on n'apprend pas à faire. Et le Faire, c'est notre pratique, ça nous connaît au sens propre et figuré du terme. C'est quelque chose qui résonne à la fois dans le son, et dans une histoire, passée et future. Le fer, pour moi, c'est notre histoire. A partir du fer, on a fait notre histoire, à partir de l'évolution même de l'industrie on a fait notre histoire.

L'industrie, elle existe. Ce n'est plus l'industrie de Zola comme on a pu plus ou moins l'exprimer il y a quelques années dans nos créations. Aujourd'hui, l'industrie a des formes très complexes, très contemporaines. Ce ne sont plus les rouages, les mécaniques comme on pouvait les entendre au début du siècle. A la création des Métalos, on se disait « l'industrie va se terminer avec la fin du siècle, on va arrêter les Métalovoice parce que ça n'aura plus lieu d'être ». On s'est trompé. L'industrie a évolué, a changé de formes. On passe des cheminées imposantes en briques au cœur des cités, à des industries bardées de verre et d'aluminium cachées en périphérie des villes. Mais à l'intérieur, il se passe presque la même chose. On a troqué le bleu de chauffe pour des blouses blanches. On change la forme mais le fond est exactement le même, exploitation, abrutissement, répétition, c'est toujours pareil ! L'aliénation de l'individu est liée à cette machination perpétuelle de l'industrie. Nous réclamons d'autres nécessités.

« La poésie est notre devenir, l'industrie est notre origine … »

On est séduit. C'est merveilleux l'industrie, regarde-toi, t'es tranquille, t'as ton matériel, tu mets ça sur le web, c'est super, ça c'est l'industrie nouvelle. La poésie est notre devenir, l'industrie est notre origine. On baigne dans l'industrie, c'est bien dommage, j'aimerais bien baigner dans autre chose. Quand je vois les Métalos, Pox, Pogo, Jol, tout le monde est issu de l'univers industriel, que ça soit les mines, la sidérurgie, les ateliers SNCF, nous sommes tous des enfants de l'industrie. Si les Tambours du Bronx sont nés, c'est parce qu'on vient tous d'une cité cheminote. On a été baigné dans un univers fait de sirènes appelant les ouvriers, par des locomotives … On a été baigné par cette sonorité là, et on n'avait surtout pas envie d'y adhérer. Mon père a essayé, ça ne m'intéressait pas. Il y avait à la fois une séduction, quelque chose de fort, et en même temps, j'avais envie d'avancer pour moi.

Quel rapport établis-tu avec le public, et avec l'espace ?

Je ne sais pas, à la limite, ça ne m'intéresse pas. Je ne cherche pas un rapport avec les gens. Je cherche avant tout à exprimer ce que je ressens. Le seul rapport que je pense avoir en ligne de mire, par rapport à nos objectifs artistiques, c'est de mettre du sens dans l'espace public. Installer un propos artistique, politique, scénique. La notion de place est importante pour moi. On ne vient pas là pour seulement dire, « on fait du spectacle, de la déambulation … ». Je trouve que la place publique, celle que l'on a pour habitude de pratiquer dans nos traversées, est une place qui a été privée de son espace de liberté, de discussion, d'agora, au sens initial de la place, là où l'on venait parler, dialoguer, échanger des propos, débattre, se confronter, se titiller politiquement, intellectuellement … La télévision nous a permis de nous calfeutrer, de nous enfermer. Il faut redonner à la place publique son sens initial, celui d'Agora, qui provoque une cascade de sentiments, d'émotions, de réflexions par rapport aux propositions artistiques. Pour moi, la forme artistique doit permettre la réflexion, la réaction, sinon, ça n'a aucun intérêt, si c'est pour faire de l'animatoire, faire du beau … J'aime les choses qui questionnent, qui bouleversent, déplaisent. On est là pour raconter notre histoire, notre point de vue.

Y'a t il un lien entre La Presse et Fragiles ?

