Les Reportages du Fourneau----

INTERVIEW : La parole à Laure Terrier, chorégraphe

Marion Pingault — 2025-02-26T09:42:30Z

La parole à Laure Terrier, chorégraphe

Vous avez imaginé cette nouvelle création avec l'écrivain Antoine Mouton. Comment avez-vous collaboré ?
Laure Terrier Nous avons passé du temps ensemble à observer nos pratiques d'écritures, chorégraphique et textuelle, en relation avec ce qu'on nomme espace public. Le mot « travail » s'est imposé, tant il concerne chacun de nous, comme un point commun de ce collectif que nous formons. Nous avions le désir de nous appuyer sur ce mot, dans ce qu'il évoque en soi, émotionnellement, physiquement, dans l'imaginaire autant, et de lui apposer un possible désenclavement. Que se passe-t-il si on regarde le « travail », longuement, vraiment. Si l'on ne le vit plus par habitude, mais qu'on le re considère. On peut peut-être alors prendre un peu d'air, de distance. On peut ensuite, sans doute, déconstruire encore et s'émanciper. Aller son propre chemin, être plutôt que faire. Et alors, s'il on est, comment on relationne ensemble ? Sans aucun doute, autrement que dans le monde du « sans contact ».
Maintenant, nous fabriquons la pièce. Antoine a quasi terminé l'écriture d'un long poème, que je tisse avec les présences des danseurs et danseuses, avec l'espace public, et aussi avec les sons et la musique d'Anne-Julie Rollet. Et Antoine fait partie des danseurs diseurs. C'est joyeux.

Comment travaillez-vous la partition des corps dans l'espace public ?
LT J'ai des désirs chorégraphiques clairs, que je cherche à transmettre à l'équipe, en ateliers. C'est artisanal la danse. On a des intentions, des images, et on travaille la matière corps pour que l'image arrive, pour que la danse exprime ce qu'on pressentait. On fait ça. On travaille le corps et ses intentions (et c'est aussi émotionnel), avec différentes envies : comment on voit d'abord des gens, et qu'en ces gens, on sent/voit une chute, un lâcher, quelque chose qui arrête de tenir. Qui s'ouvre. À l'espace, à l'autre, à soi-même. Puis on cherche dans la danse des formes qui racontent comment on relationne entre humains civilisés et occidentaux, puis comment, en plaçant l'attention dans se sentir être, on pourrait relationner autrement, former des cabanes éphémères de liens, de contacts, de touchés, différents. Le jeu ici avec l'espace public, c'est partir de lui, de gestes et manière d'y être classiques, d'usages communs, pour porter attention à du petit, du délicat, du sensible. De l'organicité vulnérable.

Au-delà de la chorégraphie et du texte, Animal travail intègre aussi la création musicale d'Anne-Julie Rollet et une composition chantée de Marie Nachury. Comment s'articulent ces différentes pratiques artistiques ?
LT Ce sont des matières différentes et semblables. Il s'agit toujours de bouger l'espace et d'agiter les particules, pour en être touché et s'attendrir. Le travail d'Anne-Julie ici, c'est apporter un air cinématographique à la pièce, c'est aussi faire sonner les bruits du monde (elle utilise des enregistrements de situations musicales et sonores du quotidien) et ses voix (par l'usage concret de radios). C'est aussi distordre tout ce réel, ce connu, pour en faire de la matière sonore, qui aide à plonger dans le dedans du vivant. Les radios, ça rentre fort en résonnance avec la question de s'accorder les uns·es aux autres, avoir chacun·e sa propre fréquence, sonner de ça, ensemble. Marie Nachury a composé un chant complexe et sublime. Ce chant, c'est entendre l'intériorité des danseurs et danseuses, la voix, le souffle, et encore ici, comment ces voix, ces tonalités, sonnent ensemble, peuvent, momentanément, composer de leurs hauteurs et textures diverses, un chant commun, et qui touche à la beauté. Un petit bout d'utopie.

INTERVIEW : La parole à Delphine Kermel, chargée de mission projets culturels et renouvellement de la charte du Parc Naturel Régional d'Armorique

Marion Pingault — 2025-02-26T09:42:20Z

La parole à Delphine Kermel, chargée de mission projets culturels et renouvellement de la charte du Parc Naturel Régional d'Armorique

Dans quel contexte s'inscrit l'accueil en résidence de La Fausse Compagnie ?
Delphine Kermel Cette action s'inscrit dans la politique culturelle d'aide à la création contemporaine menée par le Parc d'Armorique, qui vise à favoriser la participation des habitants et à soutenir la vitalité du territoire. En développant des projets culturels participatifs, le Parc souhaite en effet susciter des occasions de dialoguer autrement avec les habitants. C'est dans cette volonté que nous nous associons cette année au Fourneau et à la commune de Guerlesquin pour accueillir pendant trois mois (de janvier à tout début avril) Claire-Noël et Thomas Le Saulnier de La Fausse Compagnie. Baptisé mMm - mini Maison mobile, leur projet artistique, qui est aussi un projet de vie, vise à tisser des liens avec les habitants et nourrir leur activité de recherche et de création. C'est ce lien fort au territoire qui nous a séduits et décidés à accompagner ce projet.

