Les Reportages du Fourneau----

INTERVIEW : Artistes de haut vol [le P'tit Cirk]

Aurélien Marteaux — 2007-03-16T10:36:00Z

Après avoir présenté leur spectacle "Tok" dans la grande halle du Fourneau à l'occasion du festival Antipodes, les artistes de la compagnie le P'tit Cirk ont encadré un stage de formation au trapèze volant, fruit de la collaboration entre le Fourneau et l'atelier MO. Patrice Wojciechowski et Christophe Lelarge étant assignés à résidence au Fourneau pendant quelques jours, je n'ai pas résisté à l'idée de leur poser quelques questions sur leurs parcours de comédien-musicien-circassien. Rien que ça ! Et on ne change pas une question qui "questionne" à chaque fois...

Quel est votre métier ?

Patrice : Je dis toujours que je suis trapéziste en général. Mais en fait, j'ai arrêté le trapèze et les tournées pendant 3 ans. Pendant cette période, je ne savais plus trop quoi répondre parce que j'avais pris l'habitude de dire simplement trapéziste. Mais depuis l'année dernière, je suis redevenu voltigeur-musicien-clown.

Christophe : Moi ça va pas être compliqué parce que c'est un peu pareil. J'ai toujours dit trapéziste parce que c'est ma formation. Mais je fais aussi de la contrebasse et je suis comédien-clown.

Parlez nous un peu de votre formation.

Patrice : On a tous les deux fait le CNAC (Centre National des Arts du Cirque) à Châlon-en-Champagne. C'est une formation sur 4 ans. La première année, on apprend la base : acrobatie, danse classique, danse jazz, et on touche un peu à toutes les disciplines : art équestre, jonglage, trapèze volant, fil, etc... En deuxième année, on se spécialise, et moi j'ai choisi la voltige.

Christophe : Nos professeurs venaient pour la plupart de l'école Le Coq. Les différents intervenants nous faisaient travailler l'art clownesque, le masque, le mélodrame, l'improvisation. Cela représentait 10 heures de cours par semaine, plus la préparation en groupe de numéros que l'on présentait en public ou devant les autres élèves.

Le CNAC dès son ouverture s'est beaucoup dirigé vers l'art dramatique, l'acteur de piste, pour redonner un essor au cirque, pour que l'on acquiert pas seulement de la technique circassienne, mais aussi des qualités de comédien.

Justement, comment appréhendez-vous ce rapport entre la technique et la comédie ?

Patrice : Après le CNAC, on a tourné pendant 2 ans avec un spectacle de trapèze volant dans lequel il n'y avait pas d'écriture dramatique, de comédie, seulement de la prouesse et de la chorégraphie. Plus tard au sein des Arts Sauts, on a commencé à intégrer de plus en plus de comédie à l'intérieur des numéros de trapèze.

Enfin, avec la création du P'tit Cirk, il nous était difficile de dissocier le jeu clownesque des numéros techniques. Ce mélange nous tenait à coeur. Dans "Tok", le spectacle que nous avons présenté au Fourneau dans le cadre du festival Antipodes, on est pas dans de la performance pour la performance, nos personnages évoluent également pendant les moments plus techniques.

Des Arts sauts au P'tit Cirk, quelle est l'évolution personnelle ?

Christophe : Notre départ des Arts Sauts à moi et Danielle (Danielle Le Pierres, autre membre de la compagnie) a été motivé par l'envie de travailler sur une forme plus intime, au sein d'un plus petit groupe. Aux Arts Sauts, on était vingt-cinq. Ca a pris du temps pour se lancer et créer notre propre compagnie, plus d'un an.

Patrice : Moi j'ai fait dix ans aux Arts Sauts. J'ai fini par être fatigué physiquement par les longues tournées et même vidé artistiquement. J'ai décidé alors de faire un vrai break, d'arrêter le cirque. J'avais d'autres envies. Encore aujourd'hui, je suis une formation en médecine chinoise. Mais je ne me jamais trop éloigné de la piste. J'ai continué à faire de la régie technique, j'ai donné pas mal de formations de trapèze volant et j'ai continué la musique.

Et qu'est-ce qui t'a ramené sur la piste ?

Patrice : Ce sont les copains qui sont venus me chercher. Quand ils ont monté le premier spectacle du P'tit Cirk "Togenn", ils m'ont demandé de venir les assister sur l'écriture des numéros aériens. Après un an de tournée de ce spectacle, Christophe et Danielle m'ont rappelé pour participer à la deuxième création : "Tok".

J'ai hésité pendant à certain temps parce qu'après 3 ans passés en dehors de la piste, je ne savais plus très bien ce que je pouvais proposer. Je savais que je pouvais encore voltiger avec Christophe, que j'avais envie de faire de la musique, mais c'était un peu la page blanche au niveau des idées artistiques. Finalement, on s'est tous retrouvé pour la création avec chacun des idées de personnages, rejoints par le musicien Philippe Ollivier.

Comment s'est passé la rencontre avec Philippe Ollivier ?

Christophe : Philippe était ingénieur du son au Carré Magique (Scène Conventionnée Cirque de Lannion-Trégor) et on l'avait croisé en 1998 à l'occasion d'une création des Arts Sauts. Les deux musiciens avec lesquels on avait travaillé pour "Togenn" avaient d'autres projets lors de la création de "Tok" et donc on a contacté Philippe.

Il faut dire que la musique a un rôle essentiel dans le spectacle. En l'absence de paroles, c'est elle qui crée le dialogue avec le public et elle participe également au rythme du spectacle. Comment s'est faite cette création musicale avec Philippe ?

Christophe : C'est lui qui a amené les idées, à partir de demandes qu'on lui faisait. Il a su intégrer notre univers. Après, ce sont des échanges, des discussions entre nous, à propos de nos envies et de ses propositions.

En 2006, j'ai pu assisté à votre spectacle « Tok » en extérieur à Plouézoc'h, dans le cadre du Mai des Arts dans la Rue, il y a quelques jours c'était dans la grande halle du Fourneau à l'occasion du festival Antipodes, on aura également le plaisir de vous retrouver à l'occasion du FAR de Morlaix, cette fois sur la scène du Théâtre, et puis vous jouez régulièrement sous chapiteau, comment se passe la transposition du spectacle en fonction de ces différents lieux ? Qu'est-ce que cela change ?

Patrice : On essaie de garder toujours cette intimité qui nous est chère. Il y a dans "Tok" une proximité importante avec le public. En extérieur, le jeu de comédien est légèrement différent parce que l'énergie a tendance à se disperser. Mais on conserve dans la mesure du possible une configuration similaire, que l'on soit en extérieur ou sous chapiteau : des spectateurs tout près de la piste, en demi-cercle, un environnement sans trop de parasite visuel. Par exemple, on ne peut pas jouer devant un supermarché avec des enseignes qui clignotent, des lieux comme ça... Il faut protéger l'univers.

Et à Morlaix sur la scène du Théâtre ?

Patrice : Cette proposition du Fourneau est très intéressante pour nous parce que le lieu est magique. Quand on a fait le repérage sur place, on avait qu'une idée en tête : trouver les moyens de faire rentrer notre décor dans cet espace, pour pouvoir jouer là-bas. Parce que cela donne vraiment envie. La disposition sera plus frontal, le public sera plus loin de nous et il y a aura aussi des gens au balcon. Ce sont des choses dont on a pas l'habitude avec ce spectacle. Par contre, en ayant joué avec les Arts Sauts et le Cirque du Soleil, on a l'expérience du jeu devant un plus grand nombre de personnes, et surtout de projeter notre jeu assez loin.

Christophe : Après la création de "Tok", on s'est dit qu'on pouvait le jouer en rue, sous chapiteau, dans des lieux atypiques, des hangars, etc... Mais on n'imaginait pas le jouer dans des salles de théâtre classique. Il se trouve qu'on a de plus en plus de propositions dans ce sens. On verra après cette première expérience dans le Théâtre de Morlaix.

Propos recueillis dans la cuisine du Fourneau par Aurélien Marteaux, le 13 mars 2007.

Merci à Christophe et Patrice de m'avoir donné l'occasion de réaliser mes premiers balancements de trapèze.

« Tok » sera présenté au Théâtre du Pays de Morlaix, mercredi 8, jeudi 9 et vendredi 10 août, dans le cadre du FAR de Morlaix 2007.