Ca n'a rien à voir. La Presse donnait l'impression d'un super gros gâteau à trois étages. Fragiles, c'est quelque chose que l'on voit, que l'on entend, que l'on peut toucher. Il n'y a pas cette distanciation qu'on avait avec La Presse, de par le monument qu'on présentait, je me suis senti un peu dépassé. J'avais envie de retrouver une dimension qui était plus la nôtre, même si ça reste imposant. J'avais envie de retrouver cette façon d'être palpable.

Vous intégrez aussi des comédiens de métier …

On a toujours basé notre travail sur l'interdisciplinarité, sur le fusionnement des disciplines artistiques. On travaille la danse. Je veux que la danse, que le corps raconte l'histoire de la création, de la fragilité. Que peut-il nous dire, nous énoncer ? Même travail pour la musique, l'instrument, la voix, le texte … Autant d'éléments singuliers …

Parfois le propos est complètement singulier …

Chez Métalos, c'était paradoxal … On a toujours parlé de l'individu …(silence)… et on n'a jamais laissé l'individu parler. On a toujours été dans une espèce de collectif, où l'individu était relégué au profit d'une puissance massive, et par d'autres individus qui adhéraient au propos. Mais non, parfois le propos est complètement singulier. Quand on est touché par l'exclusion, par je ne sais trop quoi, on est touché, et seul. Cette solitude est importante, et elle a besoin de s'exprimer à travers ces pôles artistiques que nous développons dans Fragiles, la parole, le geste, la musique, la vidéo …

Je crois que mon cheminement, sera toujours le même.

Finalement, ce mot, ce spectacle : « fragile », englobe l'état d'esprit des Métalovoice aujourd'hui, est-il une réminiscence ?

Se dire : on se trompe. On se trompe, ce n'est pas possible ! On ne peut pas, nous, avec les qualités intellectuelles que nous avons, nous tromper dans cette direction. Nécessairement on se trompe ! On mérite mieux, on n'a pas toute cette intelligence, toute cette faculté à s'émouvoir, à regarder, à s'interroger sur ce monde pour être où on en est. C'est ridicule ; ridicule. Quand tu vois aujourd'hui l'état actuel de notre civilisation, tu ne peux pas être heureux et te dire « Putain, quelle belle civilisation ! ». Nous n'avons aucun phare. Tous les phares sont des phares obscurs, des rideaux se tendent à quelques centimètres de nos yeux. On ne nous ouvre aucune perspective, je ne veux pas croire à ça. Je ne veux absolument pas croire à ça. On mérite mieux !

Pour le mériter, il faut que l'on se questionne, individuellement, sur le propre sens de ses perspectives et de son rapport à la vie. C'est un questionnement que j'aurai toujours.

Je ne donnerai pas de réponses à ce questionnement en une création.

Je le donnerai dans une multitude de créations qui vont je l'espère se perpétuer dans le temps

Et j'aboutirai peut-être à une somme de questions et de questionnements et à la fois sans donner de réponses.

Je crois que mon cheminement, sera toujours le même.

Pascal Dores, entretien à Sainte-Sève le Mercredi 28 Mai 2003- kevinmorizur©lefourneau.com

photos : ©lefourneau.com

INTERVIEW : Pierre Prévost, Interview

Kevin — 2003-03-16T10:00:00Z

Interview réalisé au cours de la résidence au Fourneau en Mars 2003

Quand et comment la Chorale est-elle passée du théâtre déambulatoire à un théâtre « posé » ?