À échelle de la commune et plus largement du Parc Naturel Régional d'Armorique, quels sujets sont interrogés par le biais de ce projet ?
DK La proposition originale de Claire-Noël et Thomas Le Saulnier, qui consistait à poser, non pas leurs valises mais leur mini Maison mobile dans une commune du Parc naturel, nous a immédiatement interpelés. En effet, il s'agissait à la fois d'un projet de résidence de création artistique, avec le souhait de partager aux habitants des moments de répétition et certaines coulisses de leur processus créatif. Mais c'était aussi l'exploration d'un nouveau mode de vie itinérant et sobre. Ayant à cœur de créer des liens avec les autres habitants, ils proposent des trocs de musique ou de menus services contre une lessive, l'invitation à une répétition contre l'hébergement des instruments dans un coin du salon ou du grenier. Ce retour de l'humain au cœur des échanges nous intéressait beaucoup.
La présence à la fois discrète, poétique et chaleureuse de ce couple de musiciens qui a voulu mettre en cohérence son mode de vie et sa pratique artistique avec ses convictions humaines et écologiques interroge de nombreuses thématiques d'intervention du Parc naturel et plus largement les thématiques de la transition écologique : comment se déplacer, se loger, se nourrir, se chauffer, se procurer de l'eau, recycler ses déchets…Toutes ces questions trouvent des réponses très visibles et évidentes en visitant la mini Maisons mobile. L'installation de la mMm souligne aussi d'autres questions plus sociales et sociétales : c'est quoi vivre dans une petite ville rurale ? Comment créer ou recréer des liens sociaux ? Comment s'installer dans un territoire rural ? Comment accueillir les nouveaux habitants ?…

Voilà plusieurs semaines que La Fausse Compagnie est installée à Guerlesquin. Comment se passe la cohabitation entre les habitants et les artistes ?
DK Claire-Noël et Thomas Le Saulnier ont reçu un accueil très chaleureux à Guerlesquin. En quelques semaines, ils ont rencontré de nombreux habitants, voisins, responsables associatifs, enseignants…La pendaison de crémaillère de la mini Maison mobile, le 17 janvier dernier, a permis à une trentaine d'entre eux de découvrir le fonctionnement de cette drôle d'habitation quasi autonome mais aussi d'apprécier la musique et la convivialité de leurs hôtes.
Hervé Tilly, élu à la culture à Guerlesquin et délégué du Parc naturel a souligné la grande implication des deux artistes dans la vie locale et remarqué que leurs propositions musicales et rendez-vous réunissaient à la fois des habitués des évènements culturels de Guerlesquin et des personnes que l'on voyaient habituellement moins, preuve des liens qu'ils ont déjà commencé à tisser localement.

INTERVIEW : La parole à Gwenn Le Bars, musicien

Marion Pingault — 2025-02-26T09:42:10Z

La parole à Gwenn Le Bars, musicien

95% MORTEL se présente comme une réponse artistique à la complexité du changement perpétuel de notre environnement. Selon vous, de quelle manière la musique permet de partager de nos interrogations sur le monde et la société ? Et quelles formes prend la musique dans votre nouvelle création ?

Gwenn Le Bars Ha ha, bonne question. Pour commencer la musique ne sera pas seule actrice dans ce spectacle. Elle sera accompagnée du chœur théâtral, exercice cher à la Compagnie du Coin depuis longtemps, et terrain de jeu favori de Kamchàtka. Le chœur théâtral permet par le déplacement et la création d'images de susciter l'émotion chez les spectateurs, et de créer une narration faite de symboles forts, que le public interprétera ensuite à sa guise. La musique, elle, a ça de puissant qu'elle va donner sa couleur à un moment. On peut éclairer une situation de manière radicalement différente selon quelle musique on joue. C'est donc l'aller-retour entre musique et chœur théâtral que nous mettons en avant dans ce spectacle pour partager avec le public nos grandes questions face au changement. La place de nos musiques est centrale, car elles alimentent sans cesse nos envies de narration. Une composition nous donne une humeur, et cette humeur répond à notre écriture dramaturgique. La musique devient narrative.

Votre nouvelle création se compose en deux actes. Pouvez-vous nous en donner un aperçu ?