Le site de la compagnie : www.leptitcirk.fr

Photos : lefourneau.com

INTERVIEW : Métal numérique [Eric Goubet, cie Transmemoria]

Aurélien Marteaux — 2006-08-08T09:29:00Z

A l'occasion de la programmation du spectacle Movida ex Machina au FAR de Morlaix, Eric Goubet, alias Riké, revient sur son parcours percutant. Les Tambours du Bronx, Metalovoice, et aujourd'hui Transmemoria, compagnie ayant vu le jour il y a quelques mois, Riké rebondit d'expériences en rencontres avec toujours la même volonté de porter un message sans pincette, mais avec des baguettes. Musique et percussions, texte, lumière, pyrotechnie, vidéo et jeu d'acteur, ancestrale ou hypermoderne, aucune pratique ne résiste à sa soif d'expression.

Installé sur les gradins de bois de la cour des Jacobins, où aura lieu dans quelques heures la première du spectacle, je reprends ma sempiternelle première question en guise d'amuse bouche...

Quel est ton métier Riké ?

Ca c'est une question intéressante... Militant. Un militant qui a choisi la forme artistique pour s'engager.

Beaucoup pensent que c'est le collectif, le regroupement de personnes qui permet de changer les choses. Je ne suis pas totalement d'accord avec cette idée. Pour moi, c'est l'individu à l'intérieur du collectif qui fait évoluer les choses, dans le bon comme dans le mauvais sens.

En plus du militantisme, il y a aussi la volonté de surprendre. Nous, artistes, faisons le plus beau métier du monde. On se doit en retour de travailler sans cesse à de nouveaux moyens de toucher les gens.

A travers ton parcours, des Tambours du Bronx à Transmemoria, en passant évidemment par Metalovoice, comment a évolué ton engagement ? Est-il plus fort aujourd'hui ?

Non, il est différent. Mon parcours est une suite d'expériences, chacune amène un engagement différent, par d'autres formes, d'autres pratiques. Le point commun reste la percussion car c'est à mon avis un moyen d'expression universel.

Cet engagement passe notamment par l'expression d'une parole, d'un texte...

J'ai toujours eu envie de porter le texte à un public diversifié, d'où le fait de jouer dans la rue. J'ai d'abord travaillé à partir de textes d'auteurs passés, comme Brecht notamment, car j'en avais assez de voir les mots de ces auteurs confinés dans les salles de théâtre, alors qu'il y a des gens qui ne vont pas au théâtre qui, selon moi, ont autant droit d'accéder à ces mots-là.
Puis avec Métalovoice, on a travaillé avec des auteurs contemporains comme Durif, Durringer,... On avait envie de montrer qu'il y a aussi aujourd'hui des gens qui ont des choses à dire, des paroles fortes. Les mots du passé sont intéressants que si l'on s'en sert dans le présent et pour le futur.

Pour cette nouvelle création, Movida ex Machina, tu as mis la main à la plume et signé le texte. Comment s'est fait ce choix ?

J'avais accumulé plusieurs textes écrits sous le coup de la révolte. Une révolte contre le mépris des gens de pouvoir et de cette France d'en bas qui acquiesce trop souvent. Il y a un passage du spectacle qui parle de cela. Depuis 5 ans, je pense que nous vivons une période de régression de notre société, alors qu'elle a sans cesse progressée au cours des siècles passés. J'avais envie de parler de ça. Quand le projet Transmemoria s'est dessiné, je me suis dit pourquoi pas utiliser mes textes.

Quelle est la transition entre Metalovoice et Transmemoria ?

A metalovoice, la majorité des membres sont fils de métalos. Moi, j'étais le seul à être du nord, des mines. Ensemble, on avait envie de dire aux grands industriels : "Vous nous laissez vos déchets, et bien nous nous allons les réutiliser et leur donner un nouveau sens." Avec Transmemoria et le spectacle Movida ex Machina, j'avais envie de rentrer dans la révolution multimédia.

Justement, que signifie pour toi ce terme multimédia ?

Pour moi, le multimédia c'est quand toutes les pratiques et techniques trouvent leur place et travaillent ensemble à raconter la même histoire. Mais ces techniques, ce sont surtout des individus qui les font vivre, comme Kévin Morizur et David Cronet à la vidéo, Yves Marie Corfa à la lumière, ou moi et Pierre Bourgourd pour la musique.

La vidéo a une place importante dans cette nouvelle création. Quelle a été la volonté dans l'utilisation de cet outil ?

Aujourd'hui, les images à la télévision ou ailleurs tendent à se rapprocher de plus en plus du réel, à être au plus près de la réalité. Nous au contraire, on a voulu créer de l'imaginaire à partir des images. On voulait pas se limiter à des images d'illustration, mais que celles-ci servent complètement cette fable cybertechnologique.

Propos recueuillis par Aurélien Marteaux au FAR de Morlaix, le 8 août 2006.

Des photos du spectacle dans le journal du FAR...
La résidence

INTERVIEW : Il était une fois un charpentier, une cuisinière et un clown... [Schaul Pifer et cie]

Aurélien Marteaux — 2006-05-18T08:21:00Z

Un charpentier, une cuisinière et un clown... Voilà un trio plutôt étonnant, surtout lorsqu'on le rencontre dans le cadre d'une résidence au Fourneau. Mais telles ont été les réponses faites à ma sempiternelle première question à propos du métier de mes interlocuteurs. Mais tous les chemins mènent au spectacle... C'est avant tout l'envie qui prime. Et question envies, mes trois hôtes d'un soir ne sont pas en reste.

Pour essayer de résumer dans l'ordre le projet de notre trio, l'idée de départ est d'aller à la pêche aux sons dans un village... une ville... et de les renvoyer aux habitants. Non... Le tout début, ça parle de pétrole... de notre époque... de l'ère du pétrole... qui amène à l'ère du bruit... des machines bruyantes... puis il y a le bruit des machines qui fabriquent les machines... et ainsi de suite... alors il y aurait un bébé... On écoute tous les bruits qu'il va devoir supporter toute sa vie... des bruits multiples, forts, stressants, des bruits parasites...

Disons que de l'expression bien connue « d'un autre regard », nos trois artistes veulent en arriver à une expression qui pourrait être « d'une autre oreille », ou comment porter une autre écoute aux sons qui nous entourent. Voilà, c'est ça !

Recentrons-nous... Il est environ 23h. Nous sortons d'un bon repas animé de discussions sur à peu près tout sauf le propos qui m'amène. En vrac : le Vatican, une salle de spectacle de la banlieue parisienne , le fiasco nommé Clémenceau (encore lui...) Bref, difficile d'enchaîner avec une interview plus formelle (quoi que...) après ça. Mais bon, on s'installe confortablement, on branche le minidisc et on lance la première question...

Quel est votre métier ?

Vince : Charpentier ! J'ai toujours rêvé d'être charpentier. J'ai été main d'oeuvre mais c'était pas terrible.

Aline : Moi au départ j'étais hôtesse de l'air. Maintenant je suis cuisinière pour des clowns, presque exclusivement, dans un lieu dans le Gers qui s'appelle le Bataclown.

Paul : Et moi j'ai décidé très petit que je voulais tout essayer. Quand on me pose la question, je réponds clown. Généralement chez les flics, ou ailleurs, on me demande si je suis bien sûr de mettre ça comme profession. En fait je suis pas clown, mais plutôt comique de rue. Mais c'est pas vraiment mon métier, c'est un amusement.

Vince : Moi j'aime bien l'appellation des ASSEDIC. Quand j'étais intermittent, ils marquaient « artiste dramatique ». C'est le terme officiel.

Paul : Pourquoi ils marquent pas « artiste comique » ? C'est dramatique d'être artiste ?

Vince : Tu as le droit d'être drôle dans ton drame...

Comment est né le projet Entre le marteau et l'enclume sur lequel vous travaillez en ce moment au Fourneau ?

Vince : Pour moi, c'est d'abord la rencontre avec Paul. Ca a commencé quand il m'a branché l'année dernière pendant Viva Cité à Sotteville. Paul jouait Silence on tourne ! (info : son précédent spectacle) et moi j'y étais avec la compagnie Us et Coutumes avec Si un jour tu meurs. On mangeait dans la même cantine et on a pris un peu de temps pour parler de son projet.

Paul : Sur une des plaquette des Ratetous (info : autre compagnie dans laquelle travaille Vince), ils posaient devant mon camion et dessus il y avait ma tronche. A partir de ce moment, on a commencé à se parler. On a été aussi programmés ensemble au Québec au festival Juste pour rire. Comme on se faisait chier comme des rats morts la moitié de la journée, on a passé pas mal de temps ensemble. Quand est arrivé l'idée de ce projet, j'ai pensé à Vince car j'avais besoin de quelqu'un qui sache manipuler des sons.

