Les Reportages du Fourneau----

INTERVIEW : génèse de Soy Imperfecta, rencontre avec Trace(s) en Poudre

Jérôme Thiébaut — 2004-08-16T12:35:00Z

Quand s'est formée la compagnie ?

Aurélie Gard : En 1999. On s'est rencontré avec Nath au lycée à Aurillac. J'étais dans une section « art dramatique » et Nath dans une section « art plastique ». Comme on habitait dans cette ville, on vivait dans le monde du théâtre de rue et de fil en aiguille on a monté notre compagnie.
Nath Bruère : J'étais en maîtrise d'art plastique à Toulouse, je faisais un mémoire sur les arts de la rue et j'avais une pratique plastique obligatoire. Un jour, j'ai appelé Aurélie pour lui dire que c'était le moment d'y aller, qu'il fallait fonder notre structure. On a créer un premier spectacle qui s'appelait : « Portée Dis... »
AG : On l'a joué à Morlaix. C'était un duo sur la femme sans sujet particulier qui abordait la question de l'avortement, du double, du passage de l'enfance au monde adulte. On essayait de faire se rencontrer le théâtre et les arts plastiques.

Comment vous est venue l'idée de ce spectacle ?

AG : C'est parti d'une amie danseuse qui m'a proposée de travailler avec elle sur le thème de la prostitution. On a pas continué ensemble mais j'ai découvert cet univers, j'ai fais des recherches, j'ai lu pleins d'articles concernant la traite des humains au niveau mondiale. C'est quelque chose que je ne soupçonnais pas vraiment, je savais que ça existait sans rien connaître la dessus. J'ai été effrayé de me rendre compte que c'était un trafic au même titre que la drogue et les armes. Ca m'a beaucoup perturbé et j'ai eu envie de faire un spectacle qui dénonce cela.

Vous l'avez joué dans le cadre de la journée des Femmes à Paris en mars 2003 ?

AG : Le spectacle est sorti en 2002. Quand on a été à ces rencontres, la confrontation avec certaines prostituées a été délicate. Il y a vraiment une partie des filles, les prostituées dites traditionnelles qui s'appellent aussi les travailleuses du sexe, pour qui c'est presque un engagement de faire cet activité. C'est comme ça qu'elles le défendent, notamment dans les médias. A mon avis elles sont une minorité. Quand elles ont vu le spectacle elle n'ont absolument pas accepté notre point de vue. Par contre quand j'ai réussi à leur expliquer que je voulais parler de l'esclavage, d'une prostitution forcée, elles ont mieux compris ce que je voulais dire. Je ne me permettrais pas de les juger mais j'ai du mal à croire qu'il y a une prostitution libre, par plaisir, complètement choisie. Il y a un point de bascule pour toutes, sauf peut-être pour quelques rares exceptions. On s'est emporté mais je crois qu'au final on a réussi à se comprendre même si au fond on est pas tout à fait d'accord.

Comment on fait pour construire un spectacle sur un sujet aussi ardu ?

AG : La difficulté c'était d'éviter les clichés de la prostitution. On n'avait pas envie d'en parler et pourtant ils existent. Je ne sais pas comment ça c'est construit, j'écris en direct par des travaux d'improvisations avec les comédiens. On a été obligé de traverser des stéréotypes. Ensuite il a fallu épurer jusqu'a ce qu'il ne reste que l'essentiel sans jamais perdre de vue le fond des choses, c'est à dire la dénonciation d'une violence. C'est pour cela que le spectacle peut heurter certaines personnes. A l'époque où on jouait en Off, on tâtait le terrain et on l'avait déconseillé au jeune public. Aujourd'hui certains programmateurs estiment que ce n'est pas nécessaire, ça dépend de chacun.
NB : Forcément ça parle de sexualité d'une manière assez crue. Il y a des poupées gonflables, des accessoires qui peuvent choquer. Mais il faut qu'il y ait un échange avec l'enfant, une éducation, c'est ça qui est important. D'un autre côté tous les parents ne sont pas prêts.