GLB La forme du spectacle est en constante interrogation, pour répondre au mieux à notre écriture dramaturgique. Aujourd'hui, nous nous concentrons sur une pièce unique dans laquelle toutes nos questions, nos envies à partager avec le public doivent être traitées. Le début prenant la forme d'une convergence sur une place publique, nous nous posons la question d'une mise en jeu une demi-heure avant le vrai début du spectacle. Cette convergence aurait pour but de créer déjà un lien avec la ville et ses habitants, pourquoi pas d'embarquer avec nous des passants jusqu'au lieu du spectacle, où nous attendra le public convoqué.

Vos créations fonctionnent collectivement depuis de longues années. Pour 95% MORTEL, vous avez sollicité l'accompagnement de la compagnie Kamchàtka. Qu'est-ce que cette collaboration vous a apporté ?

GLB Tout d'abord, il faut préciser que la Compagnie du Coin s'entoure depuis toujours d'intervenant·es extérieures, et ce autant pour du training de fond que pour des mises en scènes, où il s'agira de formaliser les idées qui nous excitent depuis un moment. La rencontre avec Kamchatkà sonne comme une évidence, dans la mesure où nous sommes deux chœurs qui fonctionnent avec un média différent, la musique pour nous, le chœur théâtral sans paroles pour eux. Ce qu'ils nous apportent, c'est la faculté de raconter beaucoup avec peu. Nous avons nettoyé notre jeu pour le rendre plus pur, plus simple. Nous travaillons à la précision de nos intentions de jeu, de nos placements, et à simplifier le plus possible les signaux que nous envoyons vers le public. Nous sommes huit solistes improvisateurs qui œuvrons pour être au service d'un tout narratif. C'est un super travail, qui, on l'espère, donne d'autant plus de force à la musique que nous avons écrite pour ce nouvel opus.

Si nous sommes 95% mortel, que représentent les 5% restants ?

GLB Cette question du pourcentage nous amuse beaucoup. Le monde actuel et ses changements brutaux créent chez nous autres, humains, une sorte d'angoisse sourde et une impression de solitude, d'isolement et d'impuissance face à un avenir qui parait sombre. 5%, c'est cette probabilité - faible on est bien d'accord - pour que les choses se déroulent bien, c'est la réponse que nous sentons face à la crise actuelle. Ce spectacle tente de démontrer les probabilités minimales qui nous poussent à la curiosité et à l'ouverture, en espérant que quelque chose de beau puisse sortir du contact avec l'autre. 5% c'est faux, aussi, Et ce spectacle tente de le démontrer. On aimerait se donner du courage, se faire sentir qu'on est innombrables, nous les humains, que 95%, c'est nous, en fait, et que toute cette masse peut faire changer les choses vers un futur plus souriant que ce que l'on peut penser. On essaie d'y croire, en fait. Et même plus, on aimerait tenter une contagion. Une contagion sociale d'enthousiasme généralisé.

INTERVIEW : La parole à Julien Marchaisseau, metteur en scène

Marion Pingault — 2025-02-26T09:41:58Z

La parole à Julien Marchaisseau, metteur en scène

Dans Moun Fou, l'une de vos précédentes créations, vous aviez travaillé sur la question de l'hybridation entre arts de rue, espace public et cultures urbaines. Avec Youth is not a crime !, vous avez choisi d'investir particulièrement l'univers du skate. Pourquoi ?

Julien Marchaisseau À vrai dire, j'aurais plutôt tendance à dire que ma culture est urbaine avant d'être du théâtre et des arts de la rue, ma découverte du milieu artistique étant relativement tardive. Mon rapport à la ville s'est construit tout au long de mon enfance et adolescence, dans un rapport ludique aux quartiers que j'habitais, et notamment aux espaces qui n'étaient pas dédiés au jeu et aux enfants. Dans les quartiers populaires dans lesquels je vivais, la pauvreté des aménagements a suscité à l'intérieur de chacun.e de nous un mouvement de « survie ludique » : on inventait à chaque instant nos manières de jouer avec la ville, avec ses espaces en durs, le béton, le bitume et les interstices, les terrains vagues, là où la nature et le désordre reprenaient leurs droits. La pratique du skate a été pour moi une des composantes majeures de ce mouvement. Il m'a amené à regarder la ville autrement, à essayer de déceler et d'exploiter le potentiel de chaque parking, de chaque place, chaque mobilier ou escalier, d'utiliser les reliefs et ses circulations, au final de développer une sorte de sixième sens pour lire la ville et en révéler ses résonances poétiques intrinsèques. Depuis bientôt 15 ans, je fabrique des spectacles dans la ville, et c'est ce même sixième sens que je convoque à chaque fois. Cette nouvelle création est un peu un hommage à tout ce que m'a apporté le skate.