Quelles sont vos attentes, vos objectifs à chacun pendant cette résidence brestoise ?

Vince : On a fait une première résidence à domicile chez Paul et Aline. On parlait du projet sans se poser d'autres questions que ce qu'on avait envie de faire. Au Fourneau, on est en plein dans la recherche technique. On a mis au point un système de transmission de sons sans fil. En plus, on a la bonne pression d'avoir quelque chose qui tient la route pour le dimanche 27 à Plouézoc'h. Etre au Fourneau, c'est aussi la possibilité de tester des choses en public lors de sorties improvisées sur le port de commerce, même s'il y a pas beaucoup de monde en ce moment !

Aline : Pour moi, c'est assez nouveau tout ça. Je suis surprise de la lenteur de la recherche, du temps que ça prend, notamment au niveau technique.

Paul : Les avantages d'une résidence sont incalculables. On a beaucoup de matériel à disposition et c'est facile d'y accéder : ordinateurs, appareils photos, internet, ... Et ce projet demande un travail de recherche et de compilation de sons très long. Heureusement qu'on s'y est pris suffisamment à l'avance. Le spectacle doit normalement sortir en 2007.

Par l'intermédiaire du Fourneau, on prend également contact avec d'autres personnes qui nous donnent des tuyaux, comme la compagnie Décor Sonore par exemple. Nous fonctionnons avec peu de moyens, donc on bidouille pas mal, on se renseigne à droite à gauche. On est obligé car les subventions de la DMDTS ou de la DRAC, on peut toujours les attendre ! Ils se fichent éperdument d'une petite compagnie comme la notre. Heureusement qu'il y a des structures comme le Fourneau qui y croient, nous invitent et nous subventionnent.

Comment définiriez-vous votre rôle à chacun dans ce futur spectacle ?

Paul : On voulait que le son soit plus important que les personnes, qu'il soit l'acteur principal. Mais c'est difficile car notre imaginaire est complètement marqué par l'audiovisuel, ou plutôt le visio-auditif. L'image et la vision sont prépondérants dans notre société actuelle. Le son a été relégué au second rôle. Pas la musique, mais la parole. A la télévision, il y a de belles images mais on raconte n'importe quoi. Et encore, il y a pas toujours de belles images. Le discours lui est lénifiant et n'est là que pour servir l'image.

... et pour répondre à ta question, moi je suis le Porteur-de-son-à-tout-faire.

Vince : Tu es l'acteur principal Paul ! Tu peux le dire... (rire)

Moi je vais m'occuper de la machine à sons. Je serai le chef d'orchestre de tous ces sons. Pour l'instant je suis en civil, mais j'aimerais me trouver un rôle plus de comédie, de jeu de comédien.

Aline : Et moi je serai donneuse de sons. Je vais recueillir les réactions des gens en direct et les renvoyer à Vince qui les intégrera à la bande son. Donner à entendre aux gens ce qu'ils disent...

Comment réfléchissez-vous au rapport avec le public dans le cadre d'une création comme celle-ci ?

Paul : On est en train de chercher des moyens d'interaction possibles. On se demande si on va pas donner la parole aux personnages, pour pouvoir tchatcher avec les gens qu'on rencontre. Rien qu'avec nos deux sorties improvisées sur le port de Brest, on commence à voir quels sons marchent mieux que d'autres, suivant les réactions des gens. Mais on a rien de prémédité, pour l'instant on explore. De toute façon, ce spectacle n'a de sens que s'il y a de l'interaction.

Vince : Par exemple, on travaille sur l'idée d'une cuisine des sons. On présenterait ça comme quelque chose de culinaire, alors que c'est de l'auditif. Aline serait la cuisinière et moi je serai derrière au fourneau avec ma banque de sons. Là on prendrait une personne du public pour lui concocter une salade océane, avec des bruits de mer, de mouette, ou un plat de viande, avec des bruits d'animaux, etc...

Paul : Le public est un vrai partenaire de jeu dans le théâtre de rue. Il peut réagir à tout moment. Avec mon personnage de soldat que j'ai promené sur le port, j'ai été surpris que les gens ne réagissent pas plus que ça ; en plus avec un personnage comme celui-là, tout près de l'arsenal avec des militaires qui passent par là. Comme quoi, on peut pas prévoir les réactions des gens.

Vince : L'idée est de trouver des sons qui les touchent. On s'est rendu compte qu'il y a des sons qui sont communs à tout le monde, des sons qui nous touchent tous lorsqu'on les entend dans un endroit où on ne s'y attend pas. Le chant d'oiseaux par exemple, c'est universel. Ca fait plaisir à tout le monde de les entendre. Mais c'est pas forcément le but de faire plaisir à tout le monde, donc on va trouver des phrases plus cinglantes pour provoquer des réactions plus spontanées.

Paul : J'ai aussi envie que tous ensemble dans ce spectacle on mette un peu de nos convictions politiques et qu'on les partage avec le public. Les gens n'osent pas s'exprimer en dehors de leur cercle amical ou familial. Il y a beaucoup d'abstentionnisme en France, les gens sont dégoûtés. Je pense qu'on peut leur offrir la possibilité de donner leur avis, ou du moins les amener à se poser des questions là-dessus. C'est aussi ça le théâtre de rue ! Et je trouve qu'on a beaucoup perdu de ce côté engagé des arts de la rue. Aujourd'hui on fait plus du divertissement. Le théâtre de rue est né de la revendication, de la confrontation politique. J'aimerai renouer avec ça, ne pas faire que du divertissement.

Vince : Ca m'intéresse...

Paul : Je suis convaincu que le but du théâtre de rue est là. Il n'y a pas de raison que ce soit que le théâtre en salle, destiné à un public très ciblé, qui porte un discours politique. Ce qui est intéressant dans la rue, c'est qu'on peut porter un message à toutes les couches de la population, sans différences et sans savoir qui on a en face de nous.

Propos recueillis par Aurélien Marteaux le 18 mai 2006 dans la cuisine d'un appartement du port de commerce.

Merci à Aline pour ce bon repas, et à tous les trois pour leur chaleur en ce timide mois de mai brestois.

INTERVIEW : Quand Shakespeare fait tourner la tête des 26000 Couverts !

Aurélien Marteaux — 2006-05-13T08:10:00Z

Le journal de la résidence

En cette année 2006, la compagnie 26000 couverts effectue un étonnant virage et décide d'entrer par la grande porte dans les Théâtres labellisés. Longtemps privés de la légitime reconnaissance de leurs pairs et réduits à jouer sur les pavés, les comédiens de la compagnie accueillent avec bonheur ce nouveau confort de travail. Mais avec quel projet la compagnie a-t-elle choisi de brûler les planches des théâtres parisiens et autres scènes nationales ? Et bien avec un monstre sacré du théâtre : le grand William Shakespeare en personne !

Première étape de leur tournée des théâtres, la compagnie a présenté en avant-première son Beaucoup de bruit pour rien de Shakespeare au Théâtre du Pays de Morlaix. L'occasion pour moi de rencontrer Philippe Péhenn, instigateur de ce grand changement pour la compagnie dijonnaise. Seulement deux questions posées à cet homme pressé, à une heure de l'avant-première morlaisienne tant attendue.

William Shakespeare

Petit cours de rattrapage pour tout le monde... L'intrigue se déroule derrière les murs du Palais sécurisé du gouverneur Léonato, dans une sorte de kommandantur de province ruinée. Pendant que des vigiles futuristes déménagent des dossiers compromettants et que les demoiselles de la jet-set élisabéthaine côtoient membres de la nomenklatura et prêtres collabos, la chair à canon tue au front. A l'arrière, des tyrans à l'agonie s'amusent à arranger des mariages pour oublier leur mort imminente.

Pourquoi avoir choisi cette pièce de Shakespeare en particulier ?

Nous vivons dans un monde halluciné, jamais très loin des bombes et du combat. Judith Feyrner (dramaturge de la compagnie, ndlr) et moi-même avons travaillé sur un nouveau texte didascalique, parfois même en contradiction avec le texte d'origine.

Une constante dans nos conversations avec Judith était de dire ce que le texte ne dit pas, montrer le non-dit, sans oublier, bien sur, le Einfüldung brechtien... A travers le travail de recherche sur la danse-réflexe mené avec Liliane Boucon, nous avons pris conscience de la dimension noire des personnages... Judith dirait : la persona intérieure.

Comment avez-vous abordé le processus de création ?