Pourquoi le choix de ne pas utiliser la parole ?

AG : Ce n'est pas un choix qui est lié à ce spectacle, c'est quelque chose qui c'est imposé. Je ne suis pas du tout à l'aise avec les mots et je trouve que le corps est infiniment parlant. C'est devenu notre démarche.

Il y a beaucoup de programmateurs qui ont refusé d'acheter le spectacle ?

NB : Oui... Je m'occupe de la diffusion dans la compagnie et en moyenne on fait une dizaine de dates par an. Il y a plein de gens qui nous disent aimer notre travail mais en même temps que leur public n'est pas prêt. Je ne suis pas d'accord, je crois que tout le monde peut voir ce que l'on fait. Evidemment, nous programmer ne peut pas se faire au hasard parce que c'est un choix qu'il faut défendre.

Vous avez reçu beaucoup de réaction masculine suite à ce spectacle, cela va t- il donné lieu a une nouvelle création ?

AG : Plusieurs hommes sont venus se confier à moi. Ils m'ont raconté des choses très intimes de leur vie. Pour d'autres je n'avais rien compris à la prostitution. Ils en parlaient en connaissance de cause, de leur point de vue de client. Ce spectacle parle t- il vraiment de la prostitution ou plutôt de l'esclavage moderne ? Il y a une double lecture : d'un coté ceux qui restent bloqués sur le sujet de la prostitution et qui se situe en tant qu'homme et femme. De l'autre des personnes qui nous ont remercié parce qu'elles ne se rendaient pas compte que cela existait, elles étaient touchées. Si le spectacle dérange, c'est aussi parce qu'il va au-delà de la prostitution, il crée un trouble ailleurs que dans le sujet proprement dit, il y a la problématique du désir, de la solitude... Toute cette matière donnera lieu à un nouveau travail, Ecce homo, qui sortira en mars 2005.

Trace(s) en Poudre au FAR de Morlaix 2004

INTERVIEW : La vie en rose avec Pied en Sol

Jérôme Thiébaut — 2004-08-06T12:24:00Z

Depuis quand existe la compagnie ?

Brigitte Tremelot : Pied en sol a 10 ans cette année. Denis et moi on danse ensemble depuis 1983. Avant on faisait partie d'une compagnie que l'on a quittée pour différentes raisons. Puis on a travaillé tous les deux pendant trois ou quatre ans ans. On a monté des duos en salle et en 1997-98 le directeur du Théâtre de Redon, Albert Guihard, nous a demandé si on pouvait jouer une pièce dehors. C'est comme cela que les choses ont commencé. On a interprété un duo qui s'appelait « Chemin Faisant » pour la Rando Ouest France à Redon et ensuite on a été dans divers festivals dont Aurillac. On a eu un vrai coup de cœur pour la rue et depuis 99 on crée essentiellement des spectacles pour cet espace.

Quelle sont les différences entre la salle et la rue ?

Denis Madeleine : Quand on joue dans la rue on rencontre forcément les habitants, pendant une répétition par exemple, ce qui fait qu'il y a déjà une histoire qui se tisse entre nous. On ne peut pas toujours avoir ce type de rapport dans un théâtre parce que les gens sont là pour bosser alors que dans la rue ils vivent. En travaillant dans cet espace on rentre dans une sorte de collectivité. Ca nous permet aussi de nous rendre compte qu'il n'y a pas tant de fossés que cela entre le public et la danse contemporaine.

Y a t-il beaucoup de compagnies de danse de rue ?

B.T : Il y a Tango Sumo. Mais c'est vrai qu'on est pas nombreux à ne faire que de la danse contemporaine. Souvent les compagnies mélangent le théâtre ou le cirque avec la danse. On est fier d'amener le langage chorégraphique dans la rue et que le public, qu'il soit averti ou novice, reste jusqu'au bout.

En général la danse contemporaine est assez hermétique ?