En octobre dernier, vous étiez à Brest pour deux journées de repérage qui vous ont permis de découvrir différents sites de pratique comme le skatepark Kennedy, la Place des Machines des Ateliers des Capucins ou encore le PLO à Plougastel-Daoulas. Qu'y avez-vous recherché, qu'est-ce qui a retenu votre attention et pourquoi ?

JM Nous étions cet automne au tout début du processus de création. Nous cherchions des espaces que nous pourrions investir pour le travail de création lors de la prochaine résidence à Brest en avril-mai 2025, en premier lieu des skate-parks et autres spots investis par la pratique ; nous travaillons en effet dans un aller-retour permanent entre la salle de répétition, espace protégé, et l'espace réel de la ville, à répéter in situ. Chaque processus de création d'une œuvre est très singulier, nous ne procédons jamais de la même façon ; cependant, une chose est récurrente, j'ai besoin de visualiser l'espace réel pour créer, pour commencer à voir la trame de la pièce se dessiner : c'est en grande partie le lieu qui me dicte la structure du spectacle, les grandes lignes de la mise en scène et nombreux éléments de dramaturgie. La spécificité de ce projet est qu'il n'y a pas deux skate-parks identiques, et que ces espaces sont généralement très contraints. C'est très différent d'un spectacle qui s'installe dans la ville et qui joue avec ses typologies habituelles (rues, places, frontières…), avec lesquelles on arrive finalement toujours à recomposer dans le mouvement. Il s'agit donc d'appréhender plusieurs lieux à la fois pour créer la forme qui pourra faire avec cette diversité et cette contrainte. En tout début du processus de création, nous avons commencé à investir une quinzaine d'entre eux dans cinq villes différentes : à chaque fois, on essaye d'imaginer quelle histoire pourrait se raconter dans le lieu, comment l'espace urbain résonne avec ce que nous connaissons de l'œuvre, quels symboles s'y nichent, quels mouvements et chorégraphies pourraient se déployer, où se positionnerait le public et comment il circulerait… un spectacle qui n'existe que potentiellement. Nous constituons ainsi une sorte de « banque » d'espaces réels et des possibles, que nous convoquons ensuite tout au long du processus de création et qui nous contaminent de leurs imaginaires. L'œuvre compose au final avec un petit morceau de chacun d'entre eux et acquiert la capacité à s'hybrider avec le nouveau lieu qui l'accueille.

À Brest, nous avons été marqués par trois espaces très singuliers : le skate-park Kennedy, en plein centre-ville, une douce sensation de pouvoir skater au cœur de la cité, mêlés aux autres usagers de la ville et bercés par ses mouvements et ses sonorités. La Place des Machines, un lieu gigantesque, où se croisent et cohabitent une incroyable diversité de pratiques ludiques, artistiques, sportives et musicales, tout ça dans un même lieu et dans un même moment, je ne pense jamais avoir rencontré un tel lieu ailleurs. Et enfin, le PLO, où on a découvert un équipement tout neuf, exceptionnel par sa grande qualité, et qui, ont vu, permet de développer la pratique et toucher le plus grand nombre.

À l'occasion de ce même passage à Brest, vous avez également rencontré la communauté skate de notre ville. De quelles manières ces rencontres nourrissent votre nouvelle création ?

JM Quand nous arrivons dans une nouvelle ville, la première chose que nous faisons est d'aller au skateshop, lieu où tous les skateurs et skateuses passent à un moment dans la semaine. À Brest, le Side Shore est un lieu ressource, emmené par des passionnés, qui nous ont permis de connecter très rapidement avec la communauté et de comprendre les enjeux de la pratique dans la région (je dirais pareil du PLO). On a la chance avec ce projet de faire une sorte de tour de France du skate, et de rencontrer une grande diversité de gens et tout autant de raisons de faire du skate, et en même temps, de nous ramener à chaque fois aux valeurs que tout ce beau monde partage, notamment l'entraide et le dépassement de soi. C'est une manière pour nous de ne pas nous perdre. Cette pièce n'a surtout pas la prétention d'être « un spectacle sur le skate », mais par contre, il est essentiel qu'elle puisse transpirer des valeurs fondamentales de la culture et de la pratique et de ne pas les trahir.

Croiser toutes ces personnes qui composent la communauté, observer comment et où iels pratiquent, partager ensemble une session, nous raconter nos histoires et autres anecdotes, échanger nos questionnements viennent profondément nourrir la création et son écriture. C'est une pièce sur cette part en nous qui ne veut pas grandir, sur notre désir à rester cet enfant curieux et aventureux, sur la nécessité qu'a la ville à l'accueillir et à laisser vivre cette poésie urbaine.