J'ai voulu faire de cette légère comédie de Cour une tragédie intemporelle, perverse et troublante. J'ai pris le pari de détourner la pièce pour mieux me la réapproprier et redonner une puissante vibration, à la fois vivante et impalpable, aux grandes thématiques shakespeariennes.

Il y a toujours eu du détournement dans mes mises en scène. Comment ignorer la guerre continuelle autour de nous ? Partout, et depuis toujours. La barbarie qui nous entoure... Le théâtre doit en témoigner.

La pratique scénique est un travail alchimique. Il a fallu transformer le textuel en spectacle par une manipulation de signifiants hétérogènes. Et leurs relations multiples produisent un espace scénique qui absorbe Shakespeare et en même temps le densifie de manière contradictoire, pour produire des relations nouvelles. Par exemple, nous traitons la relation amoureuse à la lumière de la guerre des sexes, à la drôlerie du texte, nous avons substitué la cruauté, à l'esprit la fourberie, à l'amour la suspicion...

Propos reccueillis par Aurélien Marteaux, le 13 mai 2006 au Théâtre du Pays de Morlaix

INTERVIEW : Annibal contre les éléphants [Annibal et ses éléphants]

Aurélien Marteaux — 2006-05-07T07:58:00Z

Après une semaine de résidence à Loc-Eguinec à l'occasion du Mai des Arts dans la rue 2006, la famille et compagnie Annibal et ses éléphants présentait ce dimanche 7 mai à Guimaëc leur nouvelle création, Misérables !

Fidèle à la tradition du théâtre forain, la compagnie s'attaque avec humour et revendication au célèbre roman de Victor Hugo du même nom.

Sur les bancs de l'école de Guimaëc, Evelyne Fagnen, oeil extérieur et metteuse en scène, et Fredéric Fort, bâteleur, auteur, comédien, racontent leur combat artistique contre les éléphants de notre société et pour un théâtre populaire.

Action culturelle ? Engagement ? Education culturelle ? Des mots qui ne remplaceront jamais les actes.

Quel est votre métier Fred et Evelyne ?

Fred : Moi je dirais que je suis saltimbanque.

Evelyne : Artiste.

Quelle est la différence ?

Fred : Un saltimbanque c'est quelqu'un qui saute sur un banc devant des gens pour leur raconter des histoires...

Evelyne : ... Et un artiste, c'est quelqu'un qui perçoit le monde pas tout à fait comme tout le monde.

Votre nouvelle création Misérables ! est une adaptation du célèbre roman de Victor Hugo. Un roman de 2000 pages résumé en 60 minutes de spectacle, est-ce bien raisonnable ?

Fred : Oui ! Le spectacle ne fait que 60 minutes pour des raisons de format adapté à la rue. Au bout d'une heure assis sur des petits gradins ou sur un bout de moquette on a mal au cul. Si on veut que les gens repartent content, c'est raisonnable de les lâcher au bout de 60 minutes.

Evelyne : Le théâtre d'Annibal peut se jouer n'importe où. Les seules choses qui peuvent les déloger sont la neige, la pluie, un ouragan...

Fred : ...Ou la police !

Evelyne : Jouer dans la rue comme le fait Annibal est un défi à chaque représentation. Monter Les Misérables en théâtre de rue en est un autre. L'idée de cette adaptation est née dans la tête de Fred, et quand j'ai relu le roman à l'occasion de ce projet, je me suis rendu compte à quel point ce livre est contemporain. On est au XXIe siècle mais n'oublions pas le XIXe pour ne pas retourner dans les mêmes ténèbres, même si on y est déjà dans beaucoup de domaines. Soyons ambitieux dans notre pensée.

Dans cette ambition, pourquoi se revendiquer du théâtre forain ? Qu'est-ce qu'apporte cette forme de théâtre ?

Fred : Ca fait plus de vingt ans que nous jouons dans la rue. On ne sait pas faire autre chose que raconter des histoires. Et pour raconter, rien de tel que le théâtre forain.

Nous avons envie de jouer pour un public populaire, de village, de petites cités et de quartier. Il y a beaucoup de gens qui ne voient du théâtre qu'à l'occasion de festivals de rue et qui n'iront jamais dans les salles alors qu'ils apprécient le théâtre. Nous, on a envie de proposer quelque chose à ces gens-là.

Avec le spectacle La bête, qui se présente également sous la forme du théâtre forain, il se passe quelque chose de vicéral, de primitif, un rapport presque archaïque entre le public et nous. En montant les Misérables, on retombe forcément dans ce rapport là. On a envie de voir comment les gens entendent et écoutent ce qu'on leur dit, être au plus près d'eux pour sentir leur réaction, leur permettre de participer et avoir un retour direct sur ce qu'on leur montre.

Evelyne : Le théâtre forain est également une transposition de la fragilité du théâtre en ce moment. On est jamais à l'abri d'une panne de courant, si je puis dire. Et ces derniers temps, le théâtre de rue subit de nombreuses pannes. Cette forme de théâtre permet de partager avec le public notre fragilité d'artiste.

C'est important de partager cette fragilité avec le public ?

Fred : Oui. Dans le spectacle, on ne parle pas que de nous. On parle du monde. Des petits poissons qui continuent à se laisser bouffer par les gros requins qui s'engraissent chaque jour. A un moment donné, on n'a besoin de redire ces choses là aux gens, se reposer des questions sur comment tourne le monde ? Qui le dirige ? Comment ? Et qu'est-ce qu'on peut y faire ?

On est en train de revivre la même situation que dans le roman d'Hugo. On constate que cela ne s'est pas beaucoup amélioré ces dernières décennies. Il y a eu des éclaircies bien sûr, des changements, mais qui ont été gagnés après de fortes luttes et qui restent encore menacés.

Actuellement par exemple, je pense que la démocratie est en danger, car on pousse les gens dans la précarité, dans des situations où ils n'ont plus les moyens de s'exprimer, de se défendre. Quand on lit l'histoire de Cosette, on n'est pas loin des enfants indonésiens payés une misère par le PDG de Nike pour fabriquer des chaussures jour et nuit. C'est comme le travail de nuit à 15 ans ou la baisse de l'âge de l'apprentissage... Si on prend l'exemple de Gavroche qui se prend une balle dans le ventre, on peut y voir un symbole fort de la répression policière que l'on observe chaque fois que les gens descendent dans la rue en France ou ailleurs. On est dans une société où la classe politique n'a pas envie d'ouvrir les yeux sur la misère.

Evelyne : En plus de cet engagement politique, il y a aussi le fait de montrer aux gens qu'avec un camion, un rideau et des tréteaux on peut dire beaucoup de choses. On offre du possible, des petites ouvertures lumineuses pleines de gravité mais aussi de beaucoup d'humour.

Comment se passe le travail de création au sein de la compagnie ?

Evelyne : Les artistes d'Annibal sont polyvalents. Ils sont auteurs, acteurs et metteurs en scène tout à la fois. Moi je suis là en tant que regard extérieur. C'est tous ensemble que l'on construit la mise en scène. Il faut qu'il y ait accord entre chacun. Personne n'essaie d'emmener les autres là où il veut. Il n'y a pas de prépondérance dans les rôles de chacun. Beaucoup de choses se décident après discussion et tout le monde a son mot à dire.

Fred : Quand Evelyne est arrivée, rien n'était écrit. On lui a expliqué le projet, les thèmes qu'on voulait aborder. Puis tout le monde a amené ses idées. On a essayé, gardé ou jeté des choses.

Evelyne : Il est important pour moi de travailler avec des artistes sans jamais trahir leurs propos, l'histoire qu'ils veulent raconter, ni ce qu'ils sont, surtout avec des acteurs qui ont de la bouteille comme Thierry Lorent et Fred.

Quel est votre sentiment au sortir de votre résidence en Pays de Morlaix ?

Fred : Il est nécessaire d'avoir des soutiens, des lieux comme le Fourneau qui nous accueillent et avec lesquels on échange des idées. Pendant la semaine de résidence, on a monté une nouvelle scène et on l'a testée avec le public. Ce type de résidence permet d'essayer de nouvelles choses. C'est un risque partagé avec les spectateurs. De plus, pour nous parisiens, passer une semaine dans un gîte de la vallée de Loc-Eguiner c'est agréable !

Evelyne : Il y a un vrai rapport de proximité avec le public des communes. On vit dans le village, on prend l'apéro avec eux. Cela crée un rapport de sympathie au-delà du rapport artiste-public, même si une heure de rigolade aide au rapprochement et à la discussion. Il n'y a pas cette impression de l'artiste inaccessible. Les gens viennent nous parler tout de suite après le spectacle et leurs remarques sont très précieuses pour nous. Ce sont des rapports que l'on a pas dans les salles parisiennes du fait de la lourdeur institutionnelle de ces structures. Ici, c'est la convivialité qui prime.