B.T : Ca dépend. Il y a des spectacles qui peuvent être compliqués, sélectifs mais c'est aussi ce qui fait avancer l'art. Nous on est plus dans une forme entre guillemets populaires. Quand on a joué "Chemin Faisant" à Aurillac on s'est retrouvé sur des places où les gens nous mettaient des billets de 100 balles dans le chapeau en nous disant qu'ils ne seraient jamais aller voir un spectacle de danse contemporaine en salle, qu'ils ne pouvaient pas penser que la danse pouvait être cela. On a une écriture qui peut correspondre à la rue et c'est le public qui a fait que l'on a eu envie de continuer cette aventure.

Vos précédents projets avant via ?

B.T : Dans la rue il y a eu "Chemin Faisant", "Filigrane Fanfare" qui a eu le prix de la Région en 1999, "Jour d'Avant" qui est un petit duo que l'on tourne surtout à Noël, "Mister Mirliflore" qui est un solo de Denis sur le personnage de Buster keaton, "Fabula Ficta" qui est un jeu de société grandeur nature et que l'on a joué ici il y a 2 ans sur la Place des Jacobins. Toutes ces pièces sont vraiment différentes les une des autres. Elles sont toutes portées par un univers fort et marqué.

Quelle est l'idée de départ sur Via ?

B.T : L'envie de la déambulation, de "péleriner" dans une ville avec de grands bâtons. Et aussi de faire un pied de nez pour dire que l'on peut vivre autrement suite à la mise en place du nouveau protocole d'accord sur l'intermittence du spectacle l'an dernier. Chacun a plus ou moins bien traversé cette période et Denis a eu envie de repeindre le monde en rose. Tout cela part d'un besoin de légèreté, de naïveté.

D.M : Avec ce nouveau protocole on se sentait complètement fragilisé. C'est assez complexe de faire ce métier. On a beau être danseurs depuis plusieurs années, on est un peu comme des marins qui jettent leur filets en mer sans savoir s' ils vont ramener du poisson. Là ça nous a fait un poids supplémentaire. Au début les personnages sont un peu kitsch, et en effectuant ce pèlerinage ils découvrent leurs personnalités, ils se dévoilent au fur et a mesure.

Pourquoi un spectacle déambulatoire et non pas fixe ?

D.M : Parce que c'est d'abord une rencontre avec différents espaces. Ces changements avec le public nous font ressentir de nombreux états. Chaque fois qu'on avance on se prends des surprises dans le nez avec lesquels il nous faut construire une nouvelle histoire. C'est une pièce qui a été écrite par module. Ca nous est arrivé pendant la création d'inverser l'ordre des choses pour voir ce que cela donnait, de rendre la Via le plus souple possible de façon à découvrir ce que l'on n'avait pas prévu. Ca nous a peut-être aussi permis d'être plus à fleur de peau.
B.T : Denis avait envie de vivre cette expérience. Pour cela il faut avoir un contenu artistique et se tenir toujours prêt. Par exemple on est venu faire un repérage du parcours à Morlaix quand on était en création à Taulé avec Claude Morizur (co-directeur du Fourneau). Puis on a refait le parcours hier avec les techniciens et juste avant de partir en représentation Claude arrive et nous fait une nouvelle proposition pour la fin. C'est aussi ça la déambulation il faut savoir rester ouvert et accepter ce qui arrive. C'est pas si simple que ça, même entre nous car il faut que tout le monde accepte ces changements et soit serein avant de partir.

Vous avez créer Via à Molène ?

B.T : Tous les danseurs ne sont pas de la région, donc on a aménagé des temps de création pendant 6 semaines à Redon et après on est parti 10 jours en résidence sur l'île Molène. Avec ce premier jet, on a décidé d'un parcours et c'est ce parcours qui nous a donné l'agencement actuel. Ensuite on a fait une résidence à Taulé. Chaque lieu te donne des idées différentes.

Quelles sont les personnes qui ont influencé votre travail ?