INTERVIEW : La parole à Périne Faivre, co-metteuse en scène

Marion Pingault — 2025-02-26T09:41:46Z

La parole à Périne Faivre, dramaturge

Racontez-nous l'histoire de Croire aux fauves de Nastassja Martin.

Périne Faivre Nastassjia Martin, anthropologue française, arpente depuis plus de 15 ans des territoires du grand nord pour étudier des collectifs humains : les Gwich'in en Alaska puis les Evènes au Kamtchacka. Ces derniers, repartis vivre en forêt, se reconnectent avec un mode de vie nomade fait de chasse et pêche, dans une vision animiste du monde. À l'occasion d'un de ses séjours de recherche, Nastassja Martin part en randonnée et tombe nez à nez avec un ours qui repartira avec un morceau de sa mâchoire. Croire aux fauves est le récit de cet événement qu'elle qualifiera par la suite de rencontre avec l'ours et non d'attaque, mais surtout le récit de sa reconstruction. Reconstruction de chair d'abord mais surtout tentative de compréhension de ce que cette rencontre implique, nous intimant un repositionnement nécessaire de l'humain face aux mondes.

Pourquoi avoir choisi de vous inspirer de ce texte pour votre nouvelle création ?

PF Croire aux fauves aborde de grands sujets que nous trouvons brûlants. Le rapport entre humain et non-humain, la question environnementale et l'état de crise face à l'effondrement climatique, les liens entre visible et invisible, le fait de repenser la pluralité des mondes au-delà de l'occident et de son impérialisme naturaliste... Mais la parole de Nastassja Martin n'est pas une injonction, ni un programme encore moins une posture idéologique. C'est un récit initiatique tant d'un point de vue humain que du point de vue de l'autrice qui tente après l'ours, de faire se réunir en un élan, une écriture savante et une écriture poétique.
En cela, nous retrouvons ce qui est comme le fil tendu de toutes nos créations : le témoignage, une parole intime au cœur de l'espace public pour aborder des sujets collectifs et politiques.

Croire aux fauves est un spectacle qui se joue de nuit et dans des espaces naturels. Qu'est-ce que ces deux éléments apportent à la dramaturgie ?

PF L'idée est venue très tôt lorsque nous avons décidé que Croire aux fauves serait notre prochain travail. Nous allions donner un rendez-vous nocturne au public, nous lui proposerions une marche d'approche et nous l'inviterons à écouter cette histoire en pleine forêt, au cœur de la nuit.
Le texte de Nastassja Martin est dense, fourni, c'est une véritable pensée en mouvement... et nous avions envie de transcender ce texte par une réelle expérience pour le public. Qu'au-delà des mots reçus, la question des sensations soit largement convoquée : ne pas bien voir, se déplacer différemment, avoir une autre perception des sons environnants, être déplacé, inconfortable, troublé... c'est bien tout ce que Nastassja Martin nous propose !
Nous avons toujours tenté, dans nos spectacles, de faire se rejoindre un propos et un lieu, une temporalité et une manière de faire se déplacer le public, un sujet et une expérience... c'est ce que nous tentons à nouveau avec Croire aux fauves ! On espère goulument que le public du Fourneau nous suivra dans cette nouvelle aventure

INTERVIEW : Guillaume Lambert, directeur artistique de "La Mesnie Hellequin"

Marion Pingault — 2024-02-15T10:20:49Z

La parole à Guillaume Lambert, directeur artistique

En quelques mots, qu'est-ce que le mythe de la Mesnie Hellequin ?

Guillaume Lambert C'est un mythe qui se cristallise durant le Moyen-Âge à travers différents noms et qui raconte le passage d'une troupe aérienne et nocturne composée de revenants et de créatures merveilleuses. On retrouve cette légende dans tout l'hémisphère nord. Selon les sources, ça ressemble parfois à un carnaval, parfois à une chasse à courre, parfois à une procession funéraire, parfois encore juste à une grande tempête. C'est ce côté pluriel et fragmentaire qui m'intéresse.

La première de La Mesnie Hellequin est prévue pour 2026, vous êtes donc au tout début du processus de création. Comment va se dérouler votre résidence au Fourneau ? Sur quoi allez-vous travailler ?

GL En 2024, nous allons partir à la quête des traces du mythe dans notre réalité contemporaine. Nous allons documenter et amasser des inspirations et de la matière pour nourrir l'écriture à venir en 25-26. Nous allons résider dans plusieurs territoires, dont celui du Fourneau, pour rencontrer des métérologues qui travaillent sur les tempêtes, des scientifiques qui observent les pollutions de l'air, des chasseur·euses, des travailleur·euses de la mort et de la mémoire qui pratiquent d'autres formes funéraires et mémorielles, des masques funèbre dans les carnavals ou halloween… Avis aux Brestois·es qui voudraient nous partager leur rapport à la mort, la chasse, le vent ou le carnaval !