Fred : En Pays de Morlaix, nous avons fait une expérimentation publique, une répétition publique et une sortie de fabrique. On est vraiment dans ce qu'on appelle l'action culturelle, c'est à dire mettre en acte une culture pour une population locale, dans des lieux où il n'y a pas forcément de salle de spectacle. Et quand en plus on dit à ces gens qu'ils vont participer à la création du spectacle par leurs réactions et leurs retours, c'est prodigieux.

Propos recueillis par Aurélien Marteaux le 7 mai 2006 à Guimaëc, à l'occasion du Mai des Arts dans la rue.

INTERVIEW : Double Vapeur [Générik Vapeur]

Aurélien Marteaux — 2005-08-03T07:39:00Z

Dans le cadre de la 19e édition du FAR, la compagnie marseillaise Générik Vapeur est en résidence du 29 juillet au 3 août 2005 dans la rue de Brest à Morlaix. Elle y jouera Théâtre d'1 rue, sa dernière création.

Le travail a en réalité commencé le 10 avril lorsque des membres de la compagnie sont venus rencontrer les habitants et les commerçants de la rue. Ils y ont réalisé une "radiographie sonore" : récolte de témoignages et d'anecdotes sur la rue et son histoire.
La suite du travail s'appuie sur une rumeur (un fait divers, une catastrophe naturelle,...) spécifique à la rue. Pour la rue de Brest, la rumeur choisie, l'événement qui revenait le plus souvent dans les discussions avec les habitants, est liée à l'élément liquide : inondations, rivières souterraines, ... L'aboutissement de la démarche artistique prend vie dans une impressionnante déambulation théâtrale ponctuée de textes sur la rue et d'images spectaculaires comme sait si bien le faire Générik Vapeur. Voilà pour le contexte.
Pour interroger Pierre Berthelot et Caty Avram, les deux directeurs artistiques de la compagnie, j'ai décidé de faire une interview croisée, interrogeant chacun individuellement sur les mêmes questions.
Comme tout bon duo, Pierre et Caty se distinguent sur certains points pour mieux se retrouver sur d'autres. Si différence il y a entre ces deux personnalités du théâtre de rue, celle-ci est sensible, perceptible dans leurs attitudes respectives. Tandis que Caty est enjouée, rit, ne tient pas en place sur le fauteuil et alterne rapidement d'un sujet à l'autre, Pierre parle d'une voix posée, assurée, prend le temps de la réflexion et ne laisse transparaître aucun sentiment quant aux questions que je lui pose.
Différence de style et différence de fond ?
Lisez vous-même...

Comment définirais-tu la démarche artistique de Générik Vapeur ?
Caty : Il y a plusieurs ingrédients incontournables dans Générik, il y a le travail dans l'espace public et le sens que l'on donne à ce travail.
Pierre : Générik Vapeur s'appelle aussi "Trafic d'acteurs et d'engins". Ce n'est pas un travail théâtral à proprement dit, c'est un nomadisme du désir. C'est à dire que l'on revisite la ville en se baladant à l'intérieur et en lui racontant des histoires.

Vous assimilez souvent la pratique du théâtre de rue à un combat, qu'est-ce que cela signifie ?
Pierre : Faire du théâtre de rue est un combat parce que le contexte politique nous pousse à ne pas nous endormir. Après il y a les histoires de budget, d'autorisations, être crédible dans ce que l'on veut dire.
A Morlaix, on nous a donné les clefs de la ville, cela veut dire que l'on peut faire beaucoup de choses, comme répéter dans la rue.
J'ai quitté l'intérieur des théâtres pour voir quel "climat" il faisait dehors... aussi bien météorologique, que social. Le théâtre, c'est aussi une manière de s'exprimer avec tout un organigramme de pratiques artistiques : textes, images, sons, musiques, multimédia, mime, humour, tragédie, costumes, ...
De tout temps, le théâtre a su s'approprier toutes les disciplines.

Caty : Le contexte sécuritaire actuel fait que les maires ont plutôt tendance à dire que le lieu du théâtre de rue se situe dans telle rue, telle place. Nous ce qu'on veut c'est choisir le lieu où l'on joue. Pour Théâtre d'1 rue, il faut que la rue soit centrale pour que cela intéresse beaucoup de gens, qu'elle soit assez vivante pour que l'on puisse y inscrire notre écriture théâtrale. Il faut qu'émotionnellement on ressente quelque chose.
Il n'y a pas de combat au sens où l'on n'est pas là pour s'imposer aux gens. On veut écrire quelque chose qui les concerne. Dans Théâtre d'1 rue, la rue est symbolique. C'est une rue précise, ici la rue de Brest à Morlaix, mais c'est aussi l'ensemble des images que l'inconscient collectif attribue à la rue de manière générale, sur le thème : "vivre dans une rue".

Le procès des habitants à la rue

Quel est le cheminement depuis votre pratique du théâtre de rue à Théâtre d'une rue ?
Caty : En 20 ans, nous avons créé beaucoup de spectacles différents, soit en fixe sur une place, soit de grandes déambulations. Avec Théâtre d'1 rue, on avait envie de prendre la rue dans son entier. Ca nous intéressait d'approcher les gens dans leur rapport à l'habitat. Comment des gens peuvent habiter la même rue pendant des années et avoir si peu de relation entre eux ?
En partant d'une rumeur ou d'un fait divers qui survient à un moment donné dans la rue, on raconte une histoire dans laquelle les gens s'entraident.
A Morlaix, c'est la première fois que l'on fait ce travail d'écriture de quatre jours spécifique à la rue où l'on va jouer. Quand on est venu en avril dernier, j'ai personnellement accompagné plusieurs fois le facteur dans sa tournée. Ce n'est pas une étude ou une thèse sociologique, c'est l'humain qui rencontre l'humain. L'aboutissement de tout ça, c'est le spectacle.
Dans ce spectacle, il y a différents niveaux de jeu : un jeu sensible avec les gens et une grande mise en scène théâtrale. On travaille souvent sur ce double niveau. Dans Taxi par exemple, il y a le rapport de proximité avec les clients assis sur la banquette arrière et de grandes images collectives visibles par tous. On passe de l'intime à quelque chose qu'on espère universel.

Pierre : On voulait s'arrêter, se poser dans une rue, prendre le temps de la revisiter d'une manière sensible, de ne plus se servir de la rue uniquement comme d'un décor mais de la "radiographier" en même temps que d'y réaliser nos frasques artistiques. On habite littéralement la rue, et on la "déshabite".
Mais je ne veux pas qu'il y ait de confusion. Notre objectif n'est pas de décortiquer la rue de Brest pour en faire un cas d'étude. Ce qui nous intéresse avant tout c'est de se servir de cette rue comme d'un théâtre, mais pas de faire radiographie sociale.
Ce que nous retirons de ce travail au contact des habitants participe au spectacle, mais ce n'est le thème central. Il y a aussi des thèmes que nous avons envie de traiter en même temps, comme la "judiciarisation" de notre société et les procès à outrance, la circulation d'une rumeur, les peurs collectives... tout ce qu'on trouve dans la société et que l'on retrouve à une autre échelle dans la rue.
Nous avons pris comme point de départ une rumeur pour mettre en scène un changement de comportement, pour que nos personnages sortent de chez eux et vivent quelque chose ensemble.

Scène finale de Théâtre d'1 rue

Que serait Générik Vapeur sans Pierre ?
Caty : C'est facile pour moi de répondre à cette question car je ne pourrai pas faire Générik Vapeur sans Pierre.
Nous sommes complémentaires. Les ingrédients qui lui paraissent essentiels dans le théâtre de rue cohabitent avec les miens. Lui est toujours dans l'excès, dans la surenchère perpétuelle. Il a des exigences qui vont toujours plus loin. Moi je vais travailler plutôt sur les détails, les personnages, le sens, l'écriture...
Lui, il aborde le sens par l'image.
Dans Générik, il y a une synergie entre les individus, comme un bouillonnement dans lequel chacun amène son petit truc, sa compétence, sa sensibilité.