B.T : On a beaucoup travaillé pendant deux ans avec Dominique Petit dans les Pays de la Loire. C'est un danseur qui était très connu dans les années 80. On a fait beaucoup d' improvisations, comment être là au bon moment, comment gérer l'espace, le temps, le groupe... On a eu aussi la chance d'avoir un parrainage chorégraphique avec Charles Cré-Ange qui travaille énormément sur le système des carrés. Du coup ça nous a donné envie d'avoir une écriture à 4 côtés et à 360 degrés dans la rue, afin que chaque personne du public puisse avoir une lecture différente. Et puis il y a aussi la rencontre entre nous deux et avec les danseurs, avec leur personnalité, qui nous a permis de faire ce spectacle.

Pied en Sol au FAR de Morlaix 2004
Pour en savoir plus sur Pied en Sol : www.piedensol.com

INTERVIEW : Retour sur le travail de KompleXKapharnaüM

Jérôme Thiébaut — 2004-08-06T12:17:00Z

Comment s'est formé KompleXKapharnaüM ?

Pierre Duforeau : C'est un collectif composé de plusieurs personnes issues de pratiques et de disciplines différentes, des artistes de rue, des plasticiens, des ingénieurs... On s'est retrouvé dans une friche avec l'envie d'occuper un espace en développant un projet commun. Au début on a mis en place des ateliers que l'on a ouvert aux bénévoles et aux amateurs. Ils venaient et participaient à des dispositifs dans lesquels on essayait toujours de lier l'image animée avec des performances, du théâtre ou de la musique. En majorité les gens étaient autodidactes, beaucoup se sont formés ensemble au fil des années au travers de leurs travaux.

Quelle était l'idée de départ ?

Pierre Duforeau : L'envie de mélanger les disciplines. On est venu dans l'espace public plus tard, poussé par une dynamique de rencontre.
Christophe Montoloy : Dès l'origine on avait l'intention de ne pas rester dans un rapport frontal avec les spectateurs. On voulait occuper l'espace de façon différente, obliger les gens à se déplacer donc à se positionner.

P.D : La particularité de notre travail est d'être "in situ ". On investit un lieu qui n'est pas dédié à la représentation et on se l'approprie, on le transforme. On ne vient pas faire un spectacle sur la place du village. Avant on s'emparait d'un endroit atypique sans se préoccuper de ses particularités. Il y avait quelque chose d'incohérent dans cette démarche. Aujourd'hui on fait attention de prendre en compte ce qu'il représente pour les habitants.

Quel est votre parcours avant KompleXKapharnaüM ?

C.M : Ne sachant pas quoi faire après le bac et ayant un goût prononcé pour les rapports humains, je me suis orienté vers l'animation socio - culturelle. J'ai été professionnel pendant 6 ans mais c'est un milieu qui m'a lassé, déçu. J'ai eu la chance de participer aux ateliers que donnait Komplex et à un moment donné j'ai fait le choix de laisser mon activité pour partir avec cette équipe.
P.D : J'ai une formation de plasticien. J'ai fait les beaux-arts. C'est là que j'ai découvert la photo, la vidéo ainsi que la mise en place de dispositifs, les performances. En parallèle on menait déjà nos expériences de spectacles et les choses se sont faites assez naturellement.

Vos influences esthétiques ?

P.D : Je ne vais pas citer d'artistes ou de courants. Notre objectif est de mettre en place une scénographie globale. On n'est pas du tout dans la réalisation de documentaires audiovisuels. L'image n'est pas travaillée dans le cadre du 4/3 vidéo, mais dans la façon dont elle est projetée. On se demande comment la lumière peut l'encadrer par exemple. Ces réflexions nous sont venues au fil des années. Les vidéos diffusées dans la rue sans accompagnement du public ne nous intéressent pas. Globalement on revendique une esthétique un peu bricolée ou la main intervient. Dans notre site internet, on a eu envie de gratter cette présentation un peu lisse qu'on trouve très souvent sur le web. On veut que la matière, que ce soit du papier, des photos déchirées ou de la ficelle soit présente. On recherche une sorte d'épaisseur. C'est peut-être aussi par un manque d'habileté vis à vis de l'outil informatique. Au début, on n'était pas très fort sur du dessin vectoriel ou des logiciels comme Flashplayer... D'autre part on a eu envie de faire descendre la technique multimédia de son piédestal. Il ne faut pas être dans une approche trop lisse, trop technicienne, trop sacrée. C'est difficile de se dégager des Photoshop et compagnie. Mais on essaye dès que c'est possible pour se rapprocher du côté humain, de cet aspect fait de bric de broc.