Votre création porte des liens étroits entre art et recherche scientifique, comment envisagez-vous des passerelles dans votre processus de création ?

GL Quand je lis le mythe de la Mesnie Hellequin, je pense immédiatement à la tempête écologique contemporaine. C'est pour ça que je veux rencontrer des scientifiques travaillant sur les bouleversements environnementaux qu'on connaît, pour mieux comprendre ce qui se joue, et traduire avec le langage du mythe ce que notre époque traverse. C'est ce processus que j'ai expérimenté avec l'île sans nom, ma précédente création, pour laquelle j'ai traduit avec les mots du conte la trajectoire environnementale d'une île de l'océan indien.

Votre compagnie L'Instant Dissonant fait partie des 3 lauréats du dispositif Hors Cadre 23. Expliquez-nous l'importance d'un tel dispositif pour une création comme la vôtre ?

GL Hors Cadre nous permet de financer un processus long de recherche dans l'espace public. Cela va nous permettre de tester des dispositifs monumentaux, comme de grandes sculptures et un théâtre de foule. C'est aussi un dispositif qui nous inscrit dans le réseau des CNAREP puisque nous irons résider aussi à Pronomade(s) en Haute Garonne, au Citron Jaune en Camargue, Sur le Pont à la Rochelle… pour enrichir notre recherche de tous ces territoires. On va pouvoir renforcer nos intuitions de création en dialoguant avec les équipes accueillantes pour ajuster au mieux notre création à son futur réseau de diffusion. C'est aussi un soutien qui nous légitime pour aller chercher d'autres partenariats auprès des scènes généralistes voire même à l'international.

INTERVIEW : Solenn Heinrich, artiste équestre de "LE VIF"

Marion Pingault — 2024-02-15T10:20:24Z

La parole à Solenn Heinrich, artiste équestre de la compagnie Équine Situ

Présentez-nous votre parcours professionnel.

Solenn Heinrich Le cheval a toujours fait partie de ma vie. Malgré une licence en management du sport et un master d'éthologie, les belles rencontres dans ma formation équestre ont eu raison d'un métier « normal ». Adolescente j'ai suivi le cursus d'athlète de haut niveau jeune, où la compétition organise le quotidien. Jeune adulte je me forme chez des grands maîtres du dressage équestre. Parcours initiatique exigent. C'est à ce moment-là, par hasard, que je me retrouve à Zingaro aux côtés de Bartabas, sans jamais avoir fantasmé le spectacle. Ma passion est l'éducation des chevaux. La rencontre est mouvementée et forte. L'histoire va durer 10 ans. 8 créations plus tard, je pars voler de mes propres ailes. Un passage de 2 ans au théâtre du Centaure à Marseille m'éveille à ce que je garde en moi des années Zingaro. Puis je passe 2 années à me former, au clown, au débourrage. Je m'installe comme enseignante, passionnée de pédagogie dans la région de Rennes, à mon compte. À nouveau par le biais de Bartabas, le spectacle s'invite dans ma vie : il me donne un de ses chevaux, puis donne mon nom pour une performance qui lui ai proposée, il est indisponible. La rencontre avec Dominique Orvoine est décisive pour la structuration du projet et la naissance d'Équine Situ.

Quelle est la place du cheval dans votre processus de création ?

SH Le cheval a toujours été la petite lumière au fond du tunnel, ou le soleil de ma vie. Je veux que la place finale du cheval soit au centre du spectacle. Dans le processus de création, je démarre du champ des possibles avec les forces en présence. La personnalité de chacun des chevaux guide le propos.

Après Un Air de rencontre, LE VIF est votre deuxième création. Quel est le point commun entre ces deux projets ?

SH Dans les 2 spectacles la relation au cheval est en question. D'une manière plus personnelle dans Un Air de rencontre, plus universelle dans LE VIF. Je suis obsédée par l'envie de partager la magie, la beauté, et les épreuves aussi, de la vie aux côtés du cheval.

Pendant cette résidence au Fourneau, sur quoi allez-vous spécifiquement travailler ?

SH Cette résidence sera vouée à préciser la dramaturgie. Nous avons notre matière. Il faudra y ajouter plus de sens, de ressort, de rythme. S'y essayer avec les 1ers éléments de costumes, et de son.

INTERVIEW : Thylda Barés, metteuse en scène de "n degrés de liberté"

Marion Pingault — 2024-02-15T10:20:04Z

La parole à Thylda Barés, metteuse en scène du spectacle "n degrés de liberté"

Explicitez-nous le titre n degrés de liberté, votre nouvelle création.