Que serait Générik Vapeur sans Caty ?
Pierre : Générik Vapeur sans Caty, ce serait une énergie en moins. Dans "Générik Vapeur", il y a la vapeur qui est une énergie et il y a le générik, c'est à dire toute la liste des gens qui fabriquent la compagnie, qui font que Générik Vapeur est ce qu'il est.
En 20 ans, Générik Vapeur n'a jamais eu le même générik. Notre tandem à Caty et moi garantit un certain état d'esprit, c'est un "label", une manière d'être. C'est un tandem de chamaillerie et de tendresse.
Nous sommes complémentaires : Caty chante, moi pas. Caty fabrique des costumes, moi pas. Et nous avons chacun notre propre manière d'écrire.

Qui serait Caty sans Générik Vapeur ?
Caty : C'est horrible parce que je n'arrive pas à me l'imaginer. Je ne pense jamais sans Générik. On me le reproche d'ailleurs souvent.
Au départ, je voulais faire de la sociologie. Pas au CNRS dans un labo mais plutôt sur le terrain à observer comment les hommes vivent ensemble, partagent des choses, se rassemblent. Je détestais le monde du spectacle, je n'allais pas au théâtre. Maintenant j'y suis venue et je m'intéresse à toutes sortes de théâtre. C'est en rencontrant des personnes qui écrivaient leur propres histoires, leurs propres concepts que je me suis intéressée au théâtre.
Si je n'avais pas fait cette rencontre, à l'heure actuelle je serais peut-être anthropologue... ou chanteuse... Quand j'étais môme, le grand drame pour mes parents c'est que je n'aimais que Gainsbourg, les Who's et les Stones.
Je me dis aussi que j'aurais pu faire totalement autre chose, apicultrice par exemple... Quelque chose qui a du piquant.

Qui serait Pierre sans Générik Vapeur ?
Pierre : Avant Générik, je faisais déjà partie d'autres compagnonnages artistiques. Donc j'aurais certainement inventer une autre "famille".
J'ai décidé à un moment donné de créer cette compagnie parce qu'au sein des autres groupes il y avait des choses dans lesquelles je ne me retrouvais pas.
Je fais partie de ces gens qui militent pour le théâtre de rue, pour une forme d'écriture particulière, pour une certaine synergie entre les gens. Cet engagement, je l'aurais peut-être mis à une autre sauce, avec d'autres gens, mais en gardant ce côté rock 'n roll, bordélique, insensé et plein de sens.

Propos recueillis par Aurélien Marteaux, le 2 août 2005 au FAR de Morlaix.

INTERVIEW : De l'art de jongler dans la rue [D'Irque]

Aurélien Marteaux — 2005-07-27T14:48:00Z

A l'occasion de sa tournée finistérienne, le jongleur D'Irque s'est prêté au jeu des question-réponses dans la cuisine de l'école du Poan Ben, QG de l'équipe d'organisation du FAR. Après Morgat, Carhaix, St Brieuc et Brest, l'artiste flamand jouera ce mercredi 27 juillet à Morlaix.

Quel est ton métier d'Irque ?
Jongleur... Je ne me vois pas comme un artiste qui conceptualise quelque chose ou qui transmet un message au public, mais plutôt comme quelqu'un qui veut s'amuser et comprendre le public, ce qu'il aime et ce qu'il n'aime pas. Mon spectacle est beaucoup basé sur la relation avec le public.

Peux-tu me parler de ton parcours, des écoles de cirque de Montréal et Bruxelles à la création de ton spectacle ?

J'ai appris le jonglage il y a 13 ans. Quand en une heure j'ai réussi à jongler avec trois balles ça a été le déclic. Ensuite, je me suis installé pendant 4 mois dans une petite pièce et j'ai commencé à travailler sans relâche 8 heures par jour. Sorti de là, j'avais un spectacle de jonglage de rue assez classique avec lequel j'ai tourné pendant un an.
A cette époque, les jongleurs travaillaient souvent pour les grandes familles de cirque... Tout cela a beaucoup évolué et moi j'ai débuté dans la rue. Puis j'ai compris qu'il me manquait quelque chose, qui n'était pas technique mais "spirit", c'est à dire un état d'esprit, une touche personnelle dans le spectacle, d'où l'importance du rapport avec le public.

Pourquoi en tant que jongleur se risquer à jouer dans la rue, dans des conditions qui ne sont pas forcément favorables ? Avec le vent, la pluie...
Quand tu travailles en salle, la vie est plus facile, mais moi ça m'ennuie. Dans la rue, chaque jour est différent. C'est vrai qu'il peut pleuvoir, y avoir du bruit, quelqu'un qui est saoul, un chien qui passe sur scène, ... mais toute cette vie me donne l'envie de continuer.

En tant que belge, quelle image as-tu ou ont les belges des arts de la rue en France ?
Je joue 70 % du temps en France. Ici, le moindre petit village qui a un peu de sous pour organiser une fête accueille facilement des spectacles de rue.
En Belgique, les villages qui ont des moyens préfèrent accueillir une vedette de la télévision, parce que c'est populaire. Il y a peu de festivals qui programment des spectacles de rue. C'est une autre culture à ce niveau là, comme en Hollande ou en Allemagne d'ailleurs. Il n'y a qu'en France qu'il y a un tel respect pour les arts de la rue. D'ailleurs il y a "arts" dans la dénomination, ça veut dire beaucoup. Dans mon pays, on appelle cela de l'animation.

Pour finir, qu'est-ce qu'on peut te souhaiter pour tes représentations ici à Morlaix ?
Pas de pluie !
Je suis allé voir où je jouais, c'est une très jolie place (ndlr : place des Jacobins) avec une église alors je suis déjà content. C'est pas pour faire bien mais de toute façon quand on joue en Bretagne le public est toujours super.

Retrouvez D'Irque accompagné au piano par Fien dans son nouveau spectacle Oh suivant ! , le 9 août à Pornichet et le 10 août à Dinan.

Propos recueillis par Aurélien Marteaux, le 27 juillet 2005 à Morlaix.

INTERVIEW : La vie en couleur... [Philippe Riou, Les Passagers]

Aurélien Marteaux — 2005-07-24T14:24:00Z

A la Garenne, Philippe Riou est un homme occupé, contrarié même. Difficile de le faire asseoir 15 minutes le temps de l'interview. Il faut dire que la pluie bretonne lui donne bien du souci. Elle a même réussi à le faire battre en retraite et annuler la représentation de Récif (acte II), initialement prévu samedi à 20h58. Mais l'homme ne plaisante pas avec la sécurité de ses comédiens, danseurs et accrobates. Accrochés en rappel à plus de 15 mètres du sol, les artistes de la compagnie Les Passagers ont présenté vendredi le premier acte de leur spectacle monumental adapté du mythe d'Orphée et Eurydice.
A quelques heures de la représentation du troisième acte ici à la Garenne, Philippe Riou nous raconte un peu de lui, de son travail... Même en déplacement à Carhaix, je ne déroge pas à ma traditionnelle première question...

... Quel est ton métier Philippe ?
C'est une bonne question... On va dire que je suis saltimbanque, comme les autres membres de la compagnie. Ca veut dire que les gens ont des formations diverses : danse, art plastique, musique, comédie. Moi à l'origine, je suis plutôt un sportif et un danseur. J'ai également fait du théâtre. On se retrouve tous autour de la même volonté de jouer dans la rue gratuitement. De fait, c'est aussi un métier de bateleur.
Au début de la compagnie, chacun défendait son corps de métier. Les danseurs ne comprenaient pas pourquoi ils devaient danser dans la peinture et inversement les peintres ne voulaient pas que les danseurs salissent leur oeuvre. Maintenant, le projet global est accepté par tous.

Hier, la pluie vous a forcé à annuler la représentation. Dans quel état d'esprit es-tu au moment de prendre cette décision ?
L'avantage d'hier c'est qu'il pleuvait tellement qu'on ne pouvait pas s'imaginer jouer. On ne peut pas mettre les gens en danger pour un spectacle. Mais cette décision se prend fatalement à contre coeur... S'il se met à pleuvoir pendant le spectacle, on peut continuer. Mais commencer sous la pluie, c'est comme être dans son bain et vouloir s'habiller... ça ne marche pas.

Mais jouer en extérieur c'est aussi accepter ces règles du jeu...
Je ne dirais pas que c'est une acceptation parce qu'il y a toujours un côté injuste, surtout lorsque les autres artistes peuvent jouer sous la pluie. C'est moins difficile à accepter parce que ce spectacle n'est pas récent, il n'y a donc pas cette frustration du spectacle tout neuf pour lequel tu as bossé des mois et que tu veux absolument jouer. Cela dit, ça reste quand même dur parce que tu as envie de faire plaisir aux gens. Dans tous les cas, même s'il pleut ce soir on jouera ce qu'on pourra.