L'objectif du site internet est de devenir un immense forum ?

C.M : S'il pouvait être prétexte à un rassemblement on serait ravi. Dans le Pays de Morlaix c'est déjà très présent puisqu'on travaille avec trois agglomérations qui se réunissent autour d'un projet. Il y a une identité qui se met en place. Ce travail existe aussi sur Marseille, dans le sud ouest, et bientôt sur Aurillac. L'envie est de créer une communauté qui ne serait pas territoriale mais plutôt d'intérêt, de sensibilité.

P.D : Il y a un positionnement de l'équipe. Ce que l'on cherche c'est d'assumer encore plus la notion de dispositif, d'un espace ouvert qui va se transformer au fur et à mesure des rencontres et des collaborations. On propose un cadre, on développe une esthétique, des lignes de force. Si le projet réussit il y aura plein d'objets différents, de liens et peu à peu cela nous échappera pour aller sur des pistes que l'on n'avait pas pressenties. Généralement les artistes ont tendance à travailler sur une oeuvre qu'ils maîtrisent le plus possible, nous il faut qu'on progresse dans cette notion d'une oeuvre ouverte.

Vous tentez de recréer un lien social ?

C.M : Notre travail est de créer des installations qui sont prétexte à rencontre. C'est des rendez-vous qu'on espère surprenants, qui entraînent des questionnements et en même temps qui se veulent rassurants. T'es dans la ville, les éclairages sont coupés, les gens peuvent échanger, rencontrer leurs voisins, trouver une place. C'est n'est pas anodin. Après est ce qu'on est "petite armée du lien social" ? Ca c'est plutôt un discours politique qu'on laisse bien volontiers aux politiques. Que l'espace public soit un lieu d'échanges et pas de crainte, de repli sur soi, c'est ça l'engagement pour moi.
P.D : On n'est pas des pompiers. On n'est pas dans une lecture politique et sociale mais plutôt onirique. On essaye de raconter une histoire, de créer du beau là ou y'en a pas, du rythme là ou y'en a pas... Forcément des choses en découlent mais c'est pas notre préoccupation première. En disant ça on est loin de nous désintéresser de ce qui nous entoure et de la société dans laquelle on vit, bien au contraire.

Comment vous êtes vous retrouvés à Avignon ?

P.D : Nous avons été invités par la nouvelle équipe du festival. Suite au changement de direction, Vincent Baudriller et Hortense Archambault se retrouvent aux commandes d'une grosse institution et ont envie de la faire évoluer. Ils se sont associés au metteur en scène allemand Thomas Ostermaier, dont le travail est très ancré dans une composante sociale et politique. Ils avaient envie de faire un acte symbolique en ouverture du festival, de ne pas démarrer comme le veut la tradition depuis 57 ans dans la cour d'honneur du Palais des Papes. On a rencontré cette nouvelle équipe l'an dernier sur un autre rendez-vous : « L'Année des 13 lunes » à Marseille. Ils ne sont pas engagés à faire un spectacle de rue déambulatoire en ouverture tous les ans, mais cette année à cause du lien avec Ostermaier notre proposition leur semblait juste en début de festival. C'était assez délicat pour nous, on s'est posé pas mal de questions et on a beaucoup discuté avec eux. Pourquoi on va là-bas, quelle caution on amène, jusqu'où on est instrumentalisé ou pas ? On a eu un rapport assez franc et on a décidé d'aller au charbon. Il nous semblait important de revendiquer l'existence d'une proposition artistique alternative dans l'espace public. Aujourd'hui il n'y a pas que des animations et des saltimbanques dans la rue. Il y a énormément de compagnies qui interrogent la ville, les relations entre les gens. Il faut faire la promotion de ces arts qu'on peut appeler arts publics, arts urbains, théâtre de rue... Il y a plein de noms mais l'important est d'œuvrer pour ce secteur parce qu'il est énormément touché par la crise générale sur la culture et qu'il est loin d'être accepté par les institutions.