Au départ on s'est retrouvé à faire du déambulatoire, mais on sentait que ce n'était pas vraiment adapté, on ne tournait pas beaucoup et on n'était pas à l'aise. Je me souviens d'Aurillac en 98, quand on avait chanté devant la boucherie, les gens n'avaient pas le temps de choper les codes, on évoluait alors comme le spectacle des Représentants. En été 99, la révélation est arrivée au Mans. Yves Glisiere, organisateur et fidèle de la première heure, nous avait fait un programme complètement insensé, en nous disant, voilà, à 14 heures vous êtes là, et puis à 14 heures 45 vous êtes là et puis … Le programme à la main, les spectateurs nous attendaient aux endroits indiqués. Tout d'un coup, on ne pouvait plus partir comme on le faisait, par politesse, il nous fallait enquiller des chansons, on en avait à l'époque 8 ou 9. On se faisait des petits spots de 25 minutes, et à chaque fois, putain de dieu comme ça marchait bien, il y avait un accueil ! La pluie arrivant, on s'est retrouvé à jouer dans une sorte de chapelle déchristianisée, sans symboles religieux, et on s'est tapé un fou rire d'un quart d'heure avec le public. A la fin on s'est tous retrouvé en se disant, y'a quand même quelque chose …

Premier filage, vendredi 7 mars

Le spectacle a évolué, et pour Jazz sous les Pommiers, à Coutances, et on est passé de 300 personnes à plus de 1000 le lendemain, les gens étaient éberlués, ce qu'ils voyaient était en total décalage avec le reste du festival …

La Chorale ne correspond pas vraiment aux envies que tu peux dégager avec Les Représentants …

La Chorale, c'est un autre travail parce que c'est quelque chose que je ne défends pas par ailleurs, c'est un univers naïf, on n'est pas sur du texte. C'est comme une deuxième jambe. On a une jambe textuelle, celle qui traite du texte en rue, de la manière de jouer, de la connivence et de l'humour, que je développe avec le théâtre déambulatoire. La deuxième jambe, la chorale, est une sorte d'ovni, qui n'est pas très originale en soi, il y a d'autres spectacles qui se basent sur le fait de l'amateurisme, du faux … Mais nous on n'est pas chanteur à la base, quatre comédiens ont travaillé le chant, le curé joue du violon, mais ce n'est pas grand chose, à force de travailler, on a avancé … Dans cette chorale, on est dans la naïveté, c'est un autre monde, que je développe aussi dans le théâtre déambulatoire, je ne suis donc pas si loin …

Elle te sert à quoi alors cette deuxième jambe ?

Quand tu arrives dans la rue, il faut réussir avec très peu de moyens à introduire un spectateur dans un autre univers, un autre imaginaire. La culture c'est ça, partager un imaginaire commun, un moment important. L'univers de la chorale a semblé dire beaucoup de choses aux gens que l'on croisait. Les gens qui font des chorales se reconnaissaient, et n'ayant pas participé à des chorales, on ne peut pas dire que ce soit une critique in fine. Cet univers complètement imaginaire touche vraiment, et en Bretagne, je te dis pas le bonheur qu'on a, il y a une connivence, voilà c'est ça, il y a une connivence sur un imaginaire commun.

On est barré sur ces deux jambes, sur le théâtre déambulatoire et la chorale, avec des envies et puis on espère bien que sur ces deux jambes on va pouvoir avancer loin …

Vous vous moquez des Chorales alors …

La naïveté je la développe, et j'en suis content. Tu vois, c'est quand tu ne prends pas l'autre pour un con, mais toi même tu … C'est la fonction du clown, tu ne te moques pas. Le Bouffon se moque de l'autre, le Clown se moque de lui-même. C'est la grande différence. Et là en l'occurrence, on est plus sur une fonction d'autodérision, c'est à dire que l'on se met en cause et puis après on délire la dessus.

extrait de l'interview : l'univers Saint-Fulbert

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Comment as-tu travaillé pour La Rave Paroissiale, le premier spectacle de la Chorale ?