Thylda Barés Avec ce spectacle nous voulions faire un parallèle poétique entre des systèmes chaotiques. La physique de l'atmosphère par exemple, la météorologie. Et la révolution. Les systèmes très chaotiques ont un nombre de degrés de liberté important. Les degrés de liberté, ce sont les éléments qu'on n'arrive pas à maîtriser ou à prévoir. Un infime changement des conditions initiales et le résultat sera totalement différent.

Aujourd'hui on peut seulement prévoir la météo que 10 jours en avance. On ne la contrôle pas, c'est un des derniers bastions d'incertitude du monde. Le tout début d'une tempête par exemple. Une dernière goutte d'eau s'évapore à l'autre bout de la planète. Et tout s'enclenche. Dans une ville aussi, une dernière goutte d'eau, peut faire déborder la révolte.

Nous voulions travailler sur la révolution avec un prisme autre. Nous avons peu à peu commencé à travailler avec Aglaé Jezequel (ENS Paris) et Davide Faranda (CNRS) spécialistes des évènements climatiques extrêmes.

Dans n degrés de liberté, vous créez des parallèles entre une révolution, en l'occurrence la Commune de Paris, et une tempête. Quels sont selon vous les points communs entre ces deux typologies d'événements ?

TB Nous voulions adresser les parallèles entre la Commune et nos vies aujourd'hui. Voir la révolution comme un acte violent mais nécessaire. Entre la nécessité de révolte en 1871 et la nécessité de révolution écologique aujourd'hui. Entre la domination de l'Homme sur l'Homme et de l'Homme sur la Nature. La tempête nous permet de lire la révolution, sous un angle non-individuel. C'est l'évènement dans son ensemble qui donne du sens, pas chaque petite goutte, mais le torrent.

Pour chacune de vos créations, vous vous emparez d'une contrainte fort. Dans Traverser la rivière sous la pluie, vous utilisez le grommelot, un langage inventé ; puis dans Pourquoi les vieux, qui n'ont rien à faire, traversent-ils au feu rouge ?, vous jouez avec des demi-masques. Est-ce que n degrés de liberté comprend elle aussi une contrainte forte ? Si oui laquelle et pourquoi ce choix ?

TB Pour cette troisième création, les sept acteurices joueront sur deux mètres carrés, un échafaudage Layher, un petit tréteau construit durant le spectacle.

Le langage premier de ce spectacle est le geste - sculptant l'espace par le mouvement. Dans cet espace très réduit, personnages, lieux et objets seront créés avec les corps, les portés, dans un travail choral poussé à l'extrême.

Nous créons par des improvisations, au plateau, ensemble. C'est collectivement que nous jouons ensuite tous les personnages, les décors et les situations. Le personnage principal est donc le collectif. Qu'est-ce que ça veut dire le groupe, l'ensemble, l'équipe ? Comment écrit-on ensemble, pense-t-on ensemble, se bat-on ensemble ?

INTERVIEW : Cyril Puertolas, co-directeur artistique de "Jours"

Marion Pingault — 2024-02-15T10:19:41Z

La parole à Cyril Puertolas, co-directeur artistique de "Jours"

À l'image de vos précédentes créations, Jours repose sur le théâtre de l'absurde, un genre que vous maniez avec une grande habileté. Quelles sont les procédés d'écriture et les principales sources d'inspiration qui ont permis l'éclosion de cette nouvelle création ?

Cyril Puertolas Pour Jours, petit effet rétro dans les années 80 avec chute de mur, explosion nucléaire, activistes Greenpeace, construction européenne, Nana Mouskouri, hymne à la joie Schubertiste, Donkey Kong version Game and Watch, les Ailes du désir sans Bruno Gantz, Barbara, une radio libre, un stage de formation au masque de centre de loisirs...
Procédé de collage dramaturgique incertain. Nana Mouskouri dès le début, juste avant les activistes Greenpeace ! Pourquoi ? Ce n'est peut-être pas nous qui écrivons l'histoire... Qui alors ?
C'est l'histoire d'une attachée culturelle qui a un frère autiste et qui a monté avec lui un événement d'inauguration de la construction européenne sur la place du marché en invitant le voisinage et notamment Zéphir qui organise des stages de masques et aussi d'anciennes copines devenues activistes sans savoir qu'un ange invisible joué par un acteur moyen en tout cas moins bon que Bruno Gantz tombera amoureux et après plein de péripéties un grand moment de joie arrive aussi con et imparfait mais tellement puissant digne des meilleures comédies européennes à budget modéré... Le plus étonnant... (écrire la suite)

Votre nouvelle création s'appelle Jours et a pour sous-titre « concentrés de joie ».
Quelle est votre définition de la joie ?