Quelle est l'idée de départ de Récif ?
Il y a d'abord la verticalité. C'est un principe récurrent dans nos spectacles. Cela date de mon premier spectacle : un "truc" complètement punk à partir de textes tirés de Faust. J'avais monté des tours dans un champs et installé deux cent télévisions qu'on brisait à coup de hache. C'est pour moi un très bon souvenir, mais pas pour les gens qui m'avaient invité...
En tant qu'alpiniste, la verticalité a été pour moi une évidence de travail. Et j'ai vite compris que dans la rue si tu veux parler à plus de cent personnes, il y a un problème de visibilité. Il faut donc te surélever.
L'origine de Récif date de mon séjour en Bosnie, pendant la guerre. Quand je suis rentré en France, je ne voulais plus faire de spectacles. Je ne voyais plus l'intérêt d'en faire, je trouvais que le monde n'avait plus de sens.

Finalement, j'ai quand même créé un spectacle qui n'en était pas un : Le cirque du rien. Ce spectacle mettait en scène des comédiens et danseurs dans des container-poubelles. Ces derniers ne faisaient absolument rien. Au début du spectacle, on annonçait au public qu'il n'allait rien se passer et qu'il pouvait partir. Evidemment ce spectacle ne s'est pas vendu, puisqu'il ne s'y passait rien. Mais c'était une commande du Conseil général du 92, qui ne savait évidemment pas ce qu'il avait acheté. Donc on l'a joué dans une cité de Nanterre. La réaction des jeunes de là-bas a été incroyable. Ils me disaient : "Monsieur, votre spectacle c'est génial, c'est comme dans notre vie : on s'emmerde !". Y a même des gens qui nous laissaient leurs gosses en garderie. C'est là que j'ai retrouvé un intérêt à ce que je faisais. Alors j'ai repris le travail sur fresque géante que j'avais un peu expérimenté avec un ami. Ce sont les couleurs qui m'ont ramené à la vie.

En tant que metteur en scène, comment travailles-tu ?
Je travaille pas tellement sur une histoire racontée, mais plus sur l'image qui est représentée et surtout sur le sens que chacun peut donner à cette image. En fonction du lieu où l'on joue, les spectateurs ne se racontent pas la même histoire. Quand on a joué au pays basque, les gens étaient sûrs que le spectacle était une critique de l'Etat.

Que représente la toile finale de la Garenne ?
Eurydice et la mort... Plus largement, elle symbolise la relation entre la vie et la mort. Elle est simple et figurative, car on s'est aperçu que quand on faisait des toiles très abstraites, les gens ne comprenaient pas et se sentaient de ce fait exclus. Je n'aime pas que les gens se sentent idiots parce qu'ils ne sont pas éduqués à ce type de travail. C'est pour cela qu'il y a toujours un personnage ou un visage reconnaissable dans nos toiles. On laisse quand même des parties abstraites pour laisser place à l'imaginaire des spectateurs.

Finalement, Les Passagers ont pu jouer pour la troisième et dernière fois sous les regards émerveillés d'un grand nombre de festivaliers de la Garenne.

Entretien réalisé à la Garenne des Vieilles Charrues, le 24 juillet 2005

Le journal de la Garenne

INTERVIEW : Rêves itinérants... [Cie Babylone]

Aurélien Marteaux — 2005-05-19T13:46:00Z

En résidence itinérante de Guerlesquin à Plouigneau (photos par ici...) dans le cadre du Mai des Arts dans la Rue, la compagnie Babylone travaille sur sa nouvelle création Le cabaret fréquent.

Pour interviewer la compagnie, il a fallu d'abord réduire le collectif (13 personnes en résidence) à trois porte-paroles. Les volontaires seront finalement Patrice, Anna et Séb.

Ensuite, il nous fallait trouver un lieu à l'abri de la pluie. A défaut d'une cuisine comme le veut la coutume dans cette rubrique, l'entrevue s'est tenue dans le camping-car d'Anna. Le décor idéal pour rêver d'itinérance...

Quel est le projet de la compagnie Babylone à l'origine ?

Patrice : Le projet a démarré avec des jeunes d'un centre de loisirs, dans le cadre d'un atelier. Un noyau dur, désireux de s'investir à fond dans la pratique du théâtre, s'est formé. Au bout d'un moment, c'est devenu compliqué de continuer dans le cadre du centre. On a donc créé une association qui s'est appelée Entre chiens et loups, puis une autre, Pazzo Pazzo, qui a abouti à la création du spectacle Les anges aux ailes cassées.

Plus tard, j'ai repris les rênes avec Sophie, avec qui je travaille depuis longtemps, pour fonder la compagnie Babylone. C'est à ce moment là que le groupe est devenu professionnel.

Comment définiriez-vous Babylone aujourd'hui ?

Anna : Comme une aventure humaine faite de personnes désireuses de raconter des histoires et de vivre des choses ensemble... Qu'est-ce que tu dirais Séb ?

Sébastien : Rien... Je regarde le camping-car d'Anna, il est vachement bien !

Plus sérieusement, je dirais que Babylone s'est construit autour du jeu de comédien, de l'incarnation de personnages. Moi je suis arrivé à l'époque de Pazzo Pazzo en tant que technicien, mais très vite j'ai voulu monter sur scène, et je ne suis jamais redescendu...

Pourquoi ce nom Babylone ?

Patrice : C'est très anecdotique. Ca vient de Jeff, le copain de Sophie. Il a trouvé ce nom au moment où on discutait des fondements de cette nouvelle compagnie. C'est sorti comme ça. Il n'y a aucun sens caché.

Anna : Si... Jeff nous a dit un jour : « Chez vous, c'est vraiment Babylone ! ».

Et qu'est-ce que ça veut dire ?

Anna : Ca veut dire que c'est la démocratie, mais que c'est vraiment le bordel ! J'espère seulement que la compagnie finira pas comme notre société.

Patrice : Il y a aussi la ville historique, la grande Babylone. Cette ville chaotique était totalement expérimentale dans l'histoire des civilisations.

Finalement ça a du sens...

Anna : Oui, c'est pour ça que ça nous a plu. D'ailleurs on a organisé pendant plusieurs années un rendez-vous qui s'appelait Les Folies suspendues de Babylone, qui rappelle les jardins suspendus de Babylone.

Vous êtes actuellement en résidence itinérante en Pays de Morlaix. En un mot, que signifie pour vous l'itinérance ?

Anna : Trimballer son théâtre...

Patrice : voyager...

Sébastien : être autonome.

Quand on se penche sur l'histoire de la compagnie, on remarque que votre installation à Mitry-Mory, où vous avez votre lieu de fabrique, a été une étape essentielle pour la compagnie. Comment s'articule cette relation entre un territoire et l'itinérance ?

Patrice : Le Nid à Mitry est avant tout notre lieu de fabrication, pas un lieu d'exploitation. C'est important d'avoir un lieu pour créer, stocker et vivre... Il ne suffit pas de rêver l'itinérance, ça se prépare. On est vraiment content d'être à Mitry-Mory car c'est une commune qui nous accueille à bras ouverts.

Anna : C'est extrêmement compliqué pour une troupe d'être complètement itinérante. Sans port d'attache, il est difficile d'obtenir des aides financières car il faut être attitré à une mairie, un territoire. Cela ne nous empêche pas de partir sur les routes quand on le souhaite.

Sébastien : Certains d'entre nous vivent à Mitry dans des véhicules sur roues. Même là-bas, l'itinérance est sous-jacente.

Anna : Dans itinérance, il y a “itinéraire”. Pour notre prochaine tournée, on voudrait tracer un parcours et faire des étapes tout du long. Quand on fait des tournées en étoile, on passe plus de temps sur la route qu'à rencontrer le public, les autres artistes, les gens qui nous accueillent. On est frustré d'un manque de rencontres humaines.

Est-ce différent dans le cadre d'une résidence comme celle-ci ?

Anna : Complètement. Quant tu t'installes sur la place publique en dehors d'un festival, les gens sont beaucoup plus disponibles. On a des rapports privilégiés avec eux. On peut prendre le temps de leur expliquer qui on est, ce qu'on fait.

Dans le cadre de cette résidence, vous travaillez sur votre nouvelle création Le cabaret fréquent. Quelle place occupe ce spectacle dans l'évolution artistique de la compagnie ?