J'ai seulement travaillé sur l' univers, sur la conception des personnages, j'ai finalisé l'ordre, ce sont les comédiens qui ont tout apporté, en posant chacun leur touche, avec des forts moments d'affrontements, (lorsqu'on s'envoyait des vannes c'était souvent pas pour rire …). Avec ce travail on a appris la tolérance, ça fait maintenant 4 ans que l'on se côtoie assidûment si j'ose dire… Le type de boulot que l'on fait nécessite une complicité énorme, un comédien est une chose extrêmement sensible, comme un stradivarius, tu ne peux pas faire tout et n'importe quoi avec lui. On a travaillé ensuite La Chorale avec Aline Duclos, notre chargée de diffusion et en même temps metteuse en scène, elle nous l'a épuré, on a travaillé sur l'évolution, le rythme etc. ça nous a en quelque sorte vitrifié et fixé le spectacle.

ça fait maintenant 4 ans que l'on se côtoie assidûment si j'ose dire…

Quelle est l'évolution entre Les Représentants, Rave Paroissiale et Ainsi fut-il ?

Les Représentants, c'était un spectacle très dur, énervé et en même temps catalyseur. J'avais écrit ça sous Juppé, sous un coup de colère. A chaque énervement, je me demandais « je rentre dans un parti, ou je fais un spectacle ? ». C'est mon métier de faire des spectacles, je fais des spectacles. Sur la Chorale, je me suis dit y'en a marre, il faut introduire une touche d'optimisme, sans être bien évidemment tout à fait dupe. C'est résolument optimiste, c'est résolument de bonne volonté. Tu sais, ça me fait penser aux gens que tu croises dans les bleds, ils ont le monde, ils sont dans une espèce de bulle, mais comme il y a les médias, la télé, c'est une vision sous un tout petit angle et hyper protégée. La Chorale ce sont des gens qui n'y arrivent pas tout à fait mais qui sont pleins de bonne volonté. Ca me fait penser à une des vannes que j'avais écrit pour une femme de la chorale : elle voulait collecter des chapeaux pour lutter contre les insolations au Sahel… C'est ce côté complètement à côté que je veux continuer avec Ainsi Fut-il, évidemment. Mes autres sources d'inspiration pour la création sont les comédies musicales, l'incontournable Puy du Fou, et les mystères du Moyen âge avec cette manière un peu édifiante de parler et sur lesquels j'avais déjà travaillé en 1987.

extrait de l'interview : La chorale de Saint-Fulbert

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La religion y est plus présente ?

Pour le premier spectacle, on s'était interdit de mentionner le moindre fait religieux, là en l'occurrence, on travaille sur l'histoire de notre saint local et on ne peut plus s'en empêcher, donc il y a des allusions. Et je trouve ça plutôt nécessaire avec ce qui se passe dans le monde. Quand les conflits d'intérêts avancent en se drapant sous des étendards religieux, il y a urgence à aborder cette question avec respect, tact, mais surtout recul. On sait que les croyances n'hésitent pas à se fabriquer les icônes dont elles ont besoin à chaque fois qu'elles en ont besoin. C'est une partie de l'histoire d'"Ainsi fut-il". Fulbert est un saint malgré lui, un héros de la conjoncture. Quelqu'un d'instrumentalisé, comme nous le sommes souvent. Croyant ou pas croyant - pour ma part je suis totalement mécréant - ça nous concerne ce genre de chose, et ça a déterminé notre histoire.

Quel est l'objet de votre résidence au Fourneau ?

Notre objectif c'est de construire la colonne vertébrale du spectacle, on additionne les vertèbres, sans vraiment se préoccuper de ciseler là ou là, ce qui importe c'est qu'à la fin de cette résidence, ça tienne debout …

extrait du filage : Saint-Fulbert au couvent

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INTERVIEW : Pierre Prévost, ou le théâtre au « corps-accords »

Kevin — 2003-03-15T09:48:00Z

Interview réalisé au cours de la résidence au Fourneau en Mars 2003

Du haut de son mètre quatre vingt six, Pierre Prévost est une figure imposante de l'espace public. L'ambivalence Prévienne est de jouer avec deux conceptions théâtrales totalement différentes. D'un coté, un théâtre déambulatoire, revendicatif, dur, énervé, et au « milieu des gens ». De l'autre, un théâtre plus léger, et laissant place à une ouverture sur l'imaginaire commun et la connivence avec le public. Rencontre avec un homme de la rue, qui compare volontiers le fonctionnement d'un spectacle à la mécanique du corps humain...