Le projet en Pays de Morlaix
Plus d'infos sur le site de KomplexKapharnaüm

INTERVIEW : Sons urbains avec l'Eléphant Vert

Jérôme Thiébaut — 2004-08-06T12:05:00Z

Dans quelles circonstances s'est formée votre compagnie ?

Pierre Delosme : Elle a été fondée en 1982. On était à Paris et au début des années 80 on est descendu en Camargue où l'on a fondé L'Eléphant Vert. Au travers de nos expériences diverses et variées, de nos rencontres avec d'autres créateurs (Ilotopie, Générik Vapeur, Michel Crespin...) on a défini notre identité. C'est au début des années 90 qu'une démarche artistique très claire nous est apparue. On avait la volonté d'un théâtre tout terrain, populaire, mais exigeant en ce qui concerne le sens de ce que l'on écrivait. En 1992 on a affirmé notre volonté de mettre sur un pied d'égalité l'expression théâtrale et l'expression sonore au sens large. Cela inclut les sons environnementaux, musicaux, qui vont de l'électro-acoustique de Pierre Schaeffer jusqu'à la musique contemporaine en passant par le rock ou les musiques du monde. Le tout sans aucun esprit de chapelle. D'ailleurs ce n'est pas toujours évident de trouver des musiciens ou des acteurs qui sont dans cette disponibilité. Aujourd'hui on poursuit toujours cette réflexion : comment trouver valeur dramaturgique et scénographique d'un son ? Comment mélanger la narration théâtrale qui nécessite un sens pour qu'on la comprenne et la musique qui est une abstraction, une suite d'émotions ? Cela nous a donné plusieurs niveaux de travail. On fait de la formation depuis longtemps pour des publics allant de la maternelle à la faculté en passant par les professionnels, les handicapés... On a pu se nourrir et en même temps échanger avec des personnes avides de jeu, de se découvrir en groupe. On a aussi répondu à des commandes qui intégraient des "populations non- actrices". C'est -à- dire qu'on a travaillé avec des bûcherons, des sidérurgistes, des pêcheurs ...On a effectué des recherches pour trouver la forme théâtrale la plus appropriée à ces commandes sans jamais se détacher du réel.

Combien êtes vous ?

A la base on est deux avec Claire Madelénat qui n'est pas là aujourd'hui. A cela il faut rajouter de nombreuses collaborations en fonction des projets. On est les co-fondateurs de la compagnie et les auteurs. De temps en temps on se permet des petites échappées, elle écrit quelque chose pour elle et je fais pareil pour moi.

Pourquoi avoir fait une sortie improvisée tout à l'heure ?

Pour surprendre les gens. C'est ce qu'on recherche souvent en tant qu'artiste de rue. Travailler dans cet espace est un acte politique, on veut amener l'art partout. C'est bien les programmations, on les suit avec plaisir. Mais retrouver l' essence de ce qu'on a appelé à une époque "le théâtre invisible" ou une proposition arrivait de façon imprévue dans le quotidien des gens, ça crée des choses d'un autre niveau. C'est une autre relation.

Alors pourquoi ne pas avoir fait le spectacle dans son intégralité plutôt que d'en avoir donné un court extrait ?

C'est une question d'énergie. J'aurais pu le faire avec un peu plus de temps entre les deux spectacles. De plus j'avais la contrainte des bagnoles, la circulation n'était pas bloquée, alors j'ai improvisé avec ce que j'ai trouvé.