Sébastien : Je crois que c'est la fin d'un cycle après Les Vieux démons, un spectacle qu'on a du mal à tourner parce que les festivals préfèrent acheter des spectacles plus petits et les accumuler pour remplir le temps. Pour cette nouvelle création, on s'est donc dit qu'on allait faire une petite forme. Et à Babylone, une petite forme ça donne ça !

Anna : Le principal changement par rapport aux autres spectacles, c'est l'occupation de l'espace. Dans les Vieux Démons, le public est installé tout autour de l'arène dans laquelle se déroule l'action. Dans le Cabaret, le public est placé au centre du cercle délimité par les caravanes et nous nous jouons autour et à l'intérieur.

On donne surtout davantage la parole au public. C'est quelque chose qui a pris forme pendant les grèves de 2003. On organisait à ce moment là des forums citoyens à la place de nos spectacles et on s'est rendu compte à quel point les gens avaient des choses à dire.

Patrice : Ce spectacle est construit de manière à être exponentiel. On peut réinventer les histoires en fonction du lieu où on joue, faire des minis créations à l'intérieur de cet univers. C'est aussi une scène ouverte dans laquelle on peut inviter d'autres artistes à se produire. Plus qu'un spectacle, on a créé une forme.

Dans ce spectacle, on entre de plein fouet dans l'univers d'une famille avec ses propres règles, ses fortes têtes... C'est quelque chose que l'on retrouve au sein d'un collectif comme Babylone ?

Anna : Cette création met en scène la vie d'une troupe et donc forcément on peut tomber dans le piège de s'auto-représenter.

Sébastien : Dans notre travail, on a de toute façon un recul sur le jeu de comédien. Même à travers des personnages, ce côté famille se ressent.

Qui mène la famille Babylone ?

Anna : C'est lui.

Patrice : C'est vrai que je suis le meneur, mais on a toujours eu avec Sophie une volonté de responsabiliser tout le monde, même celui qui vient juste d'arriver dans la compagnie. Les décisions se prennent collectivement.

Sébastien : Quand on arrive pas à se décider, Sophie et Patrice sont là pour trancher. Dans toute famille il y a une “hiérarchie”, même si je n'aime pas ce terme. Mais celui qui a envie de prendre des responsabilités dans telle ou telle chose, il le peut... c'est même conseillé.

Anna : On nous dit souvent que la collectivité c'est de l'utopie, mais dans notre cas, cette utopie marche depuis 19 ans !

Entretien réalisé le 19 mai 2005 à Plouigneau.

Retrouvez la compagnie Babylone avec le spectacle Les Vieux démons dans le cadre de la programmation 2005 du FAR de Morlaix (par ici...).

INTERVIEW : Lucie B, une princesse qui a les pieds sur terre

Aurélien Marteaux — 2005-05-13T13:13:00Z

Suite des interviews d'artistes en résidence au Fourneau et en pays de Morlaix. Cette fois, le bruit n'est pas dans la cuisine mais dans une voiture immatriculée dans le 31, celle de Lucie B. Pour le bruit, pardonnez l'expression, ce sera Les Wampas crachant de l'autoradio riffs électriques et paroles aiguisées.

En résidence (photos par ici...) dans le cadre du Mai des Arts dans la Rue, la belle Lucie cherche des princes charmants dans les communes du Pays. Au milieu de cette quête insensée, elle a pris le temps de se prêter au jeu des questions-réponses et de se perdre avec moi dans la campagne morlaisienne à la recherche d'une maison bleue... Lucie, ne cherche plus, le prince charmant c'est moi !

Extraits de route...

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Quel est ton métier Lucie ?

C'est pas simple... Je dirais photo-poète, même si je travaille aussi la comédie et la mise en scène. Je fais des photos dans l'optique d'en faire des poèmes.

Comment en es-tu venue à la photographie ?

Dans mon parcours, le théâtre et la photo ont toujours été liés. J'ai commencé le théâtre classique à 12 ans. Puis je suis partie au lycée dans l'armée de l'air parce que mon père voulait que je sois ingénieur aéronautique. A cette époque, je n'avais rien contre cette idée, même si je gardais en tête de devenir comédienne. Au lycée, il y avait un labo photo et comme je m'ennuyais à mourir j'ai commencé à travailler la photo noir et blanc, le tirage...

Un peu plus tard, j'ai eu un accident de voiture et je suis restée à moitié défigurée pendant plusieurs années. A cause de ça, j'ai pas réussi à continuer le théâtre. Avec l'argent de l'assurance, je me suis acheté mon premier appareil photo.

Quelle est l'origine du projet « Si les princes m'étaient comptés » ?

Au départ, c'est parti d'un travail réalisé lors d'un stage avec la compagnie CIA. Le stage c'était : faite votre spectacle dans la rue en trois semaines. Moi, au bout d'une semaine j'avais fini. Puis j'ai rencontré Eric Burbail avec qui je travaille en binôme depuis 2 ans. C'est grâce à lui que la création du spectacle a pu aboutir.

Au tout début, je jouais sur les balcons. C'est la première chose qu'Eric a changée. Il a imaginé l'idée du lit mobile. Quant je jouais au balcon, c'est arrivé que des gens essaient de monter. Bizarrement, le lit induit une distance alors que je suis physiquement plus proche du public. Plus tu es loin d'eux, plus les gens ont envie de s'approcher.

Pourquoi le mythe de la princesse et de son prince charmant ?

Petite, j'ai jamais aspiré à être une princesse. J'étais plutôt garçon manqué. Je préférais m'imaginer chercheur d'or plutôt que princesse. Mais comme dans le spectacle je voulais que les hommes deviennent des princes, il a fallu de fait que je devienne une princesse.

Dans ce spectacle, tu allies la photo et l'humain. Comment conçois-tu cette relation ?

On a décidé avec Eric de travailler beaucoup sur la proximité, c'est le moteur de tout. Quand je rencontre mes princes et que je les photographie, il y a un côté très intime. Quand je parle avec les gens, j'essaie toujours de savoir ce qu'ils sont, comment ils vivent...

Après il y a une relation entre des choix esthétiques, comme l'utilisation du noir et blanc, et le sens qu'on veut donner. Ce que je voulais dire aux gens, c'est : regardez, votre voisin il est beau, loin des aprioris physiques.

Comment abordes-tu les gens ? Quelle est ta méthode ?

Il n'y a pas vraiment de méthode. Tout se joue sur un coup d'œil. Suivant la manière dont la personne te regarde quand tu te diriges vers elle avec tes fleurs, ton appareil et quand elle voit que tu n'es pas du coin, tu sais rapidement si la personne va accepter ou pas. Faut pas croire, j'ai quand même des refus. Parfois certains refusent le premier jour puis acceptent le lendemain, parce que leurs copains ont accepté. En trois jours, les gens ont le temps de parler entre eux et les bruits circulent.

La rencontre est plus simple avec des personnes seules ou en groupe ?

C'est plus simple quand la personne est seule. Ce qui est difficile c'est quand le monsieur est en couple, dans ce cas il faut arriver à trouver une connivence avec la compagne avant de s'attaquer à lui.

En groupe, c'est très motivant. Il y a quelques jours, j'ai abordé un groupe de jeunes adossés à une voiture, haut-parleurs à fond, fumant des clopes avec l'attitude qu'il faut. Je me suis plantée devant ces sept mecs avec mes fleurs à la main et je leur ai dit : je cherche le prince charmant. Au début, ils m'ont prise très au sérieux. Et tout d'un coup, le plus maigre et certainement le plus jeune de la bande s'avance et il me balance : le prince charmant, c'est moi !

Au début, je prenais beaucoup de gens du théâtre de rue ou des musiciens de jazz. Les artistes de rue par exemple mettent facilement un genou à terre pour m'offrir les fleurs. Par contre, les musiciens de jazz me demandaient souvent s'ils avaient pas l'air ridicule. C'est pas pour généraliser mais on remarque comme ça des comportements communs. J'ai pris aussi des photos avec les compagnons d'Emmaüs et je suis même aller jusqu'à l'abbé Pierre. J'étais super intimidée, à tel point que je n'ai pas osé lui dire qu'il était mon prince charmant.

As-tu d'autres projets ?

J'ai un projet de bouquin avec la mairie de Tournefeuille près de Toulouse, où je serai en résidence l'année prochaine. Le projet, c'est de passer 24 heures avec des personnes de la ville. J'ai déjà vécu 24 heures avec la factrice, 24 heures avec une enfant de quatre ans,...

Entretien réalisé le vendredi 13 mai 2005 sur la route entre Plougasnou et la Chapelle du mûr.

Merci à la gentille dame qui nous a aidé à trouver la maison bleue qui ne l'était plus.