Pierre Prévost : parcours

Globe Joker

En 1987, je crée la Compagnie Globe Joker avec mon frère Jean-Luc. Nous travaillons alors pour des évènementiels et pour des associations dans les banlieues, avec un spectacle de clown. Le spectacle qui va déterminer notre devenir est une petite pochade que j'ai écrite et qui ne sera jouée qu'une fois. ça s'appelle :« Blanche Neige et la Golden qui tue », et nous la jouons au milieu des gens. Dans ce spectacle, il y a évidemment Blanche Neige, le chevalier, la sorcière, et trois nains. Pour les nains, j'ai écrit un texte de "mise en attente" en simili-Vieux François, où ils cherchent Blanche Neige au milieu du public, selon un rituel précis. Ce passage du spectacle fonctionne tellement bien qu'il va devenir indépendant sous le nom des Nains. Par la suite, nous allons chercehr à multiplier ce genre de découvertes. Notre deuxième tentative de rue, c'est le spectacle L'Esbétonie joué à Aurillac. Cette pièce ne trouve pas le succès d'une part parce qu'on ne peut le communiquer correctement et d'autre part, parce qu'on l'a abâtardit, on a voulu en faire une espèce de digest qui passait relativement mal. On est prêt à abandonner la rue parce que nos travaux pour les évènementiels et les associations nous permettent de gagner notre croûte. Mais elle nous tient à cœur et en 1994 on se remet à travailler sur des spectacles du type des Nains.

Les Obsessionnels
On a alors deux équipes, une qui joue les Grands Nains, La Tournée Electorale, et les Krishnous, la deuxième équipe (dans laquelle je travaille) lance les Représentants ( Huit saynètes en 1994, 16 en 1995) chaque équipe travaille à sa manière mais avec le même nom générique, Les Obsessionnels.

Ce qui est drôle c'est que le nom a prévalu sur la compagnie qui n'était alors pas très réputée.
Ces deux équipes là on eu leur destin. Deux travaux différents, la première était plus réactive et nous, nous étions plus dans le fond et la mise en scène. Ce qui m'intéressait c'était effectivement de faire passer du texte mais pas forcément des phrases entières, surtout avec la langue française où tu peux commencer une phrase sans la terminer et tout le monde la comprend, alors qu'en Allemand ce n'est pas possible. Avec Les Représentants on travaillait sur la césure, juste des mots, des saynètes orchestrées et mises en scène. L'idée était de faire une démonstration de produit, tout en démontrant la société en très peu de mots. On est bien tombé, en 1994 on était sous Léotard et tous les organisateurs cherchaient des solutions à pas chères, tout en étant théâtrales. De plus la communication passait bien, du fait de l'inscription Les Obsessionnels sur les valises des représentants.

La compagnie Les Obsessionnels a grandi, on a crée d'autres spectacles : La Horde, La Marquise de Noutroy, Les Grâaleurs, Les Cornaqueurs et … La Chorale de Saint Fulbert, au départ sous forme de déambulatoire, crée pour Festimagic dans les supermarchés. Ca nous disait bien de jeter une chorale de ploucs chantant des chansons cul cul. On s'est tellement bien amusé à le faire qu'on a continué à le jouer. Au début, en 98, c'était mauvais, mais les aventures ont continué, et j'ai écrit et composé de nouvelles chansons, sans aucune prétention.

2000, création des Acidus-Obsessionnels

En 2000, la base des deux équipes s'est séparée, non pas les gens de la compagnie, mais les deux patrons qu'étaient mon frère et moi. Exit Globe Joker, et création des Goulus-Obsessionnels avec Jean-Luc et des Acidus-Obsessionnels sous ma direction. On garde le nom générique, pour que les gens puissent faire le rapprochement, et parce que c'est très difficile d' avoir un nom, de construire une réputation. Il y a encore des gens qui nous appellent les Obsessionnels alors que la compagnie n'existe plus. C'est resté dans la mémoire.