CP Qu'est-ce que la joie ? Avant de répondre à cette question, je tiens à préciser que j'appartiens à un groupuscule qui développe des idées librement inspirées de sites de bien-être et aussi de quelques philosophes morts comme Baruch Spinoza, mais pas que. Je dialogue aussi avec des personnes disparues comme ma grand-mère qui avait le don de me procurer de la joie. Je ne sais pas où elle même se la procurait mais à l'époque ce n'était pas une denrée rare, un peu comme aujourd'hui les produits illicites. Donc pour être clair et encore plus isolé, je pense que la joie est un produit naturel. À vérifier.

Votre résidence au Fourneau est l'une des dernières avant la première du spectacle qui aura lieu cet été 2024. Ces quelques jours de création se clôtureront par une expérimentation publique à Brest. Si vous deviez faire une réclame efficace pour inviter le public à assister à Jours, quelle serait la punchline ?

CP Notre punchline, notre punch en ligne pour les soirées virtuelles (à boire la veille au soir donc) : si t'es pas trop fracassé demain matin va voir le Jour.

INTERVIEW : Charlotte Déniel et Loïc Le Manac'h, coordinateur·rices artistiques de « Bundren ! »

Sahan Robert Kerijaouen — 2023-08-04T12:55:26Z

La parole à Charlotte Déniel et Loïc Le Manac'h, coordinateur·rices artistiques

Bundren ! est un spectacle librement inspiré du roman Tandis que j'agonise de William Faulkner. Pourquoi avoir choisi cette œuvre et comment l'avez-vous adaptée pour créer un spectacle en espace public ?

Charlotte Déniel et Loïc Le Manac'h : La lecture de Tandis que j'agonise a été pour nous un véritable choc littéraire, cette farce épique et brutale qui écrase toutes les convenances sur son passage et laisse le lecteur à la fin du roman avec un sourire noir et abasourdi. Rapidement, dans ce road-trip funéraire et tragi-comique, j'ai vu tous les ingrédients nécessaires pour convier un public à une véritable épopée théâtrale, à explorer les mystères et la complexité des rapports humains.

Pour le travail d'adaptation, nous avons d'abord sélectionné les espaces, les principales arènes nécessaires au développement de l'intrigue. Ce choix des espaces nous a permis de choisir les situations, les dialogues et les personnages qui nous semblaient propice à une dramaturgie théâtrale. L'enjeu central pour nous a toujours été de rendre compréhensible et accessible cette narration si particulière dans la temporalité d'un spectacle. Notre travail d'adaptation continue désormais d'évoluer à chaque nouveau territoire où nous projetons de jouer.

Vous définissez Bundren ! comme un road-trip rocambolesque et pathétique, un voyage funeste et tragi-comique. Expliquez-nous cet antagonisme ?

CD et LM À la lecture du roman, on oscille constamment entre le rire et les larmes, entre la noirceur de l'intrigue et les situations pathétiques que traverse la famille Bundren, le tout porté par des personnages hauts en couleurs. C'est ce que nous cherchons à retranscrire avec notre adaptation théâtrale. William Faulkner s'amusait à définir son roman comme « une tragédie de seconde main », c'est-à-dire une tragédie qui ne se passe pas comme elle devrait se passer au sens antique, mais où l'on tombe de Charybde en Scylla en suivant non pas des héros mythologiques mais des paysans pauvres. Le glorieux y cède la place au dérisoire et le sacré au profane de l'existence. Les protagonistes se retrouvent confrontés à des situations profondément ancrées dans le réel et affrontent sans cesse leurs propres limites.

Bundren ! propose une expérience théâtrale hors norme de près de 5h (avec entracte). Ce format singulier intègre plusieurs actes illustrés par des sites de jeu et des scénographies différentes intégrant une bande son live qui accompagne cette fresque. Dans ce format original, comment avez-vous pensé la place du public ?

CD et LM Tandis que j'agonise nous raconte un voyage. Une longue marche où le lecteur semble constamment derrière eux, en empathie avec chacun des membres de la famille Bundren. C'est ainsi que j'ai pensé l'expérience du spectateur. La puissance littéraire de l'œuvre réside pour moi dans cette proximité entre lecteur et personnage qui fait du roman une aventure qui se vit. Il faut donc que ce soit aussi le cas du spectacle : que cela ne soit pas seulement un « regard » que le spectateur pose mais aussi une expérience qu'il traverse, une immersion aussi totale que possible. Nous avons donc pensé à découper le roman entre des moments où le spectateur est assis et des moments de marche afin qu'il ressente physiquement cette traversée épique et dérisoire.