Comment vous est venue l'idée de ce projet là ?

C'est une vieille histoire. C'est pas le premier spectacle de L'Eléphant Vert qui touche à la mémoire. On avait déjà travaillé sur l'ouverture du festival "Chaud Dehors " à Aubagne avec une population "non actrice". C'était une création sur la mémoire d'une ville avec une grosse structure qui pouvait accueillir 5000 personnes. On a interrogé des gens dont les tranches d'âges allaient de celles des enfants aux personnes les plus âgées possible. L'interview était basée sur la façon dont ils ont appris à vivre personnellement, mais aussi dans le cadre de leur cité. On a repéré des sites et des lieux et à partir de cela on a détourné la ville et sa mémoire pour créer une mythologie qui faisait référence à son histoire. Il y avait 4 sites dans Aubagne et les 5000 personnes étaient divisées en 4 défilés accompagnés par des acteurs professionnels ou non qui les amenaient là où il y avait une proposition. Puis à la fin tout le monde se retrouvait. En fait du son naissait une image et nous on avait le rôle d'une nouvelle catégorie de chercheurs qu'on pourrait appeler les théâtrophones, les archéolophones, les psychophones, les historiophones...
Cette idée de mémoire nous a toujours hantés, a part pour le spectacle "Faunèmes" où l'on n'a pas travaillé dessus directement.
J'avais envie de revenir sur cette histoire du chercheur, de l'étranger et d'aller fouiller dans les matières urbaines pour voir quelles sont les mémoires qui pouvaient émerger. Dans l'improvisation qu'on vient de faire c'est des souvenirs rapprochés, dans le spectacle de ce soir on remonte jusque dans l'antiquité. Il y a une scène que je ne vais pas jouer parce qu'il n'y a pas le lieu qui s'y prête. C'est la scène de l'arbre, où l'on remonte à la philogénése, à ce moment où nous sommes sortis de l'eau pour devenir des reptiles. C'est pour cela que le spectacle est en morceaux car on peut les accoler comme on veut. Tout à l'heure j'avais vraiment envie d' improviser pour retrouver ce phénomène d'errance, cette idée de spectacle en devenir comme tout spectacle vivant.

Comment gérer vous les sons que vous utilisez ?

C'est Didier, qui a le rôle du photographe, qui déclenche les séquences par infrarouges avec son faux appareil photo. Tout est relié à un multipiste. Il peut les lancer quand il le souhaite en fonction des moments prévus. Ce qui est très bien car personne ne le voit. On veut encore développer ce rôle de photographe. Au 19 ème siècle quand les explorateurs partaient en voyage, ils étaient souvent accompagnés de dessinateurs qui les prenaient dans des poses très avantageuses. Il y a donc un peu cette idée du photographe qui immortalise les erreurs ou les réussites au fil du temps. Jouer seul dans la rue c'est vraiment dur, c'est sclérosant. Avoir un compagnon est nécessaire à plein de niveaux. Que ce soit pour entretenir le matériel ou truquer les espaces. C'est des détails mais la voiture est en place à l'avance, il y a des pièces de métal pour faire tenir les micros...

Tout les sons sont travaillés avant ?

C'est des bandes à part le tube à sons qui lui est un sampler. Tous les sons qu'on utilise ont été retravaillés dans notre studio. Beaucoup sont faits sur place. D'autres sont des pièces uniques de super bonne qualité que l'on a achetés dans une boite sur Paris. Tout le reste est à nous. Pour les voix qui sont assez nombreuses, ce sont des comédiens qui sont venus faire une séance de studio. On n'a que des sons originaux pour le spectacle. Il y a un travail très précis sur cette matière car pour nous elle remplace notre décor. C'est un peu comme un livre. L'imaginaire de chacun y a sa place à condition qu'on accepte de rentrer dedans.

L'Eléphant Vert au FAR de Morlaix 2004
Pour en savoir plus sur l'Elephant Vert