Théoriser une mise en scène spontanée, chercher des procédures qui nous permettent d'avancer

La spécificité au départ des Obsessionnels puis d'Acidu, c'est de vouloir jouer au milieu, je ne veux pas avoir un rapport frontal, je veux jouer au milieu des gens, en ayant un rapport spontané, de retrouver un peu le théâtre saltimbanque, mais face à un public beaucoup plus civilisé que celui du moyen âge ... Aujourd'hui, et grâce au théâtre de rue, les gens commencent à comprendre qu'un mec déguisé n'est pas forcément là pour faire le clown, qu'il est acteur, et c'est à partir de là que tu peux introduire une démarche théâtrale. Ma partie de travail au sein des différentes compagnies a été de trouver et théoriser une mise en scène spontanée, de chercher des procédures qui nous permettent d'avancer. A partir du moment où tu as trouvé ces formules qui résument le théâtre déambulatoire, il y a la recherche textuelle, qui te permet de fabriquer un répertoire.

INTERVIEW : Burattini, le King Kong de la Rue

Kevin — 2002-07-31T15:23:00Z

Interview réalisé au Festival des arts dans la rue de Morlaix le 31 Juillet 2002. Dans la rue, tu croises des mecs extraordinaires, ils te balancent un message à la gueule, et t'en fais ce que tu veux. Le talent Burattini se trouve dans les gènes, et ni lui, ni personne n'arrivent à l'expliquer.

"Et des fois 10 ans plus tard tu comprends ce que t'as dit 10 ans plus tôt. Tu le disais déjà mais tu le comprenais pas."

J'avais 10 ans, aujourd'hui j'en ai 20.

Le paradoxe et le mystère Burat' résident pour toujours dans cette phrase : "C'était tout à double mot, et fallait comprendre à demi mot"

Cet entretien n'explique rien... Du moins pas encore Dans 10 ans peut-être…

C'est la diversité qu'est fantastique.

Tu écris en 1992 : "Mon rêve secret, que mes enfants, comme des crétins, reprennent le "Répertoire" en ayant la prétention de le dépoussiérer, de le réactualiser". 10 ans après ?

Je me moquais du théâtre qui prend un répertoire classique et qui finalement construit un remake. Au cinéma, imagine si chaque année un mec décide de tourner Autant en emporte le vent, dans la boîte noire classique, ça se passe comme ça, y'a plus de 50 personnes qui mettent en scène le même Molière, le même Shakespeare, le même Ionesco, je trouve ça aberrant. Effectivement, chacun amène sa version, mais c'est pas ça qui fait avancer le shmilblick, ce qui est formidable c'est la manière dont Courcoult (directeur du Royal de Luxe), ou Pascal Rome (Cie OPUS) imaginent leur spectacle, c'est la diversité qu'est fantastique. La spécificité des Arts de la rue, c'est d'être continuellement en recherche et que chacun trouve de nouvelles variantes à donner, il faut pas ânonner, ni répéter sans arrêt pour amener sa petite variante de trou du cul… C'est peut-être très bien de montrer des classiques, de les offrir aux yeux et aux oreilles des spectateurs et même avec une grande mise en scène moi je les ai pas vus…

Dans le théâtre de rue, les mecs ont des textes contemporains ou des images contemporaines, c'est leur truc à eux, c'est leur moment à eux, c'est le théâtre créatif de notre époque, c'est l'art le plus contemporain, et beaucoup plus que le rock'n roll ! Dans la norme traditionnelle, le Théâtre de rue ne paraît pas abouti, mais c'est parce que les critères de sélection ne sont pas les mêmes que ce ceux du théâtre, car c'est une invention d'écriture. Tu as des spectacles en mouvement, à l'arrêt, en odeur, c'est étonnant quoi.

Quel est ton message pour les jeunes compagnies et les futurs acteurs de la rue ?

Quand tu commences à vingt balais, t'es tout neuf, tu inventes et tu chies sur ce qui existe déjà, tu te fais ta place, t'essayes aussi de comprendre ce que tu fais pour le faire assez longtemps, tu peux être créatif mais ce qu'il faut, c'est tenir la distance, est-ce que dans vingt ans tu seras encore dans le système ou dans la rue ? Et puis tu as aussi le champ d'expérience, nous, on fait du forain, parce que les organisateurs demandent du forain… ça tient dans un camion 20 m3, ça coûte tant etc… Mais à la Bourboule on a créé des spectacles que l'on a joués qu'une seule fois, donc champ d'expérience. Et puis dans les compagnies, tu rencontres des gens qu'ont 10 ans, 20 ans, 30 ans de plus, ce sont des mecs qui se sont corrigés, qui se sont moulés, ils inventent, ils revendiquent, c'est encore une troisième aventure, et les aventures humaines, t'en as plein !

Tu utilises l'expression "Troupe dinosaure" pour caractériser les plus anciennes compagnies, l'extinction est proche ?

Tôt ou tard… Moi j'ai 55 ans, Kurosawa écrivait des films à 80 ans. Trois cinéastes s'étaient cotisés pour qu'il réalise son film Rêve. Peut-être que des gens feront la même chose pour moi quand j'aurai 80 ans… J'en sais rien je dis ça comme ça ! Moi, j'ai une vie d'artiste vieillissante à faire, je me vois pas comme ça mais je sais très bien que le directeur de cirque il finit un jour à la caisse… Je l'ai écrit mon parcours, je sais comment c'est, j'ai commencé à 16 ans et ½, et aujourd'hui je suis toujours dans le coup… j'espère durer encore 20 ans, histoire de faire chier deux ou trois petits jeunes (sourire)…

Nous on attendait la relève, mais elle existe pas, la relève. Elle n'a jamais existé, je suis la relève de quelqu'un que j'ignore. Ce qu'il y a c'est des nouveaux publics, et des nouvelles demandes, le publics changent, quand tu vois dans des émissions à la con des mecs qui s'excitent à chanter la chanson de Casimir (il entonne le début), c'est tellement con, d'ailleurs je la trouvais déjà con cette émission mais c'est leur référence, t'en as d'autres c'est Claude François, Adamo. Le public change et peut-être que dans 15 ans la rue elle sera riche de hip hop, j'espère que non je te le dis franchement… le music-hall il était à son apogée et tout d'un coup il a disparu, alors qu'il y avait des numéros extraordinaires, tout comme le cirque : le public ne vient plus. Le cinéma pareil, plus les jeunes vont au cinoche plus les films sont cons, ça devient gore, adolescent, tu montres un bout de bite, un peu de nichon et puis si tu peux couper une tête, ils aiment bien les ados, c'est tendance… Donc les mecs fabriquent des films pour les ados, ce sont des époques, c'est tout.

Il y a 10 ans j'ai vu "T'as d'beaux yeux"…

Oui, d'ailleurs je regrettais de pas t'avoir giflé à l'époque, et si tu le permets maintenant …si t'as deux minutes …

Je garde toujours Burattini

Tout le monde est attentif à ton spectacle, quand tu t'adresses avec guignol à des anciens ou à des mômes, ils ont les yeux qui brillent

Oui, j'aime ce spectacle. C'est une parodie de moi même, je déconne avec les mômes, je les adore, mais à travers ça, j'ai pu dire tout ce que je pensais de l'éducation. Je ne suis pas comédien, je n'interprète pas des rôles différents, j'ai choisi un personnage que je peaufine comme Charlot ou Buster Keaton, je fais passer mon personnage à travers des émotions et des histoires différentes, je garde toujours Burattini, dans ce spectacle il est plutôt cracheur dans la soupe, il est tellement clown-agressif et clown-odieux qu'il fait rire, mais Burattini est aussi philosophe (Le musée des contes de fées), exploiteur (Le manchot). Ca fait 35 ans que j'ai ce personnage, Guignol, quand j'avais 20 ans, je le faisais avec une certaine voix et une certaine mentalité maintenant, je le fais encore mais différemment. Mais c'est mon histoire, je ne suis pas comédien, c'est un autre boulot, chacun son boulot. Je continue d'avancer, on est en train de créer un spectacle autour d'un combat de coq et je me demande quelle autre facette de Burattini vais-je exploiter…

Tu racontes l'histoire des Buratt, elle est réelle alors ?

Oui, l'histoire des Burattini est vraie. C'est bien la famille Italienne qui est venue et tout ça… Dans le Jabberwock, un bonimenteur explique comment on peut un jour naître dans un pays et par un hasard incroyable se retrouver à 500 kilomètres de son lieu de naissance avec une nationalité, c'est ce qui m'est arrivé… Je suis français parce que Pof une partie de ma famille s'est arrêtée là.

J'ai parlé à la profession

Lorsque Burattini brûle son décor…

Je voulais montrer qu'il ne faut pas tenir aux choses. Pourquoi on fait des spectacles, quel est le public à qui on s'adresse, quand Godard fait des films, il ne s'adresse pas spécialement au public, y'en a qui racontent des histoires lui il fait des films, et il peut le faire aussi pour la profession. Je sais que 3 ou 4 phrases de Godard me dirigent complètement, ça me donne des idées pour les Arts de la Rue. Ce que j'ai fait dans l'incendie de la Baraque Foraine, j'ai parlé à la profession, j'ai parlé de Bartabas, qu'était fatigué, épuisé et qui faisait une dernière saillie à la trapéziste, c'était tout à double mot et fallait comprendre à demi mot, j'ai parlé de mon grand-père qu'était zoophile chez Bouglione, à travers ça je racontais des trucs. Moi je fais qu'une proposition, les gens disposent de ce que je dis, moi je détiens pas la vérité, c'est ce que je ressens, et parfois même ce que je dis je le ressens un peu plus tard… Je le dis parce que c'est dans les gênes, j'arrive pas trop bien à l'analyser, mais plus tard, je comprends ce que j'ai dit, c'est souvent comme ça.

INTERVIEW : Entrevue avec Bruno Schnebelin, de la compagnie Ilotopie et président de la Fédération

Kevin — 2000-07-19T15:08:00Z

Il faut chercher des formes nouvelles, et je crois que l'espace public a les moyens de le faire. Il faut aussi faire attention à ne pas présenter des formes distractives ou trop faciles du théâtre de rue, car ce genre de choix est très vite récupéré par le commercial ou le politique ...

Interview réalisé au Festival des arts dans la rue de Morlaix le 19 Juillet 2000

Quelles sont pour toi les voies à envisager pour le théâtre de rue actuel ?

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Ilotopie au FAR de Morlaix

FAR 2000

Faut il alors alimenter ce côté rebelle et contestataire ?

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Comme le fait la musique, le théâtre de rue peut et doit se brancher socialement sur les jeunes et la société du moment, c'est pour ça qu'il a aussi besoin de renouvellement et d'être encore plus rebelle que les formes antérieures. Comme je l'ai déjà dit, il faut chercher des formes qui soient virulentes, même si elles parlent du futur et que ce n'est pas très gai.

Tu tournes pourtant depuis plus de 10 ans avec la mousse en cage, pourquoi ?

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Ce spectacle qui a pourtant dix ans, reste toujours une métaphore qui pour nous dit quelque chose de très important. On a d'autres créations plus d'actualité, mais c'est aussi parce que la mousse en cage nous plait vraiment, on prend du plaisir et c'est aussi très important.

Ilotopie au FAR de Morlaix

Quel est le but de ce spectacle ?

Nous essayons de viser la plus large population possible, pour la tirer vers des réflexions, des formes et des systèmes d'agitations qui peuvent peut être déboucher sur quelque